CMC Garaikideak

ENCUENTRO CON EL COMPOSITOR JOSÉ Mª GOICOECHEA EN EL CONSERVATORIO SUPERIOR DE NAVARRA

2012-02-08T00:16:00.000-08:00

La Fundación Ars Incognita ha organizado un encuentro con el compositor, organista, director de coro y pensador navarro D. José Mª Goicoechea Aizcorbe, que se celebrará el próximo viernes 10 de febrero a las 18 horas en la Sala Fernando Remacha del Conservatorio Superior de Música de Navarra (Paseo Antonio Pérez Goyena nº 1 de Pamplona-Iruña).

Este encuentro, organizado por la Fundación Ars Incógnita en colaboración con la Ciudad de la Música y los departamentos de Composición, Musicología y Pedagogía del Conservatorio Superior, será presentado por Julio Escauriaza Director del Conservatorio Superior de Música de Navarra y estará moderado por Teresa Catalán, Compositora y Catedrática de Composicion en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Utilizando los medios audiovisuales de la sala, será presentada y comentada la Tercera Sonata Ambiental para órgano, recientemente estrenada e incluida en un disco monográfico que será publicado próximamente por la Fundación Ars Incógnita. Contaremos con la presencia de D. Raúl del Toro, organista y profesor del Conservatorio Superior de Música de Navarra, quien comentará la obra desde el punto de vista del intérprete.

La Fundación Ars Incógnita , pondrá a disposición del público un estudio sobre esta obra realizado por el autor junto con copias de las partituras que se proyectarán durante el evento. Además el propio autor presentará su actual sistema de composición que presentó recientemente en la conferencia-concierto homenaje celebrada el pasado mes de Noviembre en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, así como el disco monográfico Evocaciones publicado en 2006.
Formado sólidamente en Roma, Madrid, Barcelona y Valladolid, Goicoechea llegó a Pamplona en 1960 y su gran interés por la música de su tiempo, le puso en contacto con Cristobal Halfter y Fernando Remacha, que le animaron a conseguir una beca para participar en los cursos estivales Internationalen Ferienkurse für Neue Musik de Darmstadt donde estudia con Karlheinz Stockhausen y posteriormente en la Academia Chigiana en Siena, donde recibirá el magisterio de Franco Donatoni su principal maestro.

Estos encuentros sirvieron para revisar la incansable labor de investigación, interpretación y creación. Desde una gran plantalla de alta definición, se proyectará una selección de obras que comprenden el trabajo realizado por Goicoechea desde 1950 hasta nuestros días con la interesantísima aportación de los comentarios del autor.

ESTRENO DE LA OBRA “SUITE PARA TÍTERES” de Ignacio Fernández Galindo

2012-02-01T11:49:00.000-08:00

ESTRENO DE LA OBRA “SUITE PARA TÍTERES” EN EL CICLO PAMPLONA ACCIÓN MUSICAL 2012, ORGANIZADO POR EL AYUNTAMIENTO DE PAMPLONA

HORA: Viernes 3 de febrero. 19.30 horas
LUGAR: Civivox Condestable

Original de Ignacio Fernández Galindo para trío de violín, acordeón y piano, inspirada en el cuento “Brunilda, el escarabajo y los tres hechizos” del propio autor. Duración aproximada: 18 minutos

PROGRAMA: Obras de Astor Piazzola, J.S. Bach, Gabriel Fauré, Eduardo Zudaire. Joaquín Taboada e Ignacio Fernández Galindo.

Nota del autor:
La obra se estructura en una suite, con su correspondiente sucesión de números o pasajes, de ahí el título SUITE PARA TÍTERES, pero las similitudes con la música escénica infantil son sólo aparentes. El relato utiliza recursos narrativos infantiles o de tradición oral pero están dirigidos a adultos. A pesar de que el viaje interior de la niña protagonista es extraño y duro, la música que acompaña las escenas es predominantemente tonal. En cuanto al relato, que estoy escribiendo a la vez que la música, lleva el título de BRUNILDA, EL ESCARABAJO Y LOS TRES HECHIZOS. El hilo argumental se aleja de clásicos como Esopo o La Fontaine y se acerca más a la narrativa contemporánea (el texto, una fábula al fin y al cabo, es un alegato contra la desigualdad y la falta de libertad dentro de un escenario irreal e imaginario)

En la partitura aparece citada expresamente la canción THAT OLD FEELING, compuesta en 1937 por Lew Brown (1893 – 1958) y Sammy Fain (1902 – 1989), un clásico que han versionado todos los grandes del jazz, desde Frank Sinatra hasta Ella Fitzgerald, y es uno de mis temas preferidos de los años 30 -tiene una belleza formal imposible de olvidar-. Sobre este tema se construye un arreglo que espero que haga justicia al material original. En este homenaje clásico hay solos muy sencillos, con acompañamientos muy austeros en los dúos hasta la recapitulación del tema con el trío final.

La obra se presenta únicamente con su interpretación musical, ya que el autor está actualmente trabajando en el texto literario del cuento. El método de trabajo ha sido inverso respecto a una adaptación tradicional, ya que el cuento se ha ido construyendo a la vez que la música.

Intérpretes:
Juan Cazcarra, acordeón. Huesca, 1991.
Estudios musicales en el Conservatorio Profesional de Música de Alcañiz, además de cursos de perfeccionamiento musical, de análisis musical y de perfeccionamiento de acordeón. En el verano de 2007 participa en el curso de acordeón organizado por La Escuela Internacional de Música de la Fundación Príncipe de Asturias(Oviedo). Ha participado y ha recibido premios en numerosos concursos como solista y en la categoría de Música de Cámara. Alumno del Conservatorio Superior de Navarra.
Irene García, violín. Logroño, 1991.
Estudios en el Conservatorio de Grado Profesional de La Rioja. En 2010 es seleccionada como violín titular de la Joven Orquesta de Euskadi y actúa como concertino-solista. En esemismo año obtiene una beca para tocar en la Orquesta Sinfónica de Euskadi y participa en diferentes abonos con los directores Andrés Orozco-Estrada, Andrey Boreyko y M. Michal Nesterowich. Es miembro de la Orquesta Sinfónica de La Rioja y colabora en varias orquesta juveniles. Alumna del Conservatorio Superior de Navarra.
Tania Loza, piano. Logroño, 1991.
Estudios en la Escuela de Música de Logroño y en el Conservatorio Profesional de Música de La Rioja. Ha participado en cursos de perfeccionamiento musical y ha recibido clases de orientación pianística. Actualmente estudia en el Conservatorio Superior de Música de Navarra ‘Pablo Sarasate’.

Autor:
Ignacio Fernández Galindo. Pamplona, 1973.
Licenciado en Ciencias de la Información y Ciencias Políticas. Profesor de Comunicación Audiovisual en CTL Escuela de Imagen y Sonido. Estudios iniciales en el Conservatorio Pablo Sarasate. Ha desarrollado proyectos educativos para la postproducción de sonido. Cofundador del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK, un grupo de estudio para la creación y difusión de música contemporánea en Navarra. Ha impartido cursos y seminarios sobre ambientación musical en producción audiovisual, propiedad intelectual y semiótica de la imagen.

CONCIERTO DE MARÍA SUBERVIOLA EN EL CICLO PAMPLONA ACCIÓN MUSICAL 2012

2012-01-25T11:39:00.000-08:00

Martes 31 de enero

19:30 horas

Civivox Condestable

Nacida en Pamplona en 1985, inicia sus estudios musicales a la edad de 7 años en la escuela de música Joaquín Maya de Pamplona. Posteriormente continúa ampliando sus estudios pianísticos en el Conservatorio Profesional Pablo Sarasate de Pamplona con profesores como Alberto Urroz, Maite Ascunce y Jan Maarten van der Mark. En el Centro Superior de Música del País Vasco, Musikene, estudia con Marta Zabaleta y Miguel Borges Coelho. Aquí también realiza la especialización como Solista de Música Contemporánea como alumna de Daniel del Piano, graduándose en 2010.
En su actividad concertística destacan sus actuaciones en Musikene, Conservatorio Superior de Navarra, Teatro de Mendigorría, Plaza del Palau de Albaida (Valencia), Auditorio de Puigcerdà (Girona), Auditorio du Mesnil des Arts (Villereal, Francia), Auditorio del conservatorio de música Joaquín Maya, en el ciclo de Jóvenes Pianistas celebrado en el Auditorio de la Escuela de Música del Valle de Egüés, en la Casa de Cultura Alfonso X el Sabio de Guadarrama (Madrid) y el Museo Muñoz Sola de Tudela, Auditorio de Noain entre otros.
Desde 2009 es profesora en la Escuela Municipal de Música de Pamplona, Joaquín Maya.

CONCIERTO DE ENDIKA GUTIÉRREZ Y MARÍA VICTORIA JERICÓ DENTRO DEL CICLO PAMPLONA ACCIÓN MUSICAL 2012

2012-01-24T02:17:00.000-08:00

Día: Jueves 26 de enero
Lugar Civivox Condestable, calle Mayor (Pamplona)
Hora: 19:30
Intérpretes: María Victoria Jericó y Endika Gutiérrez (violín y piano)

Mª Victoria Jericó, violín. Pamplona, 1987. Inicia estudios musicales en la Escuela de Música Joaquín Maya, cursa grado medio en el Conservatorio Profesional de Música Pablo Sarasate y termina estudios superiores en el Conservatorio Superior de Música del Liceo. Ha recibido clases magistrales de violín y música de Cámara y actualmente estudia violín con Tatiana Aleshinsky.

Endika Gutiérrez, piano. Madrid, 1976. Primer premio del IV Concurso de Música de Cámara Fernando Remacha del Conservatorio Pablo Sarasate de Pamplona, Medalla de Oro en el C.N.R de Bayona y Primer Premio del Conservatorio Superior de París, ejerce su labor pedagógica en el Conservatorio F. Remacha de Tudela como profesora repertorista.

Veli-Matti Puumala: "Chainsprings" (1997)

2012-01-23T09:27:00.000-08:00

Veli-Matti Puumala (nacido en 1965 en Kaustinen, Finlandia), estudió composición con Paavo Heininen en la Academia Sibelius desde 1984 hasta 1993. También ha asistido a cursos en la escuela de verano de Darmstadt, Accademia Chigiana de Siena con Franco Donatoni y ha participado en clases magistrales a cargo de Klaus Huber, Gérard Grisey y Lindberg Magnus.
Desde 1989 imparte clases de teoría musical en la Academia Sibelius y composición desde el año 1997.
La música de Puumala se caracteriza por ser colorista,con abundancia de detalles, compartiendo afinidad con la complejidad modernista.

DESHIELO EN PAMPLONA El conocido multipercusionista Martin Grübinger se estrena junto a la Orquesta de Euskadi

2012-01-19T00:43:00.000-08:00

Auditorio Baluarte,
Martes 17 de enero, 20:00
ORQUESTA SINFÓNICA DE EUSKADI
(6º programa de abono)

Andrés Orozco-Estrada, director
Martin Grubinger, percusión
Programa:
M. Finnissy: Zortziko (encargo OSE, estreno absoluto)
A. Dorman: Frozen in Time
J. Brahms: Sinfonía nº4

Tras un tibio recibimiento a la obra de Michael Finnissy que abría el programa (Zortziko, estreno dentro de Tesela Proiektua), llegó una obra espectacular, Frozen in Time, firmada por el joven compositor israelí Avner Dorman (Tel Aviv, 1974), concierto para percusión y orquesta que el propio autor ha definido como "instantáneas imaginarias del desarrollo geológico de la Tierra desde la prehistoria hasta nuestros días". En una fría, desapacible e invernal tarde en Iruña, el percusionista Michael Grübinger y la Sinfónica desplegaron una fuerza incontenible que logró la emoción hasta del espectador menos próximo a la estética contemporánea. Fue tal la espectacularidad de la obra que, tras el descanso, la magnífica Cuarta Sinfonía de Brahms quedó un tanto desvaída tras semejante estallido previo.

Con tan solo 36 años Avner Dorman se ha convertido en uno de los músicos más reconocidos tanto en su Israel natal como en Estados Unidos. Dorman estudió en la Juilliard School con John Corigliano y se graduó en Música, Musicología y Física en la Universidad de Tel-Aviv, ciudad en la que también se formó junto al compositor Josef Bardanashvili. Becario en el Centro de Música de Tanglewood, ha sido compositor en residencia de la orquesta Camerata de Israel entre 2001
y 2003. El catálogo de Dorman alcanza las cuarenta obras entre las que se cuentan composiciones orquestales como la Sinfonía Ellef (2000), Variations without a Theme (2001-03), estrenada por Zubin Mehta; piezas de cámara –dos cuartetos de cuerda (2003 y 2004), un trío para violín, violonchelo y piano (2002), una sonata para violín y piano (2004)– y pianísticas –Moments musicaux (2003) y tres sonatas (1999, 2000 y 2005)- y algunas piezas vocales de raíces judías –Nofim (1999), Boaz (2002)– y electroacústicas como Accord/Discord (1999) y Sudden Void (2001).
Pero donde Dorman ha cosechado algunos de sus mayores éxitos ha sido en el repertorio para solista y orquesta, que incluye conciertos para piano (1995), piccolo (2001), saxofón (2003), violín (2006), mandolina (2006), un Concerto grosso (2003) y tres partituras para percusión: Udacrep Akubrad (2003) y Spices, Perfumes, Toxins! (2006), ambas para 2 percusionistas, y el
concierto Frozen in Time (con más de 20 instrumentos de percusión a cargo del solista). Compuesto en 2007 y estrenado el 2 de diciembre de ese año por Martin Grübinger y la Filarmónica de Hamburgo dirigida por Simone Young, Frozen in Time hace referencia, según su autor, “a instantáneas imaginarias del desarrollo geológico de la Tierra desde la prehistoria hasta nuestros días”.
Cada uno de sus tres movimientos imagina la música de un gran continente prehistórico en un momento determinado. En el primero, IndoAfrica, el tema principal se basa en los ciclos rítmicos (talas) y escalas del sur de la India mientras el segundo tema remite a algunas tradiciones de la música del África occidental. En EurAsia, que para Dorman representa “una exploración de los aspectos más oscuros del megacontinente”, el solista utiliza solo instrumentos de metal. Sus materiales melódicos “están inspirados por las Sicilianas de Mozart que aparecen en algunos de sus más íntimos y emotivos movimientos”. The Americas, sensiblemente más breve, es una “instantánea del presente” en forma de rondó que, en su amalgama de ritmos y estilos (de Broadway a la música grunge, del jazz al rock de Seattle, del tango al swing y al minimalismo), alude a la mezcla de culturas como elemento básico de la América moderna.

Una tarde inolvidable.

Friedrich Cerha: "Instants"

2012-01-12T04:42:00.000-08:00

Friedrich Cerha(1926) es un compositor y director austriaco.
Recibió su educación en la Academia de Música de Viena y en la Universidad de Viena. En 1958, junto con Kurt Schwertsik , creó el grupo "Die Reihe", que fue un instrumento importante para la difusión de la música contemporánea en Austria.
La obra que nos ocupa "Instants" es una de sus últimas composiciones.
Esta obra para orquesta fue realizada entre los años 2006/2007.

HARRISON BIRTWISTLE: CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA (2010)

2012-01-08T16:07:00.000-08:00

http://www.boosey.com/cr/news/Harrison-Birtwistle-reviews-of-new-violin-concerto/12260&LangID=1

EISLER EN EL RECUERDO: CATORCE MANERAS DE DESCRIBIR LA LLUVIA (1941)

2012-01-06T13:21:00.000-08:00

En el año 1941, Hanns Eisler (Leipzig, 1898 - Berlín, 1962) compuso una obra interesantísima, suficiente por sí misma para reclamar la atención y el respeto que se merece este autor. Esta obra es el quinteto Vierzehn Arten den Regen zu beschreiben (Catorce maneras de describir la lluvia), basada en la música creada por el compositor para la película experimental LLUVIA (Regen, 1929) del realizador holandés Joris Ivens. Esta película, de la que extraemos un fragmento subido a You Tube, muestra imágenes de Amsterdam bajo la lluvia y cómo cambia su aspecto durante un espacio de tiempo. La forma del tema con variaciones del quinteto es muy sugerente para que los cambios en el paisaje urbano se asocien a la música. Y Eisler parte de una serie expuesta al comienzo que va modificándose, según sus palabras, va evolucionando desde el naturalismo más simple de una pintura detallada y sincrónica hasta los contrastes extremos en los que la música reflexiona más allá de la imagen. Esta misma cita podía haberla expuesto perfectamente otro pionero del cine: el realizador ruso Dziga Vertov (su película El hombre con la cámara, de 1922, es sorprendentemente actual)

Hay otro detalle que también ayuda a comprender la obra. Eisler la compone en 1941, cuando se encuentra lejos de Alemania, exiliado a la fuerza por el nazismo dado su compromiso político, el mismo que, curiosamente, también le obligó a abandonar Estados Unidos. La lluvia, en la película de Ivens, está asociada con la tristeza. Pero como siempre en Eisler, hay un lugar para la ironía y pensó en titularla en un principio Catorce maneras de estar triste con dignidad. Es ésta una auténtica obra maestra, poética y distante a la vez en lo expresivo, pero ciertamente dotada de un innegable poder de atracción y cuya perfección formal es ejemplo de un aventado discípulo de Schönberg.

Las reminiscencias schönbergianas aparecen también en la plantilla elegida para la obra, en una clara alusión al Pierrot Lunaire: flauta, clarinete, violín (en ocasiones viola), violonchelo y piano.

RESEÑA LITERARIA: MÚSICA AL LÍMITE de Edward W. Said

2011-12-28T02:56:00.000-08:00

MÚSICA AL LÍMITE. Tres décadas de ensayos y artículos musicales
Prólogo de Daniel Barenboim
Edward W. Said (1935-2003)
Editorial DEBATE/RANDOM HOUSE MONDADORI
1ª edición: junio de 2010

La crítica musical adolece de un mal extendido como una epidemia: es difícil encontrar tras los juicios un verdadero respeto y amor por la música. Casi todas las puestas en escena, para estos rabís, se parecen asemejar a turbios intentos de mercaderes en el templo, que esquilman y profanan la más pura esencia de la música. Y lo más peligroso, está de moda. Es más sencillo asomar el colmillo por las comisuras de los labios que ejercer una guía personal y sincera para el lector/espectador.
Ese tipo de críticas no las vamos a encontrar en este delicioso volumen que presenta la editorial Debate, con el apoyo de la Fundación Barenboim-Said y la Junta de Andalucía.

MÚSICA AL LIMITE reúne lo mejor de tres décadas de ensayos de Said (nacido en Jerusalén en 1935 y fallecido en 2003) sobre música, aunque no exclusivamente. Cubriendo una gran variedad de compositores e intérpretes, Said analiza el contexto social y político de la música, y ofrece perspectivas ricas y a menudo sorprendentes. Reflexiona sobre la censura de Wagner en Israel; la relación entre música y feminismo; y las obras de Beethoven, Bruckner, Rossini, Schuman y Stravinski, entre otros.

Los capítulos dedicados a Glenn Gould destacan por un respeto cuasi religioso hacia el pianista canadiense, y aporta abundante documentación sobre los documentales que se han editado sobre el músico. Magníficos son también los retratos dedicados a Bach, por el que el autor palestino sentía auténtica veneración. También rescata a Wagner de las ideologías (aunque todo en él es ideológico), siempre con la conciencia de un firme defensor de la causa palestina que reclama el sentido independiente de la música frente a lecturas políticas. Y lo sabían muy bien, tanto él como Barenboim, cuando crearon conjuntos instrumentales con músicos judíos y palestinos. Siempre elocuente y profundo, y con frecuencia revelador, Música al límite refuerza la reputación de Said como uno de los intelectuales de referencia del siglo XX.

Reseñamos, en último lugar, un fragmento de uno de sus artículos, que sigue teniendo hoy tanto sentido como cuando lo escribió en abril del 2000:

La música, la más silenciosa de las artes, es también la más directamente conmovedora y expresiva, así como la más esotérica y difícil de analizar. En consecuencia, la música clásica occidental normalmente ocupa un lugar distinto en la valoración cultural que el cine, la pintura, la fotografía, y por supuesto, la literatura, moneda común en las conversaciones inteligentes. La musicología es una disciplina sumamente especializada; el "mundo de la música", con escasas excepciones como el caso de Pierre Boulez, se circunscribe a los negocios, el culto a las celebridades, actuaciones a bombo y platillo y un repertorio cada vez más exiguo de obras antiguas o de conservatorio. Los organizadores de la vida musical rehúyen por repugnantes la novedad y la originalidad: una nueva TRAVIATA es infinitamente preferible a una interpretación íntegra de SAINT FRANÇOIS D´ASSISE de Olivier Messiaen.

Suscribo. Agur. IFG

CHARLES DODGE: Viola Elegy (1987)

2011-12-19T12:20:00.000-08:00

Charles Dodge (1942) es un compositor estadounidense conocido por ser uno de los principales innovadores en el campo emergente de la composición por ordenador.

Ex-alumno de Darius Milhaud y Gunther Schuller, ha creado algunas de las primeras obras meritorias en el campo de la música por ordenador, incluyendo El campo magnético de la Tierra (1970), que asigna los datos del campo magnético a los sonidos musicales, Canciones de voz, una obra de 1974 que utiliza el análisis y la re-síntesis de la voz humana, Las olas, voz y música por ordenador, etc.

La obra que nos ocupa Viola Elegy, es una composición de 1979 para viola y equipo informático.

MÚSICA INAUDITA, LA PRESENTACIÓN DEL CENTRO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA GARAIKIDEAK

2011-12-11T13:57:00.000-08:00

MÚSICA INAUDITA. Ese es el título con el que el pasado jueves 24 de noviembre, en el Centro Huarte de Arte Contemporáneo, se presentó públicamente la primera producción del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK. Fue un concierto de música de cámara en el que participaronn once instrumentistas con obras para solistas, dúos y tríos en los que el nexo común era la interpretación de música creada especialmente para ese concierto por cinco autores. De ahí que su título, Música inaudita, aludiera al carácter excepcional del repertorio: nueve obras de estreno, nunca oídas (inauditas, en sentido literal), un hecho poco común dentro de las programaciones. Más de ciento veinte asistentes llenaron el auditorio del Centro Huarte.

Para la producción del concierto, durante varios meses se establecieron dos líneas de trabajo: en primer lugar, la distribución de intérpretes en solistas o conjuntos de cámara (entre dos y tres músicos por agrupación) de acuerdo con los autores, y en segundo lugar, la composición de nueve obras inéditas, de estética libre y contemporánea, que permitiera la participación de todos los miembros del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK.

Este concierto supone para el Centro su primer y más importante reto desde su fundación en enero de 2010, y además, con él se cumplieron varios de los fines fundacionales de GARAIKIDEAK, ya que a la difusión e interpretación de música contemporánea, se añade el desarrollar de forma colectiva, entre autores e intérpretes, el estudio de un lenguaje musical propio teniendo en cuenta las aportaciones de los intérpretes tanto a nivel técnico como estético.

Los intérpretes del concierto fueron: Endika Gutiérrez (piano), Javier Pérez (clarinete), Izaskun Yaben (piano), Miguel Rodríguez (trombón), María Suberviola (piano), Roberto Laita (trombón), Andoni Arcilla (tenor), Maider Irazabal (flauta), Xabi Olazabal (acordeón), Irene Villar (flauta) y Javier Arocena (acordeón) Los autores son cinco: Yolanda Campos, Urtzi Iraizoz (también instrumentista), Carlos Rodrigo, David Cantalejo e Ignacio Fdez. Galindo.

El programa del concierto MÚSICA INÉDITA estuvo integrado por nueve obras: Oroitzapenak (Javier Arocena, acordeón), Dedicatoria a Felisa Vicente (Javi Pérez, clarinete, y Endika Gutiérrez, piano), Libre energía (Endika Gutiérrez, piano), Bidaia Kahiera Buthan (basada en el poema de Kirmen Uribe), Orban, odol, zauri, basada en un poema del propio autor, Urtzi Iraizoz (Andoni Arcilla, tenor, e Izaskun Yaben, piano), 1428 de Elm Street (Javi Pérez, clarinete, e Izaskun Yaben, piano), Hiru Aipu (Urtzi Iraizoz, txistu), Sidus (Maider Irazabal, Flauta I; Irene Villar, Piccolo-Flauta II; y Xabi Olazabal, acordeón, los tres aparecen en la foto junto a la autora, Yolanda Campos) e Isocracia (burlesque), con Miguel Rodríguez, trombón I; Roberto Laita, trombón II; y María Superviola, piano)

Todas las obras forman ya parte del catálogo de la Biblioteca Virtual de Partituras del Centro, al que próximamente se podrá acceder libremente por Internet para su descarga legal y gratuita, siempre y cuando se cite la autoría de la obra y no tenga su interpretación o grabación uso comercial.

El Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK es una iniciativa cultural de carácter privado y sin ánimo de lucro que reúne ya a dieciséis músicos de Navarra, Euskadi y Aragón, y que tiene como objetivo crear, estrenar en concierto y difundir gratuitamente trabajos de composición dentro del campo de la música contemporánea. El Centro desarrolla su actividad de gestión de proyectos, reuniones y sesiones de grabación en las instalaciones de CTL Escuela de Imagen y Sonido, en Pamplona.

Son fines fundacionales del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK los siguientes:
 Difundir la música contemporánea y la producción musical relacionada con las creaciones actuales tanto dentro como fuera del ámbito académico.
 Fomentar el libre intercambio de ideas y el desarrollo de proyectos con compositores, intérpretes, musicólogos, estudiantes, aficionados e investigadores interesados en el campo de la creación musical.
 Crear una biblioteca musical de partituras propias con difusión pública, si así lo deciden sus autores, y favorecer el acceso gratuito a partituras de reciente creación dentro del marco legal de los derechos de autor.
 Promover iniciativas que permitan el estreno de obras de música contemporánea a través de conciertos o grabaciones.
 Asesorar en materia de propiedad intelectual a todas aquellas personas interesadas en la creación, interpretación o grabación de obras inéditas.
 Impulsar la producción discográfica dedicada a composiciones recientes de autores.
 Promover la creación en Navarra de un Centro para la Difusión de la Música Contemporánea
 Impulsar y fomentar lazos y colaboraciones con otras disciplinas artísticas y escénicas.
 Favorecer el contacto entre músicos e intérpretes a través de asociaciones con objetivos similares así como la libre difusión de estudios y trabajos especializados.
 Establecer contactos con instituciones culturales para la difusión de los fines del Centro

Barry Truax "Riverrun" (1986)

2011-12-06T04:53:00.000-08:00

Barry Truax (1947) es un compositor canadiense especializado en las implementaciones en tiempo real de la síntesis granular, a menudo de sonidos grabados y paisajes sonoros. En 1986 desarrolló la primera implementación en tiempo real de la síntesis granular. Hizo la primera obra hecha con síntesis granular hecha con base en sonidos pregrabados, Wings of Nike en 1987 y fue el primer compositor en explorar el área entre la síntesis granular sincrónica y asincrónica en Riverrun, de 1986. La técnica en tiempo real sigue o enfatiza en las corrientes auditorías, que junto con los paisajes sonoros hacen parte importante de su estética. Truax enseña música electroacústica, música por computador y comunicación acústica en la Universidad Simon Fraser en Canadá. Fue uno de los miembros fundadores junto con Raymond Murray Schaffer del World Soundscape Project.

'Hilkorra ez banintz', el viaje de Andoni Arcilla por el jazz vocal en euskera

2011-12-04T12:52:00.000-08:00

El músico, compositor y cantante navarro Andoni Arcilla ha presentado en Pamplona la que será una de las referencias del año en lo que al jazz vasco se refiere, Hilkorra ez banintz (Si no fuera mortal). El disco, editado por el sello Errabal, reúne diez composiciones de Arcilla marcadas a fuego por el jazz pero abrazadas a su vez por variados y coherentes matices que van desde el pop y el rock hasta el funk. Hasta aquí esto podría ser un trabajo de jazz al uso, pero la sorpresa, más que grata, llega cuando se descubre que estamos hablando de un compacto que vive bajo el epígrafe de jazz vocal y que, además, los textos que conforman las canciones tienen el euskera por lenguaje y la poesía por armazón. Toda una apuesta sin duda original pero, sin duda también, ejecutada y concebida con una sobresaliente calidad gracias al denominado como Andoni Arcilla Group, formación que ha grabado el álbum y que está integrada, además de por el músico navarro, por Jorge Abadías (guitarra), Kike Arza (contrabajo), Juanma Urriza Boli (batería) [...] Texto de Fernando Garayoa (Diario de Noticias)

La fotografía de este artículo corresponde al concierto MÚSICA INAUDITA del pasado 24 de noviembre organizado por el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK en el Centro Huarte, en la que vemos a Andoni Arcilla junto a la pianista Izaskun Yaben en la interpretación de una obra de Urtzi Iraizoz. Buena suerte, Andoni.

Más información en Diario de Noticias:
http://www.noticiasdenavarra.com/2011/12/03/ocio-y-cultura/39hilkorra-ez-banintz39-el-viaje-de-andoni-arcilla-por-el-jazz-vocal-en-euskera

MÚSICA INAUDITA, LA PRESENTACIÓN DEL CENTRO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA GARAIKIDEAK

2011-12-03T14:54:00.000-08:00

Fotografía de grupo al término del concierto del pasado jueves 24 de noviembre en el Centro Huarte de Arte Contemporáneo.
Sobre el escenario, los quince autores e instrumentistas del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK.
Se estrenaron nueve obras de cámara para solistas, dúos y tríos, que fueron compuestas especialmente para esa presentación pública, de ahí el título MÚSICA INAUDITA. Ciento cincuenta personas asistieron al concierto. Dentro de unos días se podrán ver los vídeos del concierto en You Tube.

MÚSICA INAUDITA. AGRADECIMIENTOS

2011-11-27T13:14:00.000-08:00

El concierto del pasado jueves 24 de noviembre fue posible gracias al trabajo voluntario y completamente desinteresado no sólo de todos los participantes del CmC GARAIKIDEAK, sino también del CENTRO HUARTE y de varias empresas y particulares que nos han ayudado en los últimos meses. Por esta razón, antes de publicar próximamente material gráfico sobre nuestra presentación, queremos agradecer su ayuda a los siguientes colaboradores:

- Javier Roncalés (Agencia de contenidos WILLCOM, por su magnífica campaña de difusión en prensa escrita y ediciones digitales de medios)

- Roberto Elizalde (CTL ESCUELA DE IMAGEN Y SONIDO, por hacer todo posible y mucho más. El apoyo de la Escuela es insustituible, por lo que cada vez tiene más valor si cabe)

- Adrián García (STUDIO DOOKU, por el impresionante reportaje fotográfico del concierto)

- Jesús Los Arcos (ESTUDIOS ARIÓN, siempre dispuesto a grabar nuestra música)

- Marta Mendía, por el diseño del cartel de Música Inédita.

- Txema Garbayo y Juan San Martín (601 PRODUCCIONES AUDIOVISUALES, por grabar y editar el vídeo del concierto y ayudarnos a comprimirlo para hacerlo accesible en internet)

- José Luis Pujol (ESTUDIO FOTOGRÁFICO JL PUJOL, por ayudarnos con la preparación del dossier de prensa previo al concierto)

- Celeste Pelegrini, por encargarse de uno de los equipos de vídeo del concierto.

- Eva Jiménez e Itziar Rodríguez, por ayudarnos con la sesión de fotos previa al concierto.

Por último, queremos agradecer su esfuerzo y paciencia a nuestras familias, parejas y amigos, por hacernos más fácil el esfuerzo invertido durante tanto tiempo. A todas/os, ESKERRIK ASKO.

CARTEL DEL CONCIERTO EN EL CENTRO HUARTE

2011-11-20T14:32:00.001-08:00

Este es el cartel que nos ha diseñado Marta Mendía para el concierto del jueves 24 de noviembre en el Centro Huarte.

Nuestro agradecimiento a todas las personas que como Marta, de forma desinteresada y con un gran esfuerzo, nos han ayudado en estos últimos meses a llevar este proyecto adelante.

Agradecemos especialmente la confianza del Centro Huarte por creer que este proyecto colectivo tiene futuro.

Eskerrik asko.

Os esperamos en Huarte.

Knut Vaage: "Kyklop" for orchestra (2009)

2011-11-14T09:26:00.000-08:00

Knut Vaage, nacido en 1961, vive en Bergen, donde trabaja como compositor. Se graduó como pianista y compositor de Griegakademiet en Bergen.
Vaage ha trabajado en diferentes estilos de música, a pesar de concentrarse en la música improvisada y contemporánea. Muchos de los proyectos Vaage han investigado los límites entre la improvisación y la música compuesta. Su música se ha realizado regularmente en conciertos y en festivales en Noruega y en el extranjero.
Con el trío JKL, Vaage fue una de los primeros exploradores de los límites entre la improvisación y la composición. La tensión creada entre los instrumentos acústicos y la electrónica es una parte importante de su estilo.
La propagación de la música contemporánea para un público más amplio constituye una parte importante de la actividad de la composición de Vaage. Ha participado en los dos proyectos de Conciertos Noruego Instituto "PreSens" y "BRYT Lydmuren", dirigido a niños y adolescentes, mientras que su concierto multimedia "Tid som Renn - Tid som FLYT" incluye piezas para coros y orquestas locales.
Knut Vaage ha servido como miembro del consejo del grupo de los compositores de Ny Musikk , la rama noruega de la ISCM y la Asociación Noruega de Compositores.

En "Kyklop" obra para orquesta, interpretada por la Bergen Filharmoniske Orkester, la orquesta es tratada como un campo de energía, un organismo en una lucha entre el caos y la atención concentrada a través de un punto focal.

MÚSICA INAUDITA. PRESENTACIÓN PÚBLICA DEL CENTRO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA GARAIKIDEAK

2011-11-06T11:58:00.000-08:00

Kaixo compañeros.

Ya tenemos cerrado el concierto - presentación del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK.

Os enviamos información por si podeis venir el jueves 24 de noviembre a las 20:00 al Centro Huarte de Arte Contemporáneo.

Han sido seis meses de trabajo entre dieciocho músicos, entre autores e intérpretes, con el objetivo de estudiar y difundir música contemporánea de nueva creación. Esperamos que el esfuerzo haya merecido la pena.

Todas las obras que se presentan son inéditas, o como preferimos decir, inauditas, no escuchadas en sentido literal.

Música Inaudita

JUEVES 24 DE NOVIEMBRE, 20:00 h,
CENTRO HUARTE DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Concierto de música de cámara
con obras contemporáneas de estreno

INTÉRPRETES:
Endika Gutiérrez (piano), Javier Pérez (clarinete), Izaskun Yaben (piano),
Miguel Rodríguez (trombón), María Suberviola (piano), Roberto Laita (trombón), Andoni Arcilla (tenor),

Maider Irazabal (flauta), Xabi Olazabal (acordeón), Irene Villar (flauta), Javier Arocena (acordeón)

AUTORES:
Yolanda Campos, Urtzi Iraizoz, Carlos Rodrigo,
David Cantalejo e Ignacio Fdez. Galindo

PROGRAMA:
IGNACIO FDEZ. GALINDO Oroitzapenak
Acordeón
(Javier Arocena)

CARLOS RODRIGO Dedicatoria a Felisa Vicente
Clarinete y Piano
(Javi Pérez y Endika Gutiérrez)

CARLOS RODRIGO Libre energía
Piano
(Endika Gutiérrez)

URTZI IRAIZOZ “Bidaia Kahiera Buthan” (Kirmen Uribe)
eta “Orban, odol, zauri” (Urtzi Iraizoz)
Tenor y piano
(Andoni Arcilla e Izaskun Yaben)

DAVID CANTALEJO 1428 de Elm Street
Clarinete y Piano
(Javi Pérez, Izaskun Yaben)

URTZI IRAIZOZ Hiru Aipu
Txistu
(Urtzi Iraizoz)

YOLANDA CAMPOS Sidus
Flauta I, Flauta II, Acordeón
(Maider Irazabal, Irene Villar, Xabi Olazabal)

IGNACIO FDEZ. GALINDO Isocracia (burlesque)
Trombón I, II y Piano
(Miguel Rodríguez, Roberto Laita y María Suberviola)

Duración: 1 hora y 15 minutos aproximadamente.
Intérpretes: 12
Autores: 5
Obras: 7
Propiedad intelectual: Las obras han sido creadas para su difusión libre y gratuita en el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK, de manera que ninguna entidad de gestión de explotación de derechos, en aplicación de la Ley de Propiedad Intelectual (23/2006, de 7 de julio, y RDL 1/1996, de 12 de abril), puede recaudar, gravar económicamente o utilizar dichas obras para un uso diferente del expresado en los estatutos del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK, como es la difusión libre, gratuita y sin ánimo de lucro.

Fotografía tras una reunión de GARAIKIDEAK. Por cortesía de José Luis Pujol, Eva Jiménez e Itziar Rodríguez.
Aparecen en la foto, de izda. a dcha., de pie, Miguel Rodríguez (trombón), Ignacio Fdez. Galindo (autor)
y María Suberviola (piano); sentados, Irene Villar (flauta) y Javier Arocena (acordeón)

CONFERENCIA-ENTREVISTA DE J.M. GOICOECHEA

2011-10-19T01:00:00.000-07:00

El próximo jueves, 20 de octubre, a las 18'30 horas, en el salón de actos del Departamento de Cultura y Turismo (Navarrería, 16, junto a la Catedral de Pamplona), tendrá lugar una conferencia-entrevista dedicada a la figura de José María Goicoechea Aizcorbe: compositor, docente, y organista, figura de gran interés tanto por sus experiencias como alumno de Fernando Remacha, así como en los cursos de Darmstaad y Siena, donde trabajó con autores como Karlheinz Stokhausen y Franco Donatoni. No merece menos atención su trabajo en el terreno docente, en especial la creación de la escolanía "Niños cantores de Navarra", que supuso un terreno de formación a nivel europeo para sus componentes, muchos de los cuales han continuado con su labor musical en amplios y diversos ámbitos. No hay que olvidar la faceta de organista de Goicoechea, bajo la cual ha dado interesantes frutos, en los últimos años, en forma de composiciones para órgano, como sus tres sonatas ambientales, sus "momentos litúrgicos" o su exigente "tanteo, poema y final". En la conferencia -entrevista del jueves se intentará desgranar, a través del propio autor, esta trayectoria vital que ha sido testigo de gran parte de la historia musical del siglo XX. Como introductores al tema contaremos con Javier Ecay y Raúl del Toro, con JL Echechipía como moderador, aunque la intención es fomentar un intercambio abierto de impresiones entre todos los asistentes que lo deseen. El acto se enmarca en el XXVII ciclo "Música para órgano en Navarra".

HOMENAJE A J.M. GOICOECHEA

2011-10-16T12:35:00.000-07:00

Ayer fue uno de esos días excepcionales en los que música contemporánea, público e intérpretes se unieron de forma significativa en Pamplona. La iglesia de San Nicolás acogió durante noventa minutos un concierto de homenaje al sacerdote José María Goicoechea Aizcorbe, compositor, organista, director de coro y pensador navarro, nacido en Bera en 1924. La Fundación Ars Incógnita, creada por Javier Ecay, fue la impulsora del proyecto, así como de la grabación de varias de las piezas del autor navarro y de un documental sobre su figura y obra.

En la cita participaron varios grupos y solistas, comenzando por el Quinteto de Viento Pablo Sorozábal, que protagonizó el estreno absoluto de Adialogías, de Goicoechea, e interpretó el Soliloquio para un clarinete, publicado por Ars Incógnita. También se produjo el estreno de Ave María, compuesta en 2011 y dedicada por el compositor a la soprano Cristina Sevillano, que interpretó la obra en Pamplona con el acompañamiento del organista Raúl del Toro. Éste, a su vez, tocó dos piezas muy distanciadas en el tiempo. La primera, los Preludios Litúrgicos, fue compuesta por Goicoechea a su llegada a Pamplona, entre 1962 y 1964, y la segunda, Tercera Sonata Ambiental, creada en 2007. Por su parte, la Coral de Cámara de Navarra, que acaba de nombrar socio de honor a Goicoechea, abordó varios de sus temas vocales, como Bendigo tu presencia (Adoro te devote), Velando estaban (Villancico según Lucas) y Arga.

El concierto fue grabado en audio en un sistema multipistas y en vídeo a varias cámaras. La grabación final podrá verse en el canal Vimeo de la Fundación Ars Incógnita y el audio se cederá a Radio Nacional de España para conformar, posteriormente, un disco con grabaciones en vivo del padre Goicoechea.

Enhorabuena a Javier Ecay por su apuesta decidida con la Fundación Ars Incognita. Le agradecemos públicamente su esfuerzo. Cientos de personas hemos podido disfrutar de todos los proyectos de divulgación sobre Fernando Remacha, Teresa Catalán, J.M. Goicoechea o Agustín González Acilu (el documental Silencio, Tiempo, Memoria es apasionante). Gracias a personas como Ecay, Larrañaga o Civera nuestra vida musical y cultural en Navarra es mucho más rica. Eskerrik asko.

II Circuito de Música Contemporánea "Musikagileak"

2011-10-03T04:11:00.000-07:00

La Asociación de Compositores Vasco - Navarros organiza la segunda edición del Circuito de Música Contemporánea Musikagileak que tendrá lugar del 27 de septiembre al 26 de octubre de 2011.

El Circuito, que contará con la participación de Daniel Oyarzabal, Laboratorio Klem, Alfonso Gómez, Sigma Project, Quintento Bortz, Ensemble Kuraia, Bertrand Chavarria y Musikuvie, mantiene los objetivos con los que nació este nuevo recurso de difusión:

 Generar apoyos a la creación de la música contemporánea.
 Facilitar al público en general el acceso a nuevas experiencias artísiticas.
 Favorecer la captación de nuevos públicos.
 Introducir la “habitualidad” en la escucha como un elemento relevante.
 Apoyar el trabajo de las agrupaciones profesionales del País Vasco que se dedican a la interpretación de la música contemporánea, mediante la difusión de sus programas fuera de los eventos a los que inicialmente han podido estar dirigidos.

Sin embargo hay algunas novedades de relevancia que deben ser reseñadas:

 La incorporación de Pamplona al conjunto de las ciudades en las que se ofrecerán los conciertos.
 El incremento del número de conciertos que pasan de seis a ocho.
 La puesta en marcha de lo que denominaremos “Diálogos sobre la creación” que supondrá un espacio de encuentro entre los creadores y el público a través del cual se facilitarán mecanismos de comprensión y acercamiento a las obras que se van a interpretar.

PROGRAMA
II Circuito de Música Contemporánea “Musikagileak”
(Donostia-San Sebastián / Bilbao / Vitoria-Gasteiz / Pamplona-Iruña
Del 27 de septiembre al 26 de octubre de 2011 • 2011eko irailak 27tik urriak 26ra)

1 Daniel Oyarzabal
Irailak 27 Septiembre
Asteartea / Martes
20:00 Donostia-San Sebastián

2 Laboratorio Klem
Irailak 29 Septiembre
Osteguna / Jueves
20:00 Donostia-San Sebastián

3 Alfonso Gómez
Urriak 4 Octubre
Asteartea / Martes
20:00 Bilbao

4 Sigma Project
Urriak 6 Octubre
Osteguna / Jueves
20:30 Bilbao

5 Quinteto Bortz
Urriak 18 Octubre
Asteartea / Martes
20:00 Vitoria • Gasteiz

6 Ensemble Kuraia
Urriak 20 Octubre
Osteguna / Jueves
20:00 Vitoria • Gasteiz

7 Bertrand Chavarria
Urriak 25 Octubre
Asteartea / Martes
19:30 Pamplona • Iruña

8 Musikusvie
Urriak 26 Octubre
Asteazkena / Miércoles
20:00 Pamplona • Iruña

LOS ESCARABAJOS DE DURRELL (V) Apuntes para una estética de la postmodernidad: LA FRAGMENTACIÓN DEL SUJETO

2011-10-02T13:24:00.000-07:00

¿Qué es lo que le deleita cuando escucha música? ¿Qué le hace optimista y libre? ¿Es el mundo menos complicado si usted lo construye eludiendo ese tema? ¿Hay alguna explicación que pueda derivarse de su visión del universo como una interacción de fuerzas mecánicas? ¿Qué es fuerza, energía? ¿Quién realiza esa acción? Usted cree en la “conservación de la energía”, en la indestructibilidad de la materia. ¿No es eso también inmortalidad? Carta de Gustav Mahler a Max Kalbeck, fechada el 22 de junio de 1901 en Maiermigg am Wörthersee, la residencia estival del compositor.

Siguiendo por este recorrido subjetivo por la postmodernidad, completamente cuestionable y rebatible, y afortunadamente dirigido hacia vendedores de sortilegios y cínicos de pose, llegamos al camposanto: la defunción alcanza a todos los participantes (muerte del sujeto, muerte de la historia, muerte del narrador, muerte de la razón, muerte del autor, muerte de los metarrelatos…) Muerte, en definitiva, de todos los elementos o indicadores que utilizamos para el análisis de una obra musical, una escultura o un acto de creación a través de las artes plásticas y la literatura. El sujeto, arrastrado y sometido a los embates de la adversidad, más aparente que manifiesta, es el símbolo de la Ilustración, del humanismo, lo que no deja de ser una abstracción, valiente, pero abstracción. Este postulado omnipresente que hace del hombre el valor supremo, definido por su conciencia y libertad, como logro ulterior de la voluntad, se revela dentro del pensamiento postmoderno como una muestra del ejercicio de nuevas relaciones de poder/dominación donde el hombre se oculta tras una máscara (el filósofo Gianni Vattimo tiene acertadas ideas al respecto) de disciplina, orden y desigualdad. Siempre desigualdad.

La deconstrucción (Derrida mediante) sistemática del sujeto es uno de los aspectos más provocadores de la postmodernidad. Aquí se concede preeminencia a las estructuras, sistemas y códigos (la metodología entra en curiosa connivencia con el estructuralismo y postestructuralismo) Inciso: llegados a este punto, en el que tangencialmente llegamos al formalismo y a la teoría del signo, relaciono inevitablemente a dos genios, contemporáneos y de la Costa Este: un compositor, Charles Ives, y un filósofo, Charles Sanders Peirce. Cierro inciso. El sujeto queda excluido. La eliminación del sujeto es la eliminación de las categorías centrales de la epistemología moderna (causalidad, representación, semanticidad, intertextualidad, semiótica)

Recordemos a Foucault: Actualmente sólo se puede pensar en el vacío del hombre desaparecido. Pues este vacío no profundiza una carencia; no prescribe una laguna que haya que llenar. No es nada más, ni nada menos, que el despliegue de un espacio en el que, por fin, es posible pensar de nuevo.

La crisis del sujeto implica abordar una crisis moderna: el derribo del sujeto trascendental kantiano y la reordenación de la subjetividad. La tríada, como un acorde, es identidad-verdad-poder. Siento repetir viejas ideas, pero la 4º sinfonía de Shostakovich es lacerante e implacable, como un amargo relato de Bulgakov. También aquí el sujeto, agónico diría Unamuno, es arrastrado por el colectivo, los valores supremos, ora vanguardia revolucionaria, ora sujeto histórico. Shostakovich no estaba solo en su celo: Ajmatova, Maiakovsky, Tsvetaeva, Mandelstam, Pasternak… Sujetos en la taiga, como Gogol.

El sujeto es la clave del humanismo, de la narrativa logocéntrica: el hombre es el agente racional que domina y explota la naturaleza, que organiza artificialmente la sociedad y el Estado…., dejando tras de sí dominación, explotación e injusticia. Ese hombre derribado encuentra su sustituto en un sistema ordenado de valores difícilmente defendible pero económicamente provechoso. Shostakovich canta a los muertos de Babi Yar sobre poemas de Yevtushenko en su sinfonía nº 13, pero también a la repoblación forestal de las estepas en su Op. 81. Henze une música y política. ¿Funcionalismo? ¿Realismo? La música no es ajena al debate (o no debería serlo)

La fragmentación del sujeto -difunto ya, amortajado tal vez- surge como elemento central de este proceso. Sus compañeros de viaje serán la incoherencia, la falta de ética y la superficialidad. ¿Reivindicamos al sujeto creador? ¿Reivindicamos el lucro? ¿Debatimos sobre la música contemporánea en la sociedad de consumo? ¿Cómo distinguimos acertadamente lo real de lo que no lo es? Lipovesky, en su obra La era del vacío, subraya el surgimiento de un nuevo proceso de personalización donde desaparece el sujeto pero se mantiene el individuo. El imperativo narcisista y superficial sustituye al imperativo categórico.

En el contexto del capitalismo avanzado (también llamado tardío por unos, y postindustrial por otros) hay un concepto que adquiere cualidades casi mágicas, como si fuese un elemento de los cuentos rusos analizados por Propp. Es la identidad, que se acredita como elemento diferenciador, ya sea identidad profesional, sexual, cultural, de clase… Sin embargo, las identidades no son fijas ni reducibles. Se están redefiniendo continuamente. Este hecho nos lleva a otros dos: PRIMERO.- El yo es siempre una construcción relacional, es decir, que la identidad sólo puede ser articulada dentro de una relación con el “otro”, con las características y acciones de los demás (alter-alteridad, cambiar la propia perspectiva por la del otro) SEGUNDO.- La identidad tiene una naturaleza contingente y una dimensión abierta, lo que conduce a una indeterminación y una ambigüedad casi justificable.

La sociedad del presente se presenta en muchas ocasiones más envejecida incluso que los viejos esteticismos que pretende/dice demoler. Ni la superficialidad ni el cinismo facilitan las cosas… Terminamos con Mahler. Como en un epitafio. Concretamente con un texto de su ciclo Des Knaben Wunderhorn. Dice así. El cuco ha caído en brazos de la muerte sobre un sauce verde./ ¡El cuco está muerto!/ ¡Ha caído en manos de la muerte!/ ¿Quién entonces nos ha de confortar/ en el tiempo de largo verano? […]

NAVARRA QUARTET: CUARTETOS 1-3 DE PETERIS VASKS

2011-09-30T17:07:00.000-07:00

Interesante vídeo promocional de la discográfica Challenge Records sobre la grabación en 2010 de los cuartetos nº 1, nº 2 y nº 3 del compositor Peteris Vasks, que también los dirige. Navarra String Quartet es una formación británica integrada por Magnus Johnston (violín), Marije Ploemacher (violín), Nathaniel Boyd (cello) y Simone van der Giessen (viola) El cuarteto fue creado en 2002. En Spotify se encuentra la grabación completa de Challenge Records sobre las composiciones de Vasks. No se trata de una broma; el nombre del cuarteto es real. La elección habrá obedecido a alguna razón (¿referencias shakespearianas?)

RECORDANDO A ALLAN PETTERSSON

2011-09-09T09:18:00.000-07:00

Es de sobra conocida la devoción/predilección que tenemos en Garaikideak por Dimitri Shostakovich. Sin embargo, hay otro gran sinfonista, infinitamente menos conocido por el gran público que el genio de San Petersburgo, del que se cumplen ahora cien años de su nacimiento. Estamos refiriéndonos al compositor sueco Gustav Allan Pettersson (1911-1980) Es sorprendente que incluso en algunas de las doctas monografías sobre la música del siglo XX (ahorramos la cita) hay un injusto silencio sobre su extensa y pródiga obra. Baste aquí nuestra admiración y tributo hacia un autor por (re)descubrir.

DAN WELCHER: THE YELLOW WALLPAPER (Ópera en siete escenas, 2010)

2011-09-03T09:39:00.000-07:00

Aunque The Yellow Wallpaper no era su primera obra ni la más extensa, este cuento es sin duda la obra más famosa de la autora Charlotte Perkins Gilman (1865-1935). La escribió entre el 6 y el 7 de junio de 1890 en su casa de Pasadena, y fue impresa un año y medio después en el número de enero de 1892 de The New England Magazine.

El relato narra la historia de una mujer que sufre enfermedad mental después de estar dos meses atrapada dentro de casa mirando al mismo repugnante empapelado amarillo. Gilman escribió esta historia para cambiar la opinión de la gente sobre el papel de la mujer en la sociedad, ilustrando cómo la falta de autonomía de las mujeres iba en detrimento de su salud mental, emocional e incluso física. La narradora de la historia debe hacer lo que su esposo y su doctor le exigen, aunque el tratamiento que prescriben contrasta directamente con lo que ella de verdad necesita: estimulación mental y libertad de escapar a la monotonía de la habitación en la que se encuentra confinada. The Yellow Wallpaper era esencialmente una respuesta al médico que había intentado curarla de su depresión a través de una «cura de descanso», el doctor S. Weir Mitchell, y ella le envió una copia de la historia.

Esta narración de Charlotte Perkins Gilman ha inspirado al compositor Dan Welcher la obra del mismo título como ópera en siete escenas. Incluimos el vídeo promocional de la obra, y recomendamos la lectura del texto original de Perkins Gilman.

Mahler para todos

2011-08-30T09:21:00.001-07:00

El viernes 2 de Septiembre, a las 20.00 h os esperamos en la Capilla del Museo de Pamplona.
Un conjunto instrumental de La Orquesta Sinfónica de Navarra interpretará orquestaciones de lieder de Mahler de tres de los integrantes de Garaikideak (Yolanda Campos, Carlos Machuca y Carlos Rodrigo).

Estáis todos invitados!!!

GIDEON KLEIN (1919-1945) IN MEMORIAM

2011-08-24T15:49:00.000-07:00

La trágica muerte de Gideon Klein fue una de las pérdidas más profundas para la música checa en los terribles años de la Segunda Guerra Mundial. Nacido en el seno de una familia judía, Klein demostró tempranamente un inusual talento musical y a los once años comenzó a estudiar piano con Ruzena Kurzova. La formación la continuó en el Conservatorio de Praga en 1938. Sus estudios universitarios, así como las lecciones de composición con Alois Haba, quedaron inconclusos con el cierre de las universidades checas en noviembre de 1939.

Para entonces varias obras suyas ya se habían interpretado y tales composiciones, muchas de ellas descubiertas en la década de 1990, revelaron una intensa búsqueda de un idioma personal explorando incluso en microintervalos y en la tonalidad libre. En diciembre de 1941 fue enviado al recién establecido ghetto de Terezin. Allí permaneció tres años y se convirtió en una de las principales personalidades artísticas, colaborando musicalmente con colegas como Karel Ancerl, Rafael Schachter, Hans Krasa, Viktor Ullmann, Pavel Haas, Karel Berman y otros.

En aquellas difíciles condiciones Klein compuso varias obras, incluyendo una sonata para piano, un trío para cuerdas, cuartetos y partituras corales, que fueron encontradas por casualidad muchos años después. A finales de 1944 Klein fue trasladado a Auschwitz y luego al campo de concentración de Furstengrube, donde falleció bajo circunstancias poco claras en el umbral de su liberación.
In memoriam

Søren Nils Eichberg: CONCIERTO PARA VIOLÍN "QILAATERSORNEQ" (2001)

2011-08-16T13:46:00.000-07:00

Eichberg, nacido en 1973 en Stuttgart, Alemania, se crió en Dinamarca y actualmente vive y trabaja en Berlín. Estudió piano y dirección de orquesta en Copenhague y Colonia, y su prestigio como compositor le llegó al ganar el Concurso Reina Elisabeth de Bélgica en 2001. Sus obras se han estrenado en la mayoría de los países europeos, así como en Japón, China, Corea, Australia y EE.UU.

Eichberg ha estrenado obras con Ensemble Modern, Hilary Hahn, Mahler Chamber Orchestra, Orquesta Sinfónica de la Radio de Saarbrücken, la Casa de la Opera de Münster y el Teatro de Stendal, Odense Symphony Orchestra, Filarmónica de Nordwestdeutsche, el Festival Internacional de Bergen, en Noruega, en el Concurso Internacional de Piano Ferruccio Busoni, o en el Concurso Internacional ARD Music.

Su producción desde el año 2001 incluye más de 30 obras, entre otras, dos sinfonías (2005 y 2010), obras para cello, piano y dos conciertos para violín (uno de ellos es el que aquí presentamos: Qilaatersorneq, 2001), una ópera (Grete Minde, 2009), así como obras para solista y conjuntos de cámara.

RAMIN DJAWADI: JUEGO DE TRONOS (B.S.O., 2011)

2011-07-29T16:00:00.000-07:00

La serie de TV producida por HBO y basada en la obra fantástica de George R.R. Martin se está convirtiendo en uno de los mejores trabajos audiovisuales de los últimos años. Al cuidadísimo diseño de producción de Juego de tronos, hay que añadir, por lo que nos atañe, un excepcional trabajo de postproducción de sonido, comercial pero mesurado (el efectismo se impone sobre lo verosímil), y la música compuesta por Rawin Djawadi (n. Duisburg, Alemania, 19 de julio de 1974), dedicado a la música orquestal para cine y televisión.
El autor es conocido por su trabajo nominado a los Grammy en Iron Man. Tras obtener una calificación de summa cum laude en el Berklee College of Music en 1998, llamó la atención de Hans Zimmer, quien le contrató para trabajar en Remote Control Productions. Tras mudarse a Los Ángeles, Djawadi fue ayudante de Klaus Badelt y compuso música para películas como La máquina del tiempo, Basic, La prueba y el éxito taquillero Piratas del Caribe: la Maldición de la Perla Negra. Ha compuesto también música para videojuegos (Medal of Honor) y series de televisión (Prison Break o FlashForward)
La música de los títulos iniciales de Juego de tronos tiene ya al público en el bolsillo. Juzguen ustedes... ¿Producto comercial? La BSO ya está a la venta.

Número 2 de Tresefes

2011-07-21T03:53:00.000-07:00

Ya está disponible el número 2 de la revista de pensamiento musical Tresefes,
con contenidos más que interesantes en su interior.
Recomendable 100%!!!!

Más info: www.tresefes.com

HENRI TOMASI: ÊTRE OU NE PAS ÊTRE

2011-07-20T15:54:00.000-07:00

Iba siendo ya hora de dedicarle un breve espacio en este blog a la música compuesta para viento metal. El autor escogido en esta ocasión es Henri Tomasi (1901-1971), compositor francés de origen corso con un repertorio muy extenso y variado, aunque han sido los conciertos (trombón, clarinete, oboe, trompa, trompeta, fagot, violín, viola y saxofón) los que más prestigio le han proporcionado. Compositor lírico, difícilmente clasificable, atraído tanto por la música de Oriente (durante cinco años fue director de orquesta en Indochina) como por el Medievo y la música modal. En los años treinta creó un efímero grupo de música contemporánea en París llamado "Tritón", con figuras tan relevantes como Prokofiev, Honegger, Poulenc y Milhaud. Es un autor por descubrir y valorar.

La obra "Ser o no ser" (Être Ou Ne Pas Être) es una de sus últimas creaciones y está inspirada lógicamente en el personaje literario de Hamlet, príncipe de Dinamarca. Los intérpretes son un trío de trombones (dos tenores y un bajo) y una tuba, y todos proceden del Conservatorio de Cincinnati. Merece la pena escuchar esta breve obra, en la que el tuba Derek Fentesmacher realiza una interpretación portentosa. Agur.

JÖRG WIDMANN: FANTASÍA PARA CLARINETE (2006)

2011-06-30T15:08:00.000-07:00

No hemos podido resistirnos a incluir esta interpretación de la célebre fantasía de Widmann por un sencilla razón: el clarinetista Alexey Gorokholinsky ha subido a su canal de youtube su propia interpretación de la obra con una sencilla edición de vídeo que permite seguir la partitura original. Todo un regalo.

Jörg Widmann estudió clarinete con Gerd Satarke en la Escuela Superior de Música de Múnich. Apasionado de la música de cámara, colabora habitualmente con Tabea Zimmermann, Heinz Holliger, András Schiff, Kim Kashkashian y Hélène Grimaud. Actúa con frecuencia como solista junto a las principales orquestas del mundo y bajo la dirección de maestros como Christoph von Dohnányi, Sylvain Cambreling, Christoph Eschenbach y Kent Nagano.

Dentro de sus últimos proyectos (abruma la capacidad de trabajo del compositor), destacamos que en verano de 2009 fue compositor residente de los festivales de Schleswig-Holstein y Lucerna y que durante la temporada 2009-10 ha sido compositor residente de la Orquesta de Cleveland y de la Wiener Konzerthaus, y en verano de 2010, del Festival de Música de Cámara de West Cork. En la primavera de 2010 la Deutsche Oper am Rhein puso en escena una versión revisada de Das Gesicht im Spiegel. Jörg Widmann colabora en varios proyectos de música de cámara junto a artistas como el pianista Yefim Bronfman, la violinista Carolin Widmann, el violonchelista Christian Poltera, el violinista Renaud Capuçon, la pianista Momo Kodama y la soprano Mojca Erdmann. Además, sus obras son interpretadas de forma habitual por los cuartetos de cuerda Artemis, Vogler, Pacifica y Minguet.

PAVEL HAAS (1899-1944): EN MEMORIA DE TANTO DOLOR

2011-06-23T13:32:00.000-07:00

"En memoria de tanto dolor" es el rótulo final de un documental estremecedor que dirigió en los 70 el grandísimo cineasta Basilio Martín Patino, al que tuvimos el placer de conocer personalmente hace un par de años gracias al Festival Internacional de Cine Documental "Punto de vista" de Pamplona. El documental al que nos referimos es "Queridísimos verdugos", un espeluznante recorrido biográfico por la vida de tres verdugos del tardofranquismo que se erige como una reflexión descarnada sobre la pena de muerte (hay fotogramas que agreden con una enorme fuerza, más si cabe en estos tiempos de amnesia generalizada...) Las víctimas de la dictadura merecen que se reivindique su dignidad y respeto, ¿cuando? Esta película, censurada sin piedad en la transición -y más allá-, me ha sugerido un recuerdo de otra víctima de la barbarie racionalizada, de cómo se justifica que una sociedad, una ideología o el Estado pueda planear, gestionar y producir la muerte calculada de otro ser humano o de millones. Pavel Haas (1899 - 1944) fue el niño prodigio de Brno, el discípulo de Leos Janáceck, el ecléctico compositor checo que resumió en acordes su tiempo convulso y aciago, el autor de obras en el campo de concentración-escenario de Theresienstadt, el hombre deportado a Auschwitz el 16 de octubre de 1944...
Su Estudio para cuerdas (1943) fue compuesto durante su cautiverio. Sobran las palabras.

En memoria de tanto dolor...

La Asociación de Compositores Vasco - Navarros convoca la primera edición del Concurso Internacional de Composición para Bandas de Música Musikagileak

2011-06-22T04:33:00.000-07:00

Musikagileak, Asociación Cultural para el Fomento de la Composición Vasca, convoca la primera edición del Concurso Internacional de Composición para Bandas de Música Musikagileak con hasta 4.000 € en premios y el estreno de las obras premiadas.

El concurso está abierto a participantes de cualquier nacionalidad sin limitación de edad siendo la fecha límite de recepción de las composiciones el 30 de noviembre de 2011.

Se establece un premio dotado con 3.000 €. En el caso de que la obra ganadora no haya sido compuesta por un miembro de Musikagileak, el jurado podrá otorgar un premio especial dotado con un premio en metálico de 1.000 € para el autor miembro de Musikagileak cuya obra haya obtenido la mejor valoración.

La obra ganadora será estrenada por la Banda de la Asociación de Cultura Musical de Errenteria durante la celebración de Musikaste 2012.

+info

Hans Werner Henze: "Prison Song"

2011-06-22T04:30:00.000-07:00

Hans Werner Henze: Prison Song (1971).
"Prison song" es una obra basada en el poema "The Leg-Irons", del diario de la cárcel de Ho Chi Minh. Es una grabación hecha con anterioridad por el artista, en la que grabó los sonidos que llegan a las células desde el exterior: los ruidos en los pasillos de la cárcel, las voces de los guardias de la prisión,los pasos de los internos... música indefinible que emana de la calle más allá de la prisión,todo ello acompañado por la respiración continua del prisionero.
Crea sus sonidos desde esta perspectiva, mediante el uso de cañas de bambú, objetos de madera supuestamente encontrados.
Es una de las obras más ricas del repertorio de percusión del siglo XX.

Historia de la Electrónica / Música Electroacústica [1937-2001]

2011-06-06T10:57:00.000-07:00

Seleción de 476 obras imprescindibles que han sido claves en la historia de la Música Electroacústica.
Desde Messiaen hasta Boulez, tal vez no están todas las que son, pero son todas las que están...

Enlace en UbuWeb.

MÚSICA ELECTROACÚSTICA EN COSTA RICA

2011-06-05T11:43:00.000-07:00

Interesante reportaje sobre la música electroacústica en Costa Rica. Aunque ya tiene tres años, aporta muchas claves sobre la experimentación acústica realizada desde los años ochenta en ese país centroamericano. La idea original y coordinación es de Otto Castro, la dirección de fotografía de Adela Marín, y la edición de vídeo ha sido realizada por Melissa Rivera. El sonido directo y la masterización son de Roberto Fournier
Patrocinado por la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad Veritas.
La segunda parte del reportaje está disponible en www.youtube.com

URVAL ENSEMBLE

2011-05-24T09:53:00.000-07:00

El cuarteto de clarinete Urval Ensemble, formado por Jasone Etxebeste(Bb Clarinet), Mikel Emezabal (Eb & Bb Clarinet), Carlos Casadó (Basset Horn & BassClarinet)y Marixi Sesma (Bb & BassClarinet), ofrece en estas fechas el concierto "Fragancias musicales para alimentar el espíritu" .

El programa, ideado por estos cuatro clarinetistas de alto nivel, está integrado por piezas de Aita Donostia, Brahms y otros compositores más actuales como Astor Piazzolla o Patrick Hiketick.

Más info: http://urvalensemble.blogspot.com/

IN MEMORIAM. ERIC GROSS (1926-2011)

2011-05-22T09:57:00.000-07:00

Gross nació en Viena y emigró a Inglaterra en 1938. Desde la edad de catorce años trabajó como pianista en grupos y orquestas. Estudió en el Trinity College of Music con Wilfrid Dunwell (piano) y en la Universidad de Aberdeen, con profesores como Reginald Barrett-Ayres, donde concluyó sus estudios en 1957. A raíz de compromisos profesionales en Sri Lanka y Nueva Caledonia, se estableció en Sydney en 1958. ha sido profesor de la Universidad de Sydney desde 1960 hasta su jubilación en 1991. Por reseñar lo más reciente de su extenso catálogo, en 2008 concluyó un cuarteto para saxofones, titulado Suite Latinoamericana, que supone el opus 302 de su carrera, y el pasado año estrenó la obras Sallygraphy (intermezzo para piano) y el himno religioso Lord I Pray, su opus 312 Falleció el pasado 17 de abril. Descanse en paz.
Más información en la excelente web http://www.australianmusiccentre.com.au

II EDICIÓN FESTIVAL DE MÚSICA CALLEJERA VILLANÚA

2011-05-19T01:51:00.000-07:00

El II Festival de Música Callejera de Villanúa tendrá lugar
del 1 al 7 de agosto de 2011.
Este año el festival tiene el valor añadido de tener una
fase de concurso, pudiendo optar a un primer, segundo o
tercer premio.
Los participantes pueden ser solistas o grupos musicales
compuestos por dos o tres músicos máximo.
Se exige el compromiso de participar 3 días, actuando
dos días alternativos y teniendo el tercer día en medio
de libre disposición. Cada día se realizan 3 actuaciones
diarias.

Más info en: www.esparbeliniciativas.com

Dieter Ammann: "Geborstener Satz casalQuartett"

2011-05-16T03:42:00.001-07:00

Dieter Ammann nació en Aarau, Suiza, en 1962. Comenzó sus estudios musicales en la Academia de Música y pasó varios semestres en la Swiss Jazz School de Berna.
Comenzó a desempeñarse como músico en el campo de la música improvisada y el jazz participando en los festivales internacionales de Colonia, Willisau, Amberes y Lugano. A través de grabaciones y sesiones de estudio se puso en contacto con artistas como Eddie Harris o Udo Lindenberg.

Posteriormente estudió teoría y composición con Roland Moser y D.
Müller-Siemens en la Academia de Música de Basilea, realizando clases magistrales, entre otros, con Wolfgang Rihm y Witold Lutoslawski. En los años noventa, la composición se convirtió en su principal objetivo. Sus obras para orquesta, así como sus piezas de música de cámara han recibido varios premios nacionales e internacionales, como el Kuratorium Aargauer, el primer premio de los compositores internacionales del IBLA York-Nueva Fundación, una beca de Franz Liszt de las "Europas Weimar Kulturstadt "- Fundación; el primer premio" Jóvenes Compositores en Europa ", Leipzig, y el premio de patrocinio para la composición de la Ernst von Siemens Musikstiftung, Munich. En 2010 fue compositor en residencia en el Festival de Lucerna.
Dieter Ammann es profesor de teoría y composición en la Academia de Música de Lucerna y también tiene una cátedra en la Universidad de las Artes en Berna.

Dror Feiler: "Music for Dead Europeans"

2011-05-16T03:12:00.000-07:00

Dror Feiler Elimelec (nacido el 31 de agosto de 1951 en Tel Aviv , Israel ) es un músico y artista sueco-israelí. Vive en Estocolmo desde 1973 y está casado con la artista Gunilla Sköld-Feiler .
Feiler estudió Musicología en la Universidad de Estocolmo desde 1977 hasta 1978 y Composición en la Academia de Música de Estocolmo desde 1978 a 1983.
Su música incluye composiciones para orquestas sinfónicas, ópera, música de cámara y música electro-acústica. En abril de 2008, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera estrenó su composición Halat Hisar (Estado de Sitio), después de que los músicos se quejaran de que la música, que incluye sonidos de ametralladoras , era tan fuerte que les había acasionado problemas de oído y dolores de cabeza.

Cuatro Compositores americanos. Dirigida por Peter Greenaway

2011-05-05T11:14:00.000-07:00

Cuatro compositores americanos: Philip Glass (1983)

Sobre la base de actuaciones en Londres bajo los auspicios del Festival de Nueva York / Almeida, esta serie de cuatro documentales de una hora, producidos originalmente en 1983, presentó estos compositores de vanguardia y su música.

LOS ESCARABAJOS DE DURRELL (IV) Apuntes para una estética de la postmodernidad: ENTRE LA MUERTE DEL SUJETO Y EL NO-LUGAR DEL AUTOR

2011-05-01T15:03:00.000-07:00

La eliminación posmoderna del autor como autor del texto supone el derribo del status ideológico propio del racionalismo ilustrado –concepto global que abarca numerosas escuelas y centros-, es el fin del “estilo” como algo definitorio, único y personal. En el campo de la propiedad intelectual podríamos recurrir a los manidos tópicos de qué es inalienable e intransferible. Al hacerse autónomo el texto, su presencia y multiplicación masiva ya no se sitúa en el lugar de una titularidad original e irrepetible.

Ya no es posible seguir el rastro de la intencionalidad del autor (referencias al propósito de la obra como elemento del análisis semántico no faltan en los manuales al uso), el ámbito de la autenticidad se remite ahora a la superficialidad que hace que todo se convierta en texto: el arte, la filosofía, la historia, las prácticas discursivas de la cultura, pero también los acontecimientos sociales y políticos (la falsedad de estos últimos textos es tan manifiesta que los teóricos de la democracia deliberativa han debido proponer nuevas fórmulas de participación para recuperar lo que fue la virtù republicana)

Se sustituye la profundidad por la superficie y en esta inversión lo que entendemos por hipertextualidad ya no es el discurrir con la mayor atención penetrando a través de la lógica y el conocimiento. La superficialidad es el rasgo formal de esta nueva era. El autor es sometido a crítica no ya sólo en cuanto a figura y modelo de la modernidad, sino en cuanto a su capacidad de definición, de control del punto de vista, de suministrador de criterios de interpretación y autenticidad, de sostenedor del mito de la creatividad singular. Es un tiempo crítico para los demiurgos…

El lugar dejado por el autor va a ser ocupado en el postmodernismo por el texto, y más aún, por el lector. Por decirlo en términos de Barthes, “el nacimiento del lector tiene lugar a expensas de la muerte del autor”. En efecto, diferentes líneas de sentido pueden enhebrarse a través de un mismo texto; el nuevo eje epistemológico que corresponde a la intertextualidad se transforma en la imposibilidad de un análisis final y cerrado del texto, así surge una telaraña de múltiples interrelaciones, préstamos, deudas e influencias. Los problemas relativos al significado se vuelven hasta cierto punto irrelevantes debido a la prioridad que se concede a las interrelaciones dinámicas dentro de los textos. Barthes en Fragmentos de un discurso amoroso afirma que “no sabemos quién habla; habla el texto, eso es todo”. El texto es, de hecho, “reescribible” con cada lectura, de ahí que Derrida lleve el argumento más lejos cuando afirma que “el lector escribe el texto”.

De la autonomía del texto, que produce cierto desasosiego cultural, pasamos a la soberanía del lector/oyente/espectador. Si el lector escribe el texto, la escritura es virtual, articula todo un campo de infinitas lecturas, esto es, una escritura “sin presencia y sin ausencia, sin historia, sin causa, sin archia, sin telos, una escritura que subvierte absolutamente toda dialéctica, toda teología, toda teleología”. Para Derrida no hay un sentido único y exclusivo, hay una pluralidad de textos y temas, diseminados, cuyas diferencias articulan el significado. Con el acto de “diseminar”, Derrida reivindica el placer del texto, pero, añadimos que también lo trágico o el desgarro interior tiene aquí espacio: la audición de la 4ª sinfonía de Shostakovich es una experiencia abierta, pero la empatía con el autor está muy presente.

Bakhtin es otro pensador contemporáneo que reformula radicalmente el tema de la intertextualidad con el fin de superar el exceso de formalismo (esta palabra trae demasiados recuerdos y no todos entrañables, ciertamente) del postestructuralismo y la teoría lingúística. El texto es un hecho verbal y no verbal, articula tanto la cultura popular como la literaria, su diseminación difusa en la realidad cotidiana significa ampliar el marco de la intertextualidad hacia otros puntos de interés más heterogéneos. Así, en la obra The lament of the mother of God (1989), la inspiración en la liturgia ortodoxa para el Viernes Santo es sólo el marco en el que John Tavener desarrolla su religiosidad. Podemos detenernos en la expresividad de la armonía coral, en la voz de la soprano, o en la emoción del texto, pero sólo son aspectos o detalles para un oyente que busca un sentido específico al material sonoro. Así, podemos increpar como autores a un oyente que, como nuevo sujeto emergente, se extiende en direcciones bien diversas, pero no se tratará de errores en la justificación sino de que no existen derechos ni obligaciones morales del autor sobre la obra, muchísimo menos sobre el oyente. Esa reconstrucción, ora balbuciente, ora reconstruida, dota de más valor a lo creado. Esa autonomía no es ni justa ni injusta, sólo necesaria. El problema, del que no escapamos, es que si no accedemos a la música contemporánea más actual, ¿cómo vamos a hablar de soberanía del espectador? González Acilu aportó grandes dosis de sentido común en su investidura como “Doctor Honoris Causa” en la UPNA, ya que no hablaba sólo para la comunidad académica. Pudo ser demoledor, pero tal vez no era el momento (¿Musicología en la UPNA? Ah, nihil obstat)

El problema es que todo ello nos remite no sólo a la discursividad de lo real, “todo deviene en discurso”, sino también al hecho de que la pluralidad infinita de lecturas deviene a la postrer subjetividad sin límite, a un texto vacío de contenido objetivo que imposibilita toda hermenéutica y por lo tanto una disolución de la crítica. Bien, ¿y qué? Más preocupante me parecen otros aspectos de la creación/composición que paso a reseñar como cierre de esta cuarta entrega coleopteroriana, si se me permite. Hace unos meses me encontré en Pamplona con un antiguo profesor del Conservatorio y afamado compositor, bien relacionado y nudo del staff foral. Le pregunté interesado por sus proyectos y obras y él me respondió que bastante mal, porque ninguna institución le encargaba obras. No daba crédito. Repugnante. Ahora resulta que el dinero mueve la creación. ¿Dónde he estado metido hasta ahora?

Un abrazo. Agur. IFG

"Noche estrellada para Orquesta de Cuerdas", John Carollo

2011-04-26T02:20:00.000-07:00

John Carollo nació en Torino, Italia y se trasladó a los EE.UU. siendo aún niño.
Asistió a la universidad en San Diego, California realizando estudios en música y psicología. Durante este tiempo, Carollo tomó lecciones de piano y comenzó a componer obras para piano.
Poco después,se mudó a Honolulú y comenzó a tomar clases privadas de composición con el Dr. Robert Wehrman. Su primera composición bajo la tutela de Wehrman era una suite para piano en seis partes. Su siguiente trabajo fue una obra atonal titulada "Desdoblamientos frenéticos para violín solo". Después de completar esta obra, el compositor se centró sus energías en la incorporación de composiciones para diferentes instrumentaciones.

La obra que nos ocupa es una pieza enérgica escrita en 2009 para Orquesta de Cuerdas.
La composición de la misma está inspirada en la pintura de Vincent Van Gogh "Noche estrellada".

Helmunt Oehring:

2011-04-15T01:48:00.000-07:00

Helmut Oehring (Berlín, 16 de julio de 1961) es un compositor alemán. Estudió con Friedrich Goldmann y Georg Katzer en la Academia de Artes de Berlín (Akademie der Künste, Berlin).

Oehring también ha trabajado con diferentes artistas de todas las áreas como Ruth Berghaus, Ulrike Ottinger, Nikolaus von Heiseler, Daniele Abbado, Claus Guth y Dessau Maxim, el coreógrafo Joachim Schlömer, así como los directores de Ingo Metzmacher, Lothar Zagrosek, Martyn Brabbins y Roland Kluttig. También trabajó con la Agrupación Sortisatio de Leipzig en un proyecto creado especialmente para el Festival Musiktage Hallische.

Está en posesión de los premios Paul-Hindemith, Schneider-Schott y en 2008 obtuvo el Premio Arnold-Schönberg de composición.

TROJAN (COMPOSITOR) Y TRNKA (CINEASTA): DOS GENIOS CHECOS

2011-04-02T13:35:00.000-07:00

A través de esta entrada del blog queremos reseñar al menos unas lineas dedicadas a un excepcional compositor checo, Vaclav Trojan (1907 - 1983), conocido especialmente por sus obras para el cine de animación y marionetas de Jiri Trnka (1912 - 1969) Sin embargo, su producción es muy extensa tanto en música escénica (ballet, ópera, teatro) como en obras de cámara.
Václav Trojan, nacido en 1907 en la ciudad de Pilsen, sentía predilección por la música folclórica. Hijo de un fotógrafo, conoció a muchos músicos populares, y más tarde la música folclórica influiría en su rico lenguaje musical. Estudió en el Conservatorio de Praga órgano, dirección y composición con consagrados compositores checos como Josef Bohuslav Foerster, Jaroslav Kricka, Vítezslav Novák y Josef Suk, el más conocido internacionalmente de los cuatro.
En 1937 el compositor se incorporó a la plantilla de la Radio Checoslovaca en Praga como director musical. Fue una útil preparación para su carrera como pionero de la composición de bandas sonoras para películas de animación.
La colaboración de Trnka y Trojan empezó en 1945 al finalizar la Segunda Guerra Mundial. La primera de sus películas fue "Año Checo" (1947), seguida del "Ruiseñor del Emperador" (1949), basada en un cuento de Andersen.
La elocuente y graciosa música de Václav Trojan cautivó al público adulto e infantil en las películas de Jirí Trnka "El príncipe Bayaya" (1950), "Sueño de una noche de verano" y "Las viejas leyendas checas".
A continuación recuperamos un fragmento de la película de animación "Sueño de una noche de verano" (Sen noci svatojánské, 1959), basada en la obra de William Shakespeare, una buena muestra del talento de Jiri Trnka con música de Vaclav Trojan.
Jiří Trnka ha ejercido su influencia sobre la de muchos otros animadores checos, como Stanislas Látal, Jan Karpaš, Břetislav Pojar, y el japonés Kihachirō Kawamoto.
Creemos que este cine se merece un reconocimiento que ha sido escaso y cicatero.

OLGA NEUWIRTH: LA CREACIÓN (Die Schoepfung, en el centenario de Haydn, 2009)

2011-03-16T14:29:00.000-07:00

El oratorio "La creación" fue escrito por Joseph Haydn entre 1796 y 1798. Coincidiendo con el segundo centenario del fallecimiento de Haydn (1809 - 2009), los videoartistas austríacos Himmel y Haydn recibieron el encargo de recrear el mito de la creación a partir de dos autoras: la compositora Olga Neuwirth, que además de participar en el proyecto compuso la música, y la dramaturga y novelista Elfriede Jelinek.
Los textos del trabajo de videocreación pertenecen al Antiguo Testamento y a la propia escritora.

Ficha técnica: Música e idea (Olga Neuwirth), animación & post-producción (Lillevan), cámara (Martin Putz), productores (Himmel & Haydn), Eisenstadt, Austria 2010.

JOSEP SOLER i SARDÀ: "Variacions i fugues sobre un tema de Berg"

2011-03-14T16:21:00.000-07:00

Josep Soler i Sardà (Vilafranca del Penedès, Barcelona, 25 de marzo de 1935). Compositor, escritor, pensador y teórico de la música, considerado uno de los autores más importantes de la música contemporánea en España. Junto a su amplia obra musical, destaca una profunda y continua labor ensayística sobre problemas de musicología, estética y pensamiento.
Josep Soler se inició en los estudios musicales de la mano de Rosa Lara en su ciudad natal, para posteriormente, en 1960, desplazarse a París y recibir clases de René Leibowitz, alumno de Arnold Schoenberg, Anton Webern y Maurice Ravel. Su maestro principal, no obstante, será Cristòfor Taltabull, discípulo de Max Reger.
Nos acercamos a su obra con esta pequeña pincelada: "En ocasió de Wozzeck" /Josep Soler (Variacions i fugues sobre un tema de Berg)Sandra Batisa, flauta; Dolors Paya, clarinete; Oksana Solovieva, viola; Manuel Stacey, violoncello; y Stanislav Anghelov, piano

GLORIA COATES: CUARTETO Nº 5 (1988)

2011-03-08T09:40:00.000-08:00

Hasta ahora, Coates —una compositora nacida en Wisconsin que vive en Munich, que no acaba de ser tan conocida en su país como debiera-, ha sido conocida fundamentalmente por sus sinfonías; ha escrito quince hasta la fecha (la última en entre 2004 y 2005). Coates, sin embargo, ha sido igualmente prolífica en la música de cámara y sus obras camerísticas ofrecen una oportunidad para observar sus ilusiones como en un primer plano. En sus sinfonías es tanto lo que sucede entre los corales tonales de fondo, los estallidos de la percusión y las redes de ondulantes líneas de la cuerda, que su logro técnico permanece oculto. Aquí, en sus cuartetos de cuerda, podemos distinguir cada nota, cada línea; lo que resulta sorprendente es que las ilusiones son igual de sorprendentes.

En el Quinto Cuarteto, escrito en 1989, el primer movimiento parece engañosamente sencillo: un doble canon dentro enteramente de la escala de La menor, sin un solo bemol o sostenido en ninguna parte. Las cuerdas del primer violín y de la viola, sin embargo, están afinadas un cuarto de tono más altas que las del segundo violín y violonchelo, creando un reflejo canónico alejado un cuarto de tono de la octava y otorgando a todo el canon una atmósfera misteriosa, generalmente inestable, a pesar de la sencillez de sus melodías lentas. El segundo movimiento es una textura de continuos glissandi cuidadosamente anotados, entre los cuales aparecen fragmentos de una melodía familiar: Coates recoge la cita como "Fling Out the Banner, Let It Wave", pero la melodía ha aparecido también como un villancico navideño, "I Heard the Bells on Christmas Day". Este es un caso en el que la melodía se teje de un modo tan discreto a partir de los glissandi, tocados primero por un instrumento y luego otro, que no siempre se percibe. El tercer movimiento es una de las ofrendas más inusuales en una producción inusual, que recuerda a ese juvenil cuarteto estudiantil de 1962 que está escrito enteramente en glissandi. Moviéndose en tempos diferentes, los cuatro instrumentos se deslizan hacia arriba y hacia abajo a través de intervalos que en un principio aumentan su tamaño con cuartos de tono y luego disminuyen. La textura tiene una sensación de incertidumbre constante, sin ninguna nota firme o inmutable a la que agarrarse hasta el acorde final y largamente mantenido de cuerdas al aire. La literatura cuartetística ofrece pocas experiencias, si es que alguna, tan vertiginosas. Texto: www.naxos.com, original de Kyle Gann y traducción de Luis Gago, referencia discográfica NAXOS 8.559091 - COATES, G.: String Quartets Nos. 1, 5 and 6

HILDING ROSENBERG: CUARTETO DE CUERDA Nº 12 (1957)

2011-02-22T09:14:00.000-08:00

Hilding Constantin Rosenberg nació el 21 de junio de 1892 en Bosjökloster, en el sur de Suecia, y falleció el 19 de mayo de 1985 en Estocolmo. Rosenberg está considerado como uno de los compositores suecos más importantes del siglo XX. Poco conocido entre nosotros, de su extensísima producción (el blog del aficionado sueco Walter Ekelin proporciona abundantes datos biográficos) destacamos sus doce cuartetos de cuerda (1920-1972) y ocho sinfonías (1917-1974)

Junto a G. Nystroen y M. Pergament, preparó el camino hacia la musica moderna al introducir en Suecia las obras de Schönberg, Bartok, Honegger y Hindemith. Su importante producción presenta una gran variedad de formas y géneros, desde óperas y música escénica hasta bandas sonoras para el maestro Ingmar Berman (como Tormento, Hets, 1944), desde oratorios (Juloratorium, 1936) hasta la escritura compleja de los últimos cuartetos.
Finalmente una curiosidad, tiene catalogadas al menos dos obras basadas en clásicos de la literatura castellana: Hus med dubbel ingang (1970, música escénica basada en Calderón de la Barca) y Marionetter (1939, ópera inspirada en Los intereses creados de Jacinto Benavente y traducida por el hispanista sueco Karl August Hagherg)

PD. Estamos trabajando ya en nuevos proyectos del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK. Esperamos darlos a conocer a través de este humilde blog. Agur.

MARGARET BROUWER: QUINTETO (2005)

2011-02-18T13:57:00.000-08:00

Grabación de la obra difundida por el proyecto VOICES OF CHANGE de Dallas en octubre de 2010.
La compositora Margaret Brouwer (Michigan, 1940) estrenará el próximo 10 de mayo en Cleveland su obra Daniel and Snakeman (A Children's Symphonic Drama)

SCHNITTKE: MÚSICA PARA CINE DE ANIMACIÓN (1973)

2011-02-17T13:21:00.000-08:00

Música de Alfred Schnittke para una película soviética de animación de 1973 (En el mundo de las fábulas). Se trata de una adaptación de tres cuentos del escritor Iván Andreievich Krylov (1769 -1844) Las fábulas de Krylov se inspiran a menudo en las de Esopo y La Fontaine, y en ellas ataca con ironía todos los vicios humanos, pero en especial la incompetencia, la arrogancia y la estupidez con especial referencia a la vida contemporánea.
El compositor Alfred Schnittke (1934 - 1998) compuso en ese año 1973 no menos de seis bandas sonoras para películas y televisión y comenzó al menos tres trabajos de música escénica.
Esta rareza es una aproximación diferente a un autor con una obra fructífera, ecléctica y pendiente de una revisión global.
El montaje que ofrecemos es una versión resumida del film original de 1973.

PD. Una curiosidad poco conocida: el Opus 4 de Dimitri Shostakovich es precisamente la obra "Dos fábulas de Krylov", de 1922, para soprano, coro y orquesta. Proponemos la siguiente versión discográfica: “Dmitri Shostakovich: Orchestral Works” (BMG/Melodiya 74321 59058 2) Galina Borisova, soprano; Chamber Choir of the Moscow Conservatory; USSR Ministry of Culture Symphony Orchestra; director Gennady Rozhdestvensky

STEFFEN SCHLEIERMACHER: 4 Pieces (nº 1)

2011-02-15T12:09:00.000-08:00

Schleiermacher inició su carrera como intérprete en 1988 centrándose exclusivamente en la música contemporánea y en muchos casos, por los repertorios menos conocidos de la misma. En 1989 fundó el Ensemble Avantgarde cuyo objetivo es interpretar clásicos del Modernismo así como obras de autores que han caído en el olvido o composiciones que representan tradiciones musicales especiales (como música alemana y rusa de principios del siglo XX)

Para dejar constancia de su importantísima labor en la difusión de la música contemporánea, reproducimos aquí el programa de uno de sus conciertos con el CDMC en Madrid: Béla Bartók (piezas de la inmensa "Mikrokosmos", escrita entre 1926 y 1939), Igor Stravinsky ("Los cinco dedos", compuestos en 1921 para los que se inician en el piano), György Kurtág ("Homenaje a Kàdosa", dedicado al gran pedagogo, compositor y pianista que fue profesor de Kurtàg), Helmut Lachenmann ("Un juego de niños", integradas por siete piezas creadas para su hijo David en 1980) y Sofía Gubaidulina ("Juguetes Musicales", 14 obras que escribió para su hija pequeña en 1969) acompañados por una creación del propio Schleiermacher ("Doce paisajes sonoros en el piano")

¿Cuándo vendrá a Pamplona?

LEO ORNSTEIN (1893 - 2002): SUICIDE IN AN AIRPLANE

2011-02-14T12:05:00.000-08:00

Antes del final de la década de los años veinte, probablemente en 1918 o 1919, Ornstein compuso una de sus obras más distintivas: Suicidio en un avión (Suicide in an airplane) Su ejecución requiere una gran velocidad en la digitación. Espectacular también el bajo ostinato, patrón rítmico-armónico que simula el sonido de los motores y recrea la sensación de vuelo. La obra sirvió de inspiración para la Airplane Sonata (1923) de George Antheil, quien también recibió la influencia de Ornstein en otras obras como la Sonata Sauvage (1923).

Agradecemos a HEXAMERON su desinteresada difusión de obras a través de You Tube.
No dejes de hacerlo.
Cultura libre es lo que hace falta. Un saludo a Álex de la Iglesia.

PIONEROS: EL "STUDIO DI FONOLOGIA MUSICALE" DE MILAN

2011-02-11T12:30:00.000-08:00

En 1955, Luciano Berio y Bruno Maderna fundaron el “Studio di fonologia musicale” en la RAI (Radio Audizioni Italiane) de Milán. Se trataba del primer laboratorio italiano de música electroacústica que utilizaba tecnología avanzada para su época, para el tratamiento y la síntesis de los sonidos. Los ingenieros Lietti y Zuccheri, que colaborarán posteriormente con Luigi Nono, participaron en su puesta en funcionamiento. El estudio constaba de generadores de señales sinusoidales, de impulsos y de ruido blanco, moduladores de amplitud, de frecuencia y de anillo; de magnetófonos en 1, 2 y 4 pistas, y de filtros perfeccionados.

También en esos años 50 destacó el Instituto de Investigación de Telecomunicaciones y Teoría de la Información de la Universidad de Bonn (RFA), siendo Herbert Eimert quien establecería el Estudio de Música Electrónica del Westdeutscher Rundfunk (WDR) en Colonia en 1951. Se partía de los principios físicos del sonido (frecuencia, timbre, intensidad, escala de tiempo), con la idea de sintetizar el sonido a partir de sus componentes más simples con medios electrónicos (generadores de ondas), destacando como producción "Glockenspiel" (1953) de Eimert, "Estudio I"(1953), "Estudio II" (1954) y "Gesang der Juenglinge" (1955/6) de Karl-Heinz Stockhausen (1928), "Artikulation"(1958) de Gyorgy Ligeti (1923). La faceta fascinante de la música electrónica fue la posibilidad de llevar al límite las teorías seriales de Anton Webern, de quien Eimert era discípulo, todos los sonidos eran cuantificables, es decir, serializables. Ya no se hablaba solamente de la serialización de las alturas (notas), se serializaban las intensidades y otros parámetros disponibles. La música electrónica permitía la precisión a ultranza en la generación del sonido, teóricamente, pues la realidad era algo distinta al pasar por los elementos analógicos de la época. La utopía sólo sería realidad con la entrada de los ordenadores en la tecnología musical.

Berio y Maderna no fueron los únicos en componer en el estudio de Milán. Henri Pousseur, Luigi Nono, John Cage o Franco Donatoni también lo frecuentaron. Cabe mencionar como obras realizadas en dicho centro "Thema-Omaggio a Joyce" (1958) de Luciano Berio (1925), "Fontana Mix" (1958/9) de John Cage (1912-1994), "Musica su due dimensioni" (1958) de Bruno Maderna (1920-1973), "Omaggio a Vedova" (1960) de Luigi Nonno(1924-1990).

En el siguiente reportaje aparece material de archivo de televisión de la cadena pública RAI en el que aparecen Luciano Berio, Bruno Maderna y Luigi Nono, entre otros. El programa es TECH STUFF,con locución de Alessandro Bianchi y guión y dirección de Giorgio Sancristoforo.

VARÈSE SEGÚN BOULEZ. Un recuerdo de Garaikideak en los ochenta años del estreno de IONISATION

2011-02-03T13:04:00.000-08:00

Creación del blog "Música Contemporánea en España"

2011-01-10T04:27:00.000-08:00

El guitarrista Bertrand Chavarría-Aldrete, Director artístico del Festival Internacional SMASH de Música contemporánea, crea el blog "Música Contemporánea en España" con la intención de que todo el mundo pueda manifestar su opinión sobre lo que esta sucediendo (cierre del CDMC entre otros temas). El blog es el siguiente: http://musicacontemporaneaenespana.blogspot.com/

LISTA DE AUDICIONES (IV). Autores para más de un siglo (1908 - 2010)

2010-12-21T11:53:00.000-08:00

Seguimos con la lista de quinientas audiciones de quinientos autores para entender con humildad y respeto lo que han aportado grandes compositores durante los últimos ciento doce años. Casi todas las audiciones están disponibles en Spotify, en los podcast de rne.es y en decenas de enlaces.

RAMON LAZKANO (n. 1968) Aztarnak (2000)
BRETT DEAN (n. 1961) Pastoral Symphony (2000)
VICTORIA BORISOVA-OLLAS (n. 1969) Angelus for symphony orchestra (2008)
CHARLES WUORINEN (n. 1938) Saxophone Quartet (1992)
ROBERT STARER (1921-2001) Hudson Valley Suite
ANDERS NILSSON (n. 1954) Concerto Grosso I (2000)
PAUL TORTELIER (1914-1990) Doble concierto para dos cellos
EUGÈNE BOZZA (1905-1991) Image, Op. 38
FLORENT SCHMITT (1870-1958) Sinfonía nº 2 (1936)
WAYNE BARLOW (1912-1996) The Winter´s Passed
JACQUES IBERT (1890-1962) Concertino Da Camera
ALBERT ROUSSEL (1869-1937) Sinfonía nº 3, Op. 42 (1930)
ARTHUR HOERÉE (1897-1986) Septuor Op. 3 (1923)
FINN MORTENSEN (1922-1983) Wind Quintet, Op. 4
EGIL HOVLAND (n. 1924) Concierto para trombón, Op. 76 (1972)
VAGN GYLDING HOLMBOE (1909-1996) Sinfonía nº 10, Op. 105 (1972)
IB NORHOLM (n. 1931) Concierto para violín, Op. 60 (1974)
HERMAN D. KOPPEL (1908-1998) Concierto para cello, Op. 56
BENT LORENTZEN (n. 1935) El lobo estepario (1999)
OTTO KEMPLERER Sinfonía nº 1 (1960)
JUAN MANUEL RUIZ Nébula (2006)
PHILIP CASHIAN (n. 1963) Chamber Concerto (1995)
SIMON HOLT (n. 1958) Lilith (1990)
CHRISTOPHER FOX (N. 1955) llik.rellik
FRANCIS BURT (n. 1926) The Golem (ballet, 1965)
AVRIL ANDERSON (n. 1953) A story untold
JAMES WOOD (n. 1953) Two men meet […] (1995)
HARRISON BIRTWISTLE (n. 1934) The Minotaur (ópera, 2008)
JAMES DILLON (N. 1950) Philomela (ópera, 2004)
RICHARD BARRET (n. 1959) Dark matter (1990-2003)
BRIAN ELIAS (n. 1948) The House that Jack Built (2001)
URMAS SISASK (n. 1960) Gloria Patri (1988)
VELJO TORMIS (n. 1930) Raua needmine (1972)
RIHARDS DUBRA (n. 1964) Te Deum (2003)
ERIKS ESENVALDS (n. 1977) Joseph Is a Fruitful Bough (2007)
GUY REIBEL (n. 1936) Le jeu vocal (2006)
VLADIMIR SOMMER (1921 – 1997) Concierto para violín (1950)
EMIL FRANTISEK BURIAN (1904 – 1959) Cuarteto de cuerda nº 4, Op. 95
JAN HANUS (1915 – 2004) Sinfonía nº 7, op. 116 (1989)
GEORGE ROCHBERG (1918 – 2005) Sinfonía nº 5 (1984/85)

TAN DUN EN MADRID

2010-12-12T14:08:00.000-08:00

El compositor chino Tan Dun ha ofrecido hoy domingo un concierto dirigiendo a la Orquesta Nacional de España con la soberbia obra HÉROE, (Sinfonía Heroica), compuesta a partir de la banda sonora de la película con el mismo título dirigida por Zhang Yimou en 2002. En el Auditorio Nacional se han proyectado imágenes del film durante la interpretación (más información en rne.es y rtve.es)

En las composiciones de Tan Dun se encuentran varias series distintas que reflejan sus conceptos propios de composición, además de sus ideales personales. Entre ellas se encuentran el ciclo Orchestral Theatre (Teatro Orquestado), que retrata sus recuerdos del ritual chamanístico a las funciones sinfónicas, como The Gate (La puerta), la cual fue estrenada por la Orquesta Sinfónica de NHK, dirigida por Charles Dutoit; Organic Music (Música Orgánica), que consiste en obras que incluyen elementos del mundo natural, como el Water Concerto (Concierto de Agua), encargada y estrenada por la Filarmónica de Nueva York con Kurt Masur, y Paper Concerto for Paper Percussion and Orchestra (Concierto de Papel para percusión de papel y orquesta) para la Filarmónica de Los Angeles y Esa - Pekka Salonen para la apertura de la sala de conciertos del Walt Disney (Concert Hall) en octubre de 2003; y Multimedia & Orchestra (Multimedia y Orquesta), incluyendo el trabajo simbólico The Map: Concerto for Cello, Video and Orchestra (El Mapa: concierto para violonchelo, video y orquesta) estrenado por la Orquesta Sinfónica de Boston y Yo- Yo Ma con Tan Dun dirigiendo.

La ópera ha tenido una importancia significativa en la producción creativa de Tan Dun durante la última década. Marco Polo (1995-96), escrita sobre un libreto de Paul Griffiths, tuvo tres producciones diferentes y ha sido puesta en escena en más de veinte ciudades del mundo. Peony Pavilion (Tienda de Peonías) (1998), basada en un texto de Tang Xianzu (1598), y dirigida por Peter Sellars, ha tenido más de cincuenta representaciones en festivales importantes de Viena, París, Londres y Roma. Tea (2002) con libreto de Xu Ying y Tan Dun, musicalizada para instrumentos de cerámica, piedra y papel con orquesta, se estrenó en Suntory Hall de Japón con la Ópera Holandesa bajo la dirección de Pierre Audi. Otras obras importantes incluyen: Water Passion after St. Matthew (Pasión de Agua Según San Mateo), para la Internationale Bachakadamie en Stuttgart, conmemorando el aniversario de la muerte de Bach; Eight Memories in Watercolor (Ocho Recuerdos en Acuarelas), ejecutada internacionalmente por el pianista Lang Lang; la partitura ganadora del premio Oscar para el largometraje de Ang Lee Crouching Tiger, Hidden Dragon (Tigre y Dragón, 2000); y la Ghost Opera (Ópera Fantasma), llevada a todo el mundo por el Cuarteto Kronos.

Os proponemos este vídeo con una interpretación de su Concierto para Zheng y orquesta de cuerda, con la intérprete Yuan Li al Zheng, y el propio Tan Dun al frente de la Orquesta Sinfónica de Colonia.

Revista "En el límite - Escritos sobre Arte y Tecnología"

2010-12-03T04:39:00.000-08:00

Desde Argentina nos llega este interesante proyecto,una iniciativa de Rául Minsburg y el Centro en Estudios y Producción Sonora y Audiovisual de la Universidad Nacional de Lanús.

La publicación de la revista es anual. Cada número tendrá un tema que será abordado por los distintos autores desde diferentes perspectivas. En el caso de este primer número el tema es "Percepción y recepción audiovisual, sonora y de música a base de sonidos"
Además de artículos originales en castellano, se traducen artículos originales del inglés al castellano con el fin de ampliar la bibliografía disponible en nuestra lengua. Este primer número está hecho en convenio con el MTI (Music, Technology and Innovation Centre) de la De Monfort University de Inglaterra.Para este primer número se han traducido cuatro artículos de compositores e investigadores de renombre internacional como Leigh Landy, Simon Emmerson y John Young.
La publicación está disponible en dos formatos: papel y electrónico. Se puede descargar completa o por artículos desde este link http://www.unla.edu.ar/public/en_el_Limite/index.php con una simple inscripción previa.

VII Concurso Internacional de Composición Musical 'Universidad de Zaragoza' 2010-2011

2010-11-30T01:19:00.000-08:00

El Área de Actividades Culturales del Vicerrectorado de Proyección Cultural y de la Universidad de Zaragoza convoca el VII Concurso Internacional de Composición Musical “Universidad de Zaragoza”, con el objetivo de estimular la creación contemporánea en el ámbito de la música y con el fin de difundir el interés hacia cualquier forma de manifestación artística, con arreglo a las siguientes bases:

REQUISITOS

1- El concurso está abierto a compositores de todas las nacionalidades, sin límite de edad.

2- Cada compositor podrá presentar una única obra original que deberá responder a las siguientes características:

- La obra deberá ser inédita, no estrenada ni registrada por ningún medio de reproducción mecánica antes del fallo del jurado.

- La obra deberá ser escrita, como máximo, para los instrumentos que figuran en la siguiente plantilla y, como mínimo, para un número no inferior a diez instrumentos entre los cuales deberán figurar, al menos, tres instrumentos de viento-madera y tres instrumentos de cuerda frotada

- 1 Flauta (también Flautín y Flauta en sol)
- 1 Oboe (también Corno Inglés)
- 1 Clarinete (también Clarinete Bajo y Clarinete en mi bemol)
- 1 Fagot (también Contrafagot)
- 1Trompa
- 1 Trompeta
- 1 Trombón
- 1 Percusionista
- 1 Piano
- 1 Arpa
- 2 Violines
- 1 Viola
- 1 Violoncello
- 1 Contrabajo

- Las obras durarán entre 12 y 15 minutos.
- No se admitirán partes para solista dentro de las obras ni tampoco para medios electroacústicos de ningún tipo.

PRESENTACIÓN Y ENVÍO DE OBRAS

3- La obra no estará firmada, por lo que su título figurará en el exterior de un sobre cerrado que contenga el DNI o pasaporte, dirección y teléfono, así como un breve currículum del autor.

Será imprescindible la presentación de cinco ejemplares obtenidos por cualquier procedimiento manual o mecánico, a tamaño legible y debidamente encuadernados. A estas cinco copias se le añadirá un CD con la obra presentada a concurso en los formatos pdf y midi.

4- El plazo de recepción de las obras concluirá el 29 de marzo de 2011, considerándose la fecha del matasellos, en caso de ser remitida por correo, como la de recepción.

Toda la documentación deberá ser presentada o enviada a:

Universidad de Zaragoza
VII Concurso Internacional de Composición “Universidad de Zaragoza”
Área de Actividades Culturales
C/ Pedro Cerbuna 12
50009 ZARAGOZA
ESPAÑA

SELECCIÓN DE OBRAS Y PREMIOS

5- El jurado será elegido por el Vicerrectorado de Proyección Cultural y Social de la Universidad de Zaragoza, entre miembros de reconocido prestigio en el ámbito de la música. Dicho jurado completará con su criterio las omisiones o dudas que pudiera plantear la interpretación de estas bases y su fallo será inapelable.

6- Se establece un único premio de 3.500 euros.
Este premio está sujeto a la retención del IRPF conforme establece la legislación vigente.

7- En las ediciones, ejecuciones, grabaciones, etc., de la obra premiada figurará la mención “VII CONCURSO INTERNACIONAL DE COMPOSICIÓN MUSICAL UNIVERSIDAD DE ZARAGOZA“.

8- El autor o autores premiados, por su parte, estarán obligados a facilitar gratuitamente el correspondiente material escrito para la ejecución y grabación, en su caso, de la obra, así como la entrega de una copia de la partitura, que quedará en poder de la Universidad de Zaragoza.

9- En el momento de su primera interpretación por la Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza (Grupo Enigma) se requerirá al ganador para que entregue, con el tiempo que se convenga, las partituras necesarias para su estreno. Dicho material estará exento de pagos de alquiler.

10- La Universidad de Zaragoza se reserva el derecho de realizar posteriores interpretaciones, grabaciones o reproducciones en radio y televisión de las partituras premiadas. Por tanto, los autores galardonados manifestarán la cesión gratuita de los materiales de sus obras, quedando a salvo los derechos de autor.

11- La obra galardonada, será interpretada por la Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza (Grupo Enigma), dentro de su temporada 2011-2012.

LOS COLEÓPTEROS DE DURREL (III) Apuntes para una estética de la postmodernidad

2010-11-21T14:23:00.000-08:00

En las siguientes líneas nos centraremos en una visión general, concisa por obligación, de los cuatro temas esenciales del pensamiento postmoderno: el Sujeto, la Historia, la Teoría y la Estética/Ideología, pilares básicos que serán puestos en tela de juicio, cuestionados, considerados motivo de sospecha (más sistemática que particular), y que proporcionan una visión de conjunto un tanto hipermétrope en el horizonte ideológico postmodernista.

El problema del Sujeto ocupa una gran parte de la literatura y del pensamiento posmoderno: la desaparición del autor, la crisis del yo unitario y racional así como la emergencia del individuo son algunos de los elementos comprendidos en la teoría de la subjetividad que llevarán al presente movimiento a una crítica de la tradición humanista (probablemente empachada de tanta sexta napolitana) El punto de vista adoptado por la tradición postestructuralista (Foucault, Derrida, Deleuze, Lacan, Guattari…) nos remite a la desintegración del sujeto que ya no interviene en la explicación del mundo y deja de ser agente efectivo de la naturaleza. La consecuencia directa de estos presupuestos es la transformación de la noción de identidad entendida como fijación y unidad (Laclau, Sawiki), el advenimiento del nuevo individualismo occidental (Lipovesky, Finkielkraut) y los recientes dilemas del yo: el narcisismo, la pluralidad de elección, el cinismo (Sloterdijk), la fragmentación, la banalidad…

Asimismo la Historia como explicación cronológica, como correlato lineal de la supremacía del sujeto cartesiano, se debilita en su continuidad clásica y se disuelve su teleología utópica o inmanente. El pensamiento posmoderno adopta decididamente la forma de una “genealogía” y una “arqueología” (Foucault) cuyo postulado es que todos los relatos explicativos, toda forma específica de codificar la temporalidad, en el fondo, encubre intereses inconscientes y otras formas de saber.

Separado de la representación, el lenguaje no existe de ahora en adelante sino de un modo disperso: para los filólogos las palabras son como otros tantos objetos constituidos y depositados por la historia; para quienes quieren formalizar, el lenguaje debe despojarse de su contenido concreto y no dejar aparecer más que las formas universalmente válidas del discurso; si se quiere interpretar, entonces las palabras se convierten en un texto que hay que cortar para poder ver aparecer a plena luz ese otro sentido que ocultan; por último, el lenguaje llega a surgir para sí mismo en un acto de escribir que no designa más que a sí mismo.
Michel Foucault (La palabras y las cosas, 1966)

Enfrentándose a la tradición humanista, este pensador francés declaraba sin empacho que “el hombre es tan sólo un desgarrón en el orden de las cosas”, un concepto que ha surgido por una peculiar disposición histórica que ha tomado el saber. Frente a “todas las quimeras de los nuevos humanismos”, afirmaba Foucault, “reconforta y tranquiliza el pensar que el hombre es sólo una invención reciente, una figura que no tiene ni dos siglos, un simple pliegue en nuestro saber y que desaparecerá en cuanto éste encuentre una forma nueva”. La historia siempre se escribe desde la perspectiva del presente, satisface una necesidad del momento. Frente a la historia ontológica causal o la historia oficial, la interpretación genealógica exige el rechazo de la idea clásica de verdad. Solo existen, afimaba Nietzsche, metáforas sobre una realidad infinita (es recomendable el estudio de Giovanni Vattimo sobre el concepto de máscara en el pensador germano)

En el campo de la Teoría entran en crisis los conceptos de representación y verdad (Rorty), así como los dualismos basados en la dialéctica entre esencia y apariencia (Heidegger, Derrida) La incredulidad respecto a las metanarrativas (Lyotard) y el abandono de la distinción clara entre objeto y sujeto (Baudrillard, Lyotard) supone otro importante golpe dirigido contra asunciones básicas del pensamiento ilustrado. Se sigue apasionadamente a Nietzsche en la crítica sobre la autorreflexión, la autoidentidad o cualquier suerte de elemento racionalista que amortigüe los instintos físicos vitales (Deleuze, Guattari) y la disposición a vivir con la pluralidad.

La Estética/Ideología, como cuarto jinete del Apocalipsis, reabre la vieja herida de una emancipación universal del arte, opuesta a la aquiescencia ramplona del subjetivismo subvencionado (sub-sub), y refrendado por un nuevo concepto de lucha. El compromiso identitario no deja de lado al público (ya mencionamos a H. W. Henze en el primer artículo de esta serie), sino que busca tanto su provocación (entre la pose y el análisis) como su agradecimiento. La recomposición del singular debate entre lo público y lo privado lleva a buscar un equilibrio difícil entre la expresión artística y el público, lo que nos llevará en el próximo artículo a estudiar el problema del sujeto, su muerte certificada o no, y la superficialidad como rasgo formal de esta nueva era. Parafraseando a Bernstein, si son necesarios cien años para reconocer al genio de Mahler, a más de uno le van a hacer falta varios siglos…

Un abrazo para todos. Agur. IFG

ZURIÑE GERENABARRENA Vanguardia, intimidad y emoción

2010-11-13T14:26:00.000-08:00

Desde el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK queremos resaltar y mostrar nuestra admiración por esta autora. Hace unos meses tuvimos la fortuna de escuchar a través de Radio Clásica el estreno de su obra INCENDIANDO LAS SOMBRAS en el Teatro Arniches de Alicante, con la interpretación magistral del Atelier Gombau. Le enviamos nuestra enhorabuena y ella nos respondió dándonos las gracias con una modestia y sinceridad tan loable como poco común. Nos deseó mucha suerte en nuestros proyectos y nos aportó ideas muy interesantes para el futuro.

No queremos retrasarnos en este agradecimiento público, ya que el privado lo conservamos con enorme gratitud. Añadimos, a continuación, una breve referencia biográfica de esta gran autora.

Zuriñe Fernández Gerenabarrena (Vitoria-Gasteiz, 1965) estudia composición con C. Bernaola, siendo este encuentro determinante en su formación. Graduada en composición, obtiene el certificado de perfeccionamiento en Milán. Ha compuesto para publicidad, teatro, animación y orquestado varias películas. Además, ha estrenado obras en festivales nacionales e internacionales como Musikaste, Conciertos en el Museo Reina Sofía o Biennale dei Giovani Artisti dell' Europa, entre otros. Ha recibido encargos de instituciones como INAEM o la Orquesta Sinfónica de Euskadi. Su labor compositiva utiliza medios electrónicos y de técnica mixta que dan lugar a obras de diferentes fomatos, acciones, teatro musical, performance o instalaciones sonoras. Actualmente, compagina su labor de creación con la enseñanza del contrapunto y armonía en Musikene.

Una pincelada de su rico y excepcional catálogo: la obra SORTZE.

Música y compromiso: SERGIO ORTEGA (1938 - 2003)

2010-10-25T11:37:00.000-07:00

Sergio Ortega fue, además de un impulsor de la música contemporánea, un incuestonable defensor de la música popular. De hecho, fue ampliamente conocido por sus canciones para la Unidad Popular. Entre sus temas que se encuentran incorporados al patrimonio colectivo están el himno Venceremos, con letra de Claudio Iturra, y El pueblo unido jamás será vencido, popularizados por Quilapayún. Otras obras suyas son la cantata La Fragua, narrada por Roberto Parada, la banda sonora de la película El Chacal de Nahueltoro (1969) y la ópera Fulgor y muerte de Joaquín Murieta, basada en textos de Pablo Neruda. Poco antes de su muerte había terminado la ópera Pedro Páramo, según la novela de Juan Rulfo.

Ortega nació en Antofagasta el 2 de febrero de 1938 y estudió composición con Gustavo Becerra, en el Conservatorio Nacional de la Universidad de Chile. Trabajó en el Instituto de Extensión Musical y fue sonidista del Teatro Experimental de la Universidad de Chile, en la sala Antonio Varas. Desde 1969 fue profesor en el Conservatorio y en 1970 asumió la dirección del Canal 9 de televisión, de la Universidad de Chile. Durante su exilio, a raíz del golpe militar de 1973, fue director de L’Ecole Nationale de Musique, de Pantin, en Francia. Compuso óperas y cantatas, canciones y música para cine y teatro, obras de cámara y sinfónicas. Entre sus poemas sonoros podemos mencionar El monte y el río, con letra de Nicolás Guillén, y otros sobre sus propios textos. Destaca en su obra una trilogía sobre la Revolución Francesa.

En este escueto recuerdo queremos recuperar una de sus obras más aclamadas, LONQUEN, una obra desgarradora para voz e instrumentos tradicionales inspirada en el descubrimiento reciente de unos cuerpos de asesinados durante la dictadura de Pinochet.

Cuarteto MUNA en el programa "Jóvenes artistas"/Baluarte

2010-10-09T11:30:00.000-07:00

El pasado 2 de octubre, dentro del programa "Jóvenes Artistas", organizado por el Gobierno de Navarra, tuvo lugar un concierto del Cuarteto Muna en la Sala de Cámara de Baluarte (Pamplona)

El CUARTETO MUNA, formado por Maider Irazabal (flauta), Leire Fernández (violín), Izaskun Yaben (piano) y Martin Etxauri (vídeo), fusiona la música clásica con imágenes en movimiento, dotando a cada obra de un contenido visual, en función del contexto en el que fue escrita. Interpretan obras de compositores que utilizan lenguajes variados, desde un estilo más tradicional hasta otros más contemporáneos e innovadores: Bohuslav Martinu, Nino Rota, Koldo Pastor, Lorenzo Ondarra, Arthur Honegger… Para Muna Ensemble música e imagen crean un todo audiovisual.

Tras cursar sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Navarra y ampliar su formación en Europa, Maider Irazabal, Leire Fernández e Izaskun Yaben se unieron en el año 2008 con la intención de interpretar y dar a conocer la música escrita a partir del s. XX. En 2010, el trío pasa a ser cuarteto con la incorporación del vídeo jockey Martin Etxauri.

PROGRAMA

Urtzi Iraizoz
Trikuarri
I. Errekerteko lamia
II. Galtxagorriak
III. Harkaizen ele zaharrak

B. Martinu
Promenades

Martin Zalba
Sirynx

Koldo Pastor
Gorritik Beltzera

Nino Rota
Trio Per flauto, violino e Pianoforte

Grup21 trae la vanguardia electroacústica

2010-10-08T03:28:00.000-07:00

Maestros de la innovación musical y jóvenes talentos se darán cita
el miércoles 13 de octubre en la Sala Mompou de SGAE (Passeig Colom 6, 19:30)

Arte y vanguardia. Estas son las dos consignas detrás de este concierto co-producido por el Grup21 y la Fundación Phonos. Con un estreno del galardonado video artista barcelonés Arturo Fuentes, después de triunfar en Europa, América y Asia, que por primera vez combinará el vídeo experimental con la música. Inspirada en el cuadro Bosque de Hayas del pintor austríaco Gustav Klimt, la obra Landscape (2005) del compositor catalán Josep Maria Guix, será el plato fuerte del repertorio. Para ello Fuentes, finalista del “European Independent Film Festival 2010”, y Guix, director del Festival Nous Sons del Auditorio de Barcelona, se juntan en una estimulante experiencia. “El resultado es una pieza visual donde paisaje y vida se funden en un ritmo lento”, explicó Arturo Fuentes.

“La fusión de diferentes expresiones artísticas enriquece la música contemporánea”, ha dicho el director artístico de Grup21, Peter John Bacchus. El Grup21 busca revitalizar en este proyecto, que integra cuatro obras, la tradición musical con una nueva mirada. Además de Guix y Fuentes, Bacchus dirigirá obras del portugués João Pedro Oliveira, ganador del Concurso de Bourges (2002 y 2007), el más prestigioso del mundo de la música electroacústica, el español Andrés Lewin-Richter y el chileno Gabriel Brncic. En su aspiración de superar todas las fronteras, la Música Contemporánea del Grup21 transmitirá todo el concierto en directo a través de Internet.

Precio de la entrada: 5 Euros. Descuento para reservas previas y grupos (10%), para jubilados, parados y estudiantes (20%). Reservas: (+34) 646 90 11 67 info@grup21music.com

-Programa-

Solars Vortices (1985, Andrés Lewin-Richter)
Música para flauta, clarinete, violín, violenchelo, percusión y cinta.
Esta pieza del director ejecutivo de la Fundación Phonos fue compuesta cuando la música electroacústica dependía de unos cuantos innovadores. El autor de la obra y profesor del máster en Artes Digitales de la Universidad Pompeu Fabra, afirmó que esta pieza “utiliza todos los recursos instrumentales que tienen una cierta afinidad con la electrónica” con el fin de “solapar los dos mundos que en aquel entonces todavía estaban muy separados estéticamente”.

Landscape (2005, Joseph Maria Guix) y estreno del video artista Arturo Fuentes
Música para flauta, clarinete, violín, violonchelo, piano y cinta.
Antes de la interpretación del Grup21, Guix se encargará de comentar la colaboración llevada a cabo con Arturo Fuentes. “Guix ya me comentó que él es más afín a la fusión de matices, que no a la expresión de contrastes; quise respetarle tanto como pude generando una obra visual donde paisaje y vida se funden en un ritmo lento”, señaló Fuentes.

Casa del viento (2006, Gabriel Brncic)
Música para flauta-flauta en sol, clarinete-clarinete bajo, violín, violonchelo y cinta.
Fruto de la investigación aplicada a la música, en la obra de Brncic la composición electrónica está tratada instrumentalmente. Así es como ciencia y arte crean esta composición mediante el cálculo aritmético y algebraico. En palabras del propio Brncic, director artístico de Phonos, “esta es una postura propiamente moderna de concebir el nuevo lenguaje del arte, donde lo científico confluye con lo artístico”. Casa del viento es una pieza que utiliza el programa de composición para ordenador, Ronde-Bosse, que se basa en las estructuras de las posibilidades instrumentales.

Iris (2000, João Pedro Oliveira)
Pieza para clarinete, violín, violonchelo, piano y cinta.
La inspiración de Iris, proviene del libro Apocalipsis del Nuevo Testamento. “Relata la vision que tiene el profeta Juan del trono de Dios, rodeado del arcoiris, que en griego se llama Iris”, indicó Oliveira desde Portugal. Añade que su creación no busca romper o confrontar con el pasado; sólo “intenta comunicar algo muy personal que no siempre podría ser comunicable de otra forma”.

¿Qué es GRUP21?
Esta agrupación de fama internacional nació en Barcelona hace siete años. Está dirigida por Peter John Bacchus (New York), quien está especializado en casi todas las áreas de expresión musical. GRUP21 es la unión de diferentes músicos de primer nivel, interesados por promover y transmitir a nivel internacional la música catalana y española. El apoyo a nuevos talentos, la creación de nuevas obras y con más de 40 estrenos, lo han consolidado como referente musical en todo el Mediterráneo. Más información sobre la trayectoria de GRUP21 en su página web. El vídeo clip oficial en Youtube del Grup21.
GRUP21 retransmite todos sus conciertos en directo: http://www.ustream.tv/channel/grup21

Joseba Torre en el Festival de Música Contemporánea de Alicante

2010-10-01T04:37:00.000-07:00

El compositor bilbaino Joseba Torre ha sido elegido para representar a la música actual en el encuentro bilateral España-Francia que realiza el CDMC (Centro para la difusión de la música contemporánea) del INAEM (instituto nacional de las artes escénicas y de la música) en su XXVI edición dentro del festival de música contemporánea de Alicante.
Fuente: Deia

El INAEM crea el Centro Nacional de Difusión Musical

2010-10-01T01:41:00.000-07:00

A partir del 1 de octubre este Centro integrará al Auditorio Nacional de Música, al Centro para Difusión de la Música Contemporánea y al Centro de las Artes Escénicas y de las Músicas Históricas. El compositor Jorge Fernández Guerra concluye su etapa al frente del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea.

Más info y entrevista a Jorge Fernández en abc.

SHUTTER ISLAND. MÚSICA CONTEMPORÁNEA Y CINE

2010-09-14T15:18:00.000-07:00

SCORSESE EN POS DE KUBRICK

En este verano de 2010 se ha lanzado en DVD y Blue-ray la película SHUTTER ISLAND, dirigida por Martin Scorsese e interpretada por Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Michelle Williams y Max Von Sidow. Este thriller psicológico, basado en la novela de Denis Lehane, el autor de Mistyc River (adaptada al cine de forma excepcional por Clint Eastwood), ha contado con algunos de los colaboradores habituales de Scorsese, entre ellos el premiado cuarteto compuesto por el director de fotografía Robert Richardson, el diseñador de producción Dante Ferretti, la diseñadora de vestuario Sandy Powell y la montadora Thelma Schoonmaker.

La música no diegética del filme ha sido seleccionada por el supervisor musical Robbie Robertson, que conoce a Scorsese desde que éste filmó al grupo de rock de Robertson, The Band, para su película El último vals.

En vez de escribir una banda sonora convencional, le dije a Robbie, ‘¿Y si cogiéramos a compositores modernos del siglo XX y algunas canciones conocidas y los combinásemos para crear un muro de sonido?’, y le gustó la idea. Escogimos juntos piezas de Krzysztof Penderecki, Max Richter, Ingram Marshall, Morton Feldman, Giacinto Scelsi, Nam June Paik, John Adams, Brian Eno y Robert Erickson y las usamos en distintos momentos. También incluimos canciones populares de principios de los 50, como ‘Cry’, de Johnny Ray, ‘Wheel of Fortune’, de Kay Starr, y ‘Tomorrow Night’, de Lonnie Johnson. Lo que hizo Robbie con la música fue crear una especie de tapiz de lo que sienten Teddy, Chuck, el Dr. Cawley y todos los demás personajes a medida que pasan los días y se desarrolla la historia

También en una entrevista con el crítico Gabriel Lerman, el director Martin Scorsese ha aportado ideas sobre su banda sonora, que aquí reproducimos:

Se trata de música sinfónica moderna. Robbie Robertson y yo teníamos ganas de utilizar sinfonías modernas para la banda de sonido en lugar de contratar a un compositor. Seguramente un compositor hubiera hecho un trabajo excelente, pero teníamos ganas de probar algo diferente, más relacionado con la creación de estados de ánimo. Así que me envío unas veinte o veintidós horas de música a lo largo de tres meses. Una de las cosas que me mandó fue "Fog Tropes" de Ingram Marshall, que es el tema que abre la película: lo elegimos porque tiene un pasaje en particular muy interesante en el cual parece que suena una sirena, pero en realidad es un bronce... eso que se escucha al principio de la película es un bronce, no una sirena. Luego también usamos la tercera sinfonía de Penderecki, que es maravillosa. Es muy difícil hablar sin arruinar nada de la película, pero está relacionada con el subconsciente de Teddy, con la aprehensión con que ve la isla. Eso es lo que escucha porque es lo que yo sentí, me pareció que con esa música podíamos llevarlo a otro nivel. Por último, incluí a Mahler porque lo menciona Lehane en su novela

(entrevista publicada en La Vanguardia el 19/2/2010)

La banda sonora está editada por el sello RHINO, del grupo WARNER MUSIC. Puede escucharse en Spotify.
Como apunte final, la interpretación de la obra Lontano de György Ligeti corresponde a la versión de la Wiener Philharmoniker dirigida por Claudio Abbado, y la composición Music for Marcel Duchamp de John Cage para piano preparado ha sido interpretada por Phillip Vandré.

GEORGE ROCHBERG. DUO CONCERTANTE

2010-08-28T17:15:00.000-07:00

George Rochberg (1918 - 2005) estudió en la Universidad de Mannes (en donde uno de sus profesores fue George Szell), y en el Instituto Curtis. Desde 1960 enseñó en la universidad de Pennsylvania, siendo presidente del departamento de música hasta 1968 y se retiró en 1983 como profesor honorario. También trabajó como director de publicaciones de las ediciones musicales. Uno de sus estudiantes más notable fue Vicent McDermott.

Rochberg se inició su período de experimentación con la música derivada de la Segunda Escuela de Viena, del dodecafonismo de Schöenberg (composiciones usando los doce tonos de la escala cromática) y del serialismo de Anton Webern. De esta época destaca la Sinfonía n.º 2 (1955-56) una de las primeras composiciones seriales realizadas por un compositor americano.

Rochberg abandonó esa línea cuando su hijo murió en un accidente automovilístico en 1963: dijo que el serialismo estaba completamente vacío de expresividad y era insuficiente para expresar su dolor y rabia. La lengua de Schöenberg, para él, se convirtió en un "esperanto musical", una lengua artificial incapaz de expresar serenidad, tranquilidad, tolerancia, ingenio y energía. Esta vivencia le hizo volver a descubrir el gran trabajo de los maestros clásicos y románticos. Abandonó la noción rígida de progreso y las formas clásicas reaparecieron, fueron citadas a menudo literalmente en su música. Es un proceso semejante al movimiento, simultáneo, de la arquitectura postmoderna, donde elementos del pasado se combinan de nuevas y diversas maneras con el lenguaje del Movimiento moderno.

De esta primera etapa del autor, hemos escogido para el blog de GARAIKIDEAK su Dúo concertante para violín y cello (1955/1959), una obra muy personal de este período.

En SPOTIFY se pueden escuchar tres de sus sinfonías, el concierto para violín y otras obras sinfónicas editadas por el sello NAXOS entre 2003 y 2007. Que lo disfruten. IFG

VII FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA DE MENDIGORRIA

2010-08-27T13:32:00.000-07:00

¿Se imaginan un concierto didáctico con obras de Schoenberg, Berg y Webern, además de composiciones de Messiaen, Pärt, Strauss y Shostakovich? Una rareza de gran valor. Este ha sido uno de los programas del Festival.
ENHORABUENA A ALBERTO URROZ Y A TODOS LOS QUE HAN HECHO POSIBLE ESTE FESTIVAL.

Por séptimo año consecutivo, las históricas villas de Mendigorría y Puente la Reina han sido el escenario de una extensa programación de conciertos. Reconocidos artistas se han reunido este año en una particular efeméride: la celebración del bicentenario del nacimiento del gran compositor polaco Frédéric Chopin.

El Festival Internacional de Música de Mendigorría ha contado en esta edición con el patrocinio y la colaboración del Instituto Polaco de Cultura en una fecha tan señalada para el mundo del piano. La programación de conciertos del VII Festival Internacional de Música de Mendigorría, además de estar centrada en la obra de Chopin y contar con una presencia destacada de artistas polacos, ha incluido un concierto sobre el expresionismo musical temprano y su influencia en la música del siglo XX.

El festival tampoco ha querido pasar por alto la conmemoración del 200 aniversario del nacimiento de Robert Schumann. Para celebrarlo programó el segundo trío para violín, violonchelo y piano del compositor alemán, una de sus obras camerísticas más bellas y menos conocidas.Paralelamente, se han desarrollado clases magistrales para alumnos de piano de grado medio y superior, impartidas por los maestros Aida Gavrilova, Adi Rosenkranz y Alberto Urroz.

Los alumnos más destacados participaron en el concierto final que cerró el festival 2010 en Mendigorría. Además han sido seleccionados para ofrecer un recital en la Fundación Pons durante el curso 2010-2011.

Más información en http://www.festivalmendigorria.com

LOS COLEÓPTEROS DE DURRELL. Apuntes para una estética de la postmodernidad (2ªparte)

2010-08-22T15:08:00.000-07:00

Los rasgos constitutivos del postmodernismo como ideología y estética los podemos resumir del siguiente modo:

1)La tesis de que desde el punto de vista económico, cultural, sociológico y político se ha producido una transición de la modernidad a un nuevo estadio histórico o incluso “más allá” de la historia. El desarrollo cualitativo de las tecnologías y de los medios de comunicación y los cambios en la producción habrían dado a luz un sociedad postindustrial o del conocimiento (Touraine, McLuhan, Giddens)
2)El rechazo del modernismo artístico y las vanguardias, postulando la liberalización estética de las servidumbres de la coherencia, la innovación y la funcionalidad y situando la significación, la referencia intertextual y la autorreflexividad como valores autónomos (Jameson)
3)La escasa atención al estudio de modelos alternativos de conocimiento e interpretación sobre la realidad que promuevan la lucha contra la desigualdad tanto socioeconómica como cultural. La sociedad de consumo promueve valores ficticios asociados a los nuevos iconos de la postmodernidad. La lógica del mercado es injusta pero muy legal (justicia distributiva)
4)La radicalización de las tesis del postestructuralismo como impugnación, entre otras, de la razón centrada en el sujeto soberano, las grandes narrativas, las pretensiones universales de validez, la idea de totalidad y en general de la racionalidad ilustrada clásica (Lyotard)
5)La crítica del fundacionalismo filosófico y teórico y la apuesta por una “nueva superficialidad” que se enfrenta a las vanas pretensiones de profundidad que tiranizan el pensamiento moderno: como el modelo hermenéutico de individuo/exterior, el modelo dialéctico de la esencia/apariencia, el modelo freudiano de de lo latente/manifiesto, el modelo existencialista de la autenticidad/alienación…etc.
6)La tesis de la diferencia como fragmentación, particularización de prácticas sociales, políticas y culturales, y de narrativas e interpretaciones locales, que se prolonga en un gusto indisimulado por las minorías nacionales, culturales, sexuales, etc, así como por los nuevos movimientos sociales.
7)Desde un punto de vista musical, se percibe una indolente presunción de veracidad sobre cuanto ya se ha publicado, justificado únicamente por su valor documental. La investigación, que podría quebrar esta peligrosa corriente, es mínima, lo que acrecienta la elevación de unas pocas ideas a dogma. A ello se une una prepotencia muy arraigada que reduce la música contemporánea a una excentricidad que precisa de una cuarentena letárgica para ser valorada.

En los próximos epígrafes nos centraremos en cuatro pilares esenciales del pensamiento cultural postmoderno: el sujeto, la historia, la teoría y una estética musical, punto de especial complejidad y que nos interesa especialmente. Será uno de esos escarabajos de Durrell que tanto nos fascinan. Agur. IFG
PD. Hace 12 años, en el mes de agosto, falleció el compositor ruso Alfred Schnittke. In memoriam.

RECORDANDO A GEORGE BARATI (1913 - 1996)

2010-08-12T09:58:00.000-07:00

GEORGE BARATI (1913-1996) nació en Hungría y estudió con Weiner y Kodaly. En realidad comenzó tarde su actividad como director, ya que entre 1935 y 1950 fue primero cellista en Budapest, luego (habiendo emigrado a Estados Unidos) músico en la Sinfónica de San Francisco y liderando una banda militar, mientras estudiaba composición con Roger Sessions. Comenzó a dirigir regularmente tras abandonar el Cuarteto de Cuerdas de California, en 1947. Previamente dirigió la Orquesta de Cámara de Princeton y la Orquesta Barati de San Francisco. Posteriores contratos lo llevaron a Honolulu, Santa Cruz y Saratoga.

Barati, un viajero durante toda su vida, definía su música como una respuesta a "una diversidad de influencias" de Japón, Corea, Taiwan y Polinesia, que se fundían con su propia herencia húngara, tradicionalmente europea. Esta actitud multicultural, escribió Barati, "ha desembocado en un estilo completamente personal en el que la influencia de Beethoven, Brahms, Berlioz, Debussy, Stravinski y Bartok, además de Schoenberg y el jazz, se funden de forma natural con los sonidos de más allá del Pacífico".

La SINFONÍA ALPINA, escrita por Barati en 1963 durante una estancia con su familia en el pueblo suizo de St. Cergue, se abre con el primero de los tres movimientos, Maestoso, que es el que presentamos en el blog. Es una gran estructura orgánica cuya asombrosa complejidad queda mitigada en parte por la vitalidad de su ritmo. La armonía difícil de este movimiento remite en muchas ocasiones a Schoenberg, aunque el método compositivo tenga más similitudes con Bartok.

George Barati falleció en Los Gatos, California, en 1996.

Karl Jenkins

2010-08-04T05:24:00.000-07:00

Requiem compuesto en 2005 por el galés Karl Jenkins. El compositor comenzó su andadura en el mundo de la música en grupos de jazz y rock. El estilo de este Requiem es una mezcla entre el género clásico y música moderna del siglo XX y XXI.

Lista de audiciones III. Autores para más de un siglo

2010-06-20T13:23:00.000-07:00

Fotografía de Mikel Irure

Continuamos con la lista de quinientos autores y quinientas obras para acercarnos con respeto a lo que fue el siglo pasado y a lo que acontece en el actual. Esperamos que pueda ser de utilidad. Saludos desde GARAIKIDEAK.

CHRISTOPHER ROUSE Sinfonía nº 1
CARIN MALMLÖF-FORSSLING Flowings for orchestra (1985)
FRANZ SCHMIDT Sinfonía nº 4 (1933)
WILLIAM LEVI DAWSON Negro Folk Symphony
RUED LANGGAARD Sinfonía nº 4 “Lovfald” (1916)
EDUARD TUBIN Estonian Dance suite – Ristpulkade tants
LEOS JANACEK El Caso Makropoulos (ópera)– Preludio (1926)
MICHAEL BERKELEY Or shall we die? (oratorio, 1982)
PAUL PATTERSON Missa brevis op. 54 I.- Kyrie (1985)
ANDRES ISASI Berceuse trágica para violín y orquesta op. 22, 1914
EDVIN KALLSTENIUS Dala Rhapsody Op. 18 (1931)
ERLAND VON KOCH Nordic Capriccio op. 26 (1943)
GÖSTA NISTROEM Sinfonía nº 3 (1948)
JOHN FERNSTRÖM Sinfonía nº 6 (1938)
LACI BOLDEMANN Sinfonietta Op. 11 (1954)
NATANAEL BERG Poema sinfónico “Traumgewalten” (1911)
TURE RANGSTRÖM The witches (1938)
KARL BIRGER-BLOMDAHL Sinfonía nº 3
LEIF SEGERSTAM Sinfonía nº 17 (1992)
B. TOMMY ANDERSSON Satyricon - poema coreográfico (2000)
ARNE MELLNÄS Transparencia para orquesta (1972)
ANDERS HILLBORG Clang and Fury (1989)
BO NILSSON Quantitäten for piano (1958)
HANS GEFORS L´invitation au voyagen (1979)
HANS HOLEWA Concertino VIII (1985) Parte I
DARIUS MILHAUD (1892 – 1974) Sinfonía nº 5, Op. 322 (1953)
FERNANDO REMACHA (1898 – 1984) Tres piezas para piano (1923)
ERNST KRENEK (1900 – 1991) Cuarteto de cuerda nº 2, Op. 8 (1921)
JOAN TOWER (n. 1938) Concert for orchestra (1994)
JÓN LEIFS (1899 – 1968) Hafís, Op. 63, para coro y orquesta1965
ÁRNIE GILSSON (n. 1939) Reflections (2001)
GREGORIO ZANON (n. 1980) Cuarteto nº 2 “Légende à Quatre”2005
HANS GEFORS (n. 1952) The Christina Scenes (1987)
MATS LARSSONS GOTHE (n. 1965) Cello Concerto
HILDING ROSENBERG (1892 – 1985)Symphony for Winds and Percussion
INGVAR KARKOFF (n. 1959) Concert for recorder & wind orchestra 2000
FREDIK ÖSTERLING (n. 1966) Les voix du silence (2004)
YOSHIHIRO KANNO (n. 1953)A cluster of stars II,cello y piano, 1998
MAKOTO MOROI (n. 1930)Ordre pour violoncello et piano, Op. 18 (1958)
KOZABURO HIRAI (1910 – 2002) Sakura – Sakura
OSVALDO GOLIJOV (n. 1960) Tetro (BSO film F.F. Coppola)
CHRISTOS HATZIS (n. 1953) The Awakening (String Quartet nº 1, 1994)
HERMANN SCHÄFER Sonata nº 2 para violín y piano
NEBOJSA JOVAN ZIVKOVIK The Castle of the Mad King, Op. 26 (2000)
YASUO SUEYOSHI (N. 1937) Mirage pour marimba (1971)
AKIRA MIYOSHI (n. 1933) Rin Sai (1987)
MINORU MIKI (n. 1930) Marimba Spiritual (1983)
ISAO MATSUSHITA (n. 1951) Airscope II (1984)
AKIRA NISHIMURA (n. 1953) Kala (1989)

Estreno de Haize alde de Joseba Torre

2010-06-01T03:02:00.000-07:00

Concierto de la Orquesta Sinfónica de Euskadi
01/06 Concierto de ciclo en Baluarte. Programa: J. Torre: Haize alde (estreno absoluto, encargo OSE) Más información en edición digital del Diario de Navarra.

Rueda de Prensa

2010-05-01T04:12:00.002-07:00

http://www.noticiasdenavarra.com/2010/05/01/ocio-y-cultura/cultura/garaikideak-una-apuesta-firme-por-la-musica-clasica-contemporanea

http://www.diariodenavarra.es/20100503/culturaysociedad/los-difusores-musica-actual.html?not=2010050301335946&idnot=2010050301335946&dia=20100503&seccion=culturaysociedad&seccion2=culturaysociedad&chnl=40&ph=105

http://paperekoa.berria.info/kultura/2010-05-05/042/008/Garaikide_libre_eta_doakoa._Garaikideak_elkartea_eratu_dute_Nafarroako_hainbat_musikarik_obrak_sortu_eta_ezagutarazteko.htm

http://www.docenotas.com/noticia/4726/actualidad/centro-m%C3%BAsica-contempor%C3%A1nea-garaikideak.html

Presentación del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK ante los medios de comunicación el pasado 30 de abril en el Nuevo Casino de Pamplona. Más información en www.noticiasdenavarra.com (edición digital del Diario de Noticias Navarra 1 de mayo de 2010) ,en www.diariodenavarra.es ( edición digital del Diario de Navarra 3 de mayo de 2010),en www.Berria.info-Kultura (edición digital de Berria 9 de mayo de 2010) y en www.docenotas.com (edición digital de Docenotas de mayo de 210). A la cita, acudieron informadores de los siguientes medios: Diario de Noticias, Diario de Navarra, Berria, Radio Euskadi, RNE y Agencia EFE. Entrevistas a miembros de GARAIKIDEAK emitidas en Onda Vasca y Radio Euskadi/Euskadi Irratia.

Acerca de Garaikideak

2010-04-26T11:23:00.000-07:00

l Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK nace en Pamplona en 2010 a raíz de la colaboración entre el Cuarteto de Cuerda MITYA (Paloma Ortas, Amaia Razkin, Asier Jimenez e Igor Saenz) e Ignacio Fdez. Galindo, profesor de CTL Escuela de Imagen y Sonido. En este centro y gracias al apoyo de la profesora Francesca Croccolino, ha surgido la idea de desarrollar este proyecto que ahora presentamos.

Con el objetivo de fomentar la creación, difusión y grabación de música contemporánea y de impulsar a nuevos intérpretes y compositores, en enero de 2010 se ha creado el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK. Sus fundadores son el Cuarteto de Cuerda MITYA y los compositores Yolanda Campos, Carlos Rodrigo y Carlos Nuñez e Ignacio Fdez. Galindo.

Nuestro agradecimiento a todas aquellas personas que nos están ayudando en este proyecto y sin las cuales difícilmente nos hubiésemos conocido, como Francesca Croccolino, pianista y profesora de Música de Cámara del Conservatorio Superior de Navarra; Roberto Elizalde, director de CTL Escuela de Imagen y Sonido; o Alberto Etxeberria, compositor y profesor.

Acerca de Garaikideak (II)

2010-04-25T13:23:00.000-07:00

"Amanecer en las murallas"(www.flickr.com)

Los fines fundacionales del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK son:

 Difundir la música contemporánea y la producción musical relacionada con las creaciones actuales tanto dentro como fuera del ámbito académico.
 Fomentar el libre intercambio de ideas y el desarrollo de proyectos con compositores, intérpretes, musicólogos, estudiantes, aficionados e investigadores interesados en el campo de la creación musical.
 Crear una biblioteca musical de partituras propias con difusión pública, si así lo deciden sus autores, y favorecer el acceso gratuito a partituras de reciente creación dentro del marco legal de los derechos de autor.
 Promover iniciativas que permitan el estreno de obras de música contemporánea a través de conciertos o grabaciones.
 Asesorar en materia de propiedad intelectual a todas aquellas personas interesadas en la creación, interpretación o grabación de obras inéditas.
 Impulsar la producción discográfica dedicada a composiciones recientes de autores.
 Promover la creación en Navarra de un Centro para la Difusión de la Música Contemporánea
 Impulsar y fomentar lazos y colaboraciones con otras disciplinas artísticas y escénicas.
 Favorecer el contacto entre músicos e intérpretes a través de centros y asociaciones con objetivos similares así como la libre difusión de estudios y trabajos especializados.
 Establecer contactos con instituciones culturales para la difusión de los fines del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK

Morton Feldman

2010-04-15T04:16:00.000-07:00

Morton Feldman (1926-1987) fue un destacado compositor norteamericano, conocido por algunas de sus singulares piezas instrumentales, compuestas por sonidos aislados de muy larga duración y para inusuales agrupaciones de instrumentos (por ejemplo, varios pianos).
En 1950, y durante la audición de una sinfonía de Anton Webern a cargo de la filarmónica de Nueva York, conoció a John Cage, una de sus máximas influencias a lo largo de su vida.
Comenzó a escribir piezas que se alejaban de las formas musicales clásicas y modernas (como las técnicas seriales, tan en boga por aquellos años). Experimentó con sistemas alternativos de notación musical, como sus “piezas gráficas indeterminadas”, donde sólo especificaba los timbres y el registro, dejando el ritmo y las notas a elección del intérprete. En esta época, también trató de aplicar elementos de la teoría de probabilidades a sus composiciones, inspirándose principalmente en obras como Music of Changes, del citado John Cage. A mediados de los años 50, y por necesidades de precisión en su música, vuelve a la notación tradicional.
Siempre a través de Cage, Feldman conoce a algunas de las más importantes personalidades de la escena artística neoyorkina, en la que por aquellos años destacaban Jackson Pollock, Philip Guston, Frank O’Hara y Samuel Beckett. Especialmente, se sintió fascinado por el primero y sus colegas; sus pinturas, enmarcadas dentro del expresionismo abstracto, se convirtieron en una nueva gran inspiración para él. A partir de ese momento, intentará extrapolar las pinturas de estos artistas a sus composiciones.

Julián Carrillo

2010-04-07T09:34:00.000-07:00

Julián Carrillo Trujillo (28 de enero de 1875 - 9 de septiembre de 1965), fue un compositor, director de orquesta, violinista y científico mexicano dentro de la corriente modernista internacional, considerado por varios especialistas como un genio de la Música en México y padre de la revolución musical más grande que jamás haya existido.

Realizó investigaciones sobre el microtonalismo desde fines del siglo XIX y desarrolló la teoría del Sonido 13, primer intento por formalizar el estudio sistemático del microtonalismo. Fue director del Conservatorio Nacional de Música y de la Orquesta Sinfónica Nacional de México, y fundó la Orquesta Sinfónica Beethoven y la Orquesta del Sonido 13, con sede en Nueva York. Diseñó y construyó pianos y arpas microtonales para interpretar sus composiciones, en un esfuerzo que reunía conocimientos de acústica, resistencia de materiales y teoría musical.

QUASI SONATA Nº1 FOR CELLO

CONCURSO COMPOSICION CORAL DE CAMARA DE PAMPLONA

2010-03-29T01:54:00.000-07:00

La Coral de Cámara de Pamplona convoca el V Concurso de Composición “Coral de Cámara de Pamplona” para obras corales. Contará con el “Premio Luis Morondo” patrocinado por “Diario de Navarra” y la “Beca Fernando Remacha” patrocinada por la Fundación Autor.

BASES

1.- Las composiciones se deberán ajustar a una plantilla de coro mixto de 20 miembros.
2.- En el Concurso de carácter anual, la participación es libre, con exclusión de los que tengan relación laboral con la Coral de Cámara de Pamplona.
3.- Cada autor puede participar con UNA sola obra, que deberá presentar bajo lema o seudónimo y acompañada de un sobre cerrado en cuyo exterior figurará el mismo lema o seudónimo que en la obra. En su interior, se deben presentar los siguientes datos del autor: Fotocopia del DNI o Pasaporte, domicilio completo, número de teléfono y currículum vitae.
4.- Las composiciones deberán ser originales, no premiadas en concursos anteriores,
inéditas y no interpretadas en audiciones públicas.
5.- Las obras presentadas, podrán estar escritas en cualquier idioma, pero deberán ir acompañadas de su correspondiente traducción al castellano.
6.- Todas las obras tendrán una duración máxima de diez minutos
7.- Quienes deseen participar en el V Concurso de Composición “Coral de Cámara de Pamplona” deberán enviar la siguiente documentación: Original y seis fotocopias de la obra presentada, escritas de manera legible con aclaración de las anotaciones compositivas no habituales, si las hubiere. Si el autor lo considera necesario, se puede adjuntar un breve comentario sobre la partitura.
8.- Toda la documentación se debe enviar por correo certificado y con acuse de recibo antes del 8 de noviembre de 2010 a la siguiente dirección:
Coral de Cámara de Pamplona
Travesía San Juan Bosco Nº 3 bajo 31007 Pamplona
Teléfono: 948 27 39 39
9.- El “Premio Luis Morondo” patrocinado por Diario de Navarra consistirá en una dotación económica de 6.000 euros. La “Beca Fernando Remacha” patrocinada por la Fundación Autor consistirá en una dotación económica de 2.000 euros.
10.- La obra galardonada con el “Premio Luis Morondo” será estrenada antes de finalizar 2010. Así mismo la Coral de Cámara interpretará esta obra en un mínimo de 4 conciertos que ofrezca en el marco de sus actividades anuales.
11.- El ganador tendrá el derecho y la obligación de consignar en la portada de la partitura, libros, discos o cintas magnéticas que pudieran editarse, programas de concierto así como emisiones radiofónicas, televisivas o cinematográficas, y siempre que se presente la obra tanto en España como en el extranjero, la leyenda Premio “Luis Morondo” del V Concurso de Composición Coral de Cámara de Pamplona y Beca “Fernando Remacha” del V Concurso de Composición Coral de Cámara de Pamplona.
12.- El premio puede quedar desierto.
13.- La decisión del Jurado será inapelable. Si el premio del Concurso queda desierto, el Jurado puede conceder el Premio Luís Morondo a un compositor en reconocimiento al conjunto de su obra. Al ganador se le comunicará el resultado por carta certificada.
14.- Los ejemplares originales de las obras presentadas y no premiadas, podrán retirarse en el mes posterior al fallo del premio. De otra forma, pasarán a formar parte del archivo de la Coral de Cámara de Pamplona.
15.- La participación en el V Concurso de Composición Coral de Cámara de Pamplona, “Premio Luis Morondo” patrocinado por Diario de Navarra y “Beca Fernando Remacha” patrocinado por Fundación Autor, supone la aceptación de estas Bases. Cualquier circunstancia no prevista en las mismas será resuelta por el Jurado sin posibilidad de apelación.

COMPONENTES DEL JURADO DEL V CONCURSO DE COMPOSICIÓN “CORAL
DE CÁMARA DE PAMPLONA”.

Presidenta:
Teresa Catalán Sánchez

Vocales:
Agustín González Acilu
Josep Cabré Cercós
Jesús Echeverría Jaime
Igor Ijurra Fernández

CONCURSO DE COMPOSICION CDMC (SOLO SOCIOS SGAE, ¿?)

2010-03-29T01:35:00.001-07:00

XXI Premio de Jóvenes Compositores Fundación Autor-CDMC 2010

La Fundación Autor y el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea (CDMC) convocan el XXI Premio de Jóvenes Compositores con el objetivo de estimular la creación en el campo de la música clásica contemporánea entre los jóvenes compositores y con el propósito de contribuir al desarrollo social del conocimiento de nuevos lenguajes, tendencias y modos de expresión musicales.

Bases:

1. Podrán concurrir al Premio todos los compositores en cualquier país del mundo con obras de cualquier lenguaje o tendencia estética dentro de la música contemporánea, que en la fecha de cierre de esta convocatoria no hayan cumplido aún 35 años de edad y sean socios de la SGAE. Aquellos autores cuyas obras fueron distinguidas con el primer premio en las ediciones convocadas a partir de 2007 deberán abstenerse de participar.

2. Las obras deberán ajustarse a la siguiente plantilla instrumental: 1 violín-1 viola-1 violonchelo (con obligatoriedad de usar los tres instrumentos) / 1 flauta (o también flauta contralto / o piccolo opcional ejecutado por el mismo instrumentista) / 1 clarinete en Sib y/o 1 clarinete bajo (ejecutado por el mismo instrumentista) / 1 fagot /1 piano (ejecutado por un solo pianista). Percusión (1 ejecutante): 1 marimba de hasta 5 octavas, 1 vibráfono, Gran Caja - caja militar - 2 congas / 1 plato suspendido ó 1 par de platos splash -1 Tam- Tam o 1 Gong / 2 crótalos de dedo, 2 triángulos, 1 chimes (de hasta 36 elementos), maracas, claves, güiro, castañuelas, cencerro, palo de lluvia y pandereta (sin obligatoriedad de usarlos todos)

Cierre plazo: septiembre 2010. Ver web CDMC para más información.

Lista de audiciones (II). Autores para más de un siglo

2010-03-20T14:21:00.000-07:00

Título: "Casco Viejo". Fotografía de Mikel Irure (www.flickr.com)

Continuamos con la lista. Se agradecen comentarios. Un saludo para todos.

LOU HARRISON Seven pastorales
PEGGY GLANVILLE HICKS Etruscan Concerto
MICHAEL DAUGHERTY Ufo
THOMAS BEVERIDGE Yizkor Requiem
TORU TAKEMITSU Ran (BSO)
YASUSHI AKUTAGAWA Ellora Symphony
AKIRA IFUKUBE Tapkaara Sinfonía
KENNETH FUCHS Canticle to the Sun
HENRY COWELL Pulse
VLADIMIR USSACHEVSKY Transposition
TERRY RILEY Cantos desiertos
JOEL CHADABE Echoes
ELLIOT CARTER Oboe Concerto
NIKOS SKALKOTTAS Chamber Music
JEAN BARRAQUÉ Concerto
LEV KNIPPER Cuarteto nº 3
URMAS SISASK Gloria Patri
MICHAEL TIPPET Fantasía concertante sobre un tema de Corelli
GEORGE TEMPLETON STRONG El rey Arturo
WILLIAM GRANT STILL Sinfonía Afro-americana
ROY HARRIS Piano Quintet
HUGO ALFVÉN Sinfonía nº 4
HOWARD HANSON Sinfonía nº 7 "El mar"
WILLIAM SCHUMAN Sinfonía nº 10
ALAN HOVHANNES Cello Concerto
PAUL CRESTON Sinfonía nº 5
DEBORAH DRATTELL Sorrow is not melancholy
DAVID DIAMOND Sinfonía nº 8
HENRI LAZAROF Tableaux for piano and orchestra
WALT WAGNER The miracle - Piano concerto
BRIGHT SHENG Lacerations
SAMUEL JONES Tuba Concerto
ADOLPHE BIARENT Sinfonía en re menor (1908)
MARGARET BROUWER Pulse
ALLA PAVLOVA Sinfonía nº 6 (2008)
GLORIA COATES Protestation Quartet
PHILIP GLASS Facades (Glassworks)
JOHN ZORN Goetia (solo violín)
ESA PEKKA SALONEN L.A. Variations
MAGNUS LINDBERG Cello concerto
SILVESTRE REVUELTAS Sensemayá
RICHARD DANIELPOUR Sonnets to Orpheus
LEON KIRCHNER Music for 12

Lista de audiciones. Autores para más de un siglo

2010-03-17T14:10:00.000-07:00

Título: "Yamaguchi Parkea". Fotografía de Mikel Irure (www.flickr.com)

Esta lista que ofrecemos a continuación no es un proyecto ortodoxo. Es una lista completamente libre en su selección, ya que cualquier otro interés probablemente tenga más que ver con una soberbia aborrecible que con un sincero interés por difundir obras de los estilos y autores más diversos. Si algún compositor es desconocido para el lector, será un buen comienzo. Si echa en falta alguno, paciencia porque será probablemente uno de los quinientos autores seleccionados que todavía no hemos publicado. Ese será el objetivo: quinientos autores y quinientas obras desde 1908 hasta 2010. Dadnos tiempo.

KETIL BJONSTAD The rainbow (piano)
HENRYK GORECKY Cuarteto nº 3
ANGEL ILLARRAMENDI Teresa Cuerpo de Cristo (BSO)
JOHN ADAMS Dharma at Big Sur
STEVE REICH Pulses
JOHN TAVENER Diodia
KRZYSZTOF PENDERECKI El sueño de Jacob
ARVO PÄRT Spiegel Im Spiegel
GERARD PAPE Two electroacustic-songs
GERARDO GOMBAU Experiencias electroacústicas
WILLIAM WALTON Cello Concerto
BENJAMIN FRANKEL Concierto para violín a la memoria de los seis millones
GERARD VICTORY Ultima rerum - De profundis
JOHN RUTTER Réquiem
GIÖRGY LIGETI Réquiem
KARL JENKINS Réquiem
ALFRED SCHNITTKE Réquiem
BÉLA BÁRTOK Música para cuerda, celesta y percusión Bb 114 I.- Andante
CARL NIELSEN Sinfonía nº 5 Op. 50
JESUS GURIDI Diez canciones vascas - Amorosa
KAROL SZYMANOWSKY Cuarteto Nº 1 en Do M, Op. 37 I.- Lento
JOHN KNOWLES PAINE Sinfonía nº 2 en la menor
GABRIEL ERKOREKA Kin (acordeón y violoncello)
CRISTOBAL HALFFTER Fractal
JOSEF SUK Fantasticke scherzo Op. 25
SERGEI RACHMANINOV La isla de los muertos - poema sinfónico
ALLAN PETTERSSON Sinfonía nº 8
ARNOLD ROSNER Sinfonía nº 5 basada en Salve Regina
SOFIA GUBAIDULINA Sieben Worte
KARL AMADEUS HARTMANN Funèbre
GIACINTO SCELSI Natura Renovatur, para 11 instrumentos de cuerda
TIGRAN MANSURIAN Concierto para viola y orquesta
BARRY GUY Folio
VALENTIN SILVESTROV Stille Musik
GALINA USTVOLSKAYA Sonata nº 5
FRANGIS ALI-SADE Ask Avasi
STEFFEN SCHLEIERMACHER GnadenLos
HELMUT LACHENMANN Für Ensemble
LUIGI NONO Due espressioni
GIYA KANCHELI Sinfonía nº 4

2010-03-14T15:15:00.000-07:00

Título: "Long Exposure" Fotografía de Mikel Irure (www.flickr.com)

Para el cumplimiento de los fines fundacionales, desde el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK queremos realizar en los próximos meses las siguientes actividades:

◘ Celebrar reuniones periódicas con los miembros del Centro e interesados para estudiar y favorecer la interpretación de obras de todo tipo de conjuntos instrumentales.
◘ Ayudar a la preparación, diseño y gestión de grabaciones discográficas relacionadas con los fines del Centro.
◘ Crear y utilizar herramientas informáticas (web, blog…) para la promoción del CMC GARAIKIDEAK y sus fines. Este blog que ahora lees cumple ese objetivo.
◘ Suscribir convenios con entidades públicas y privadas para la interpretación de música dentro de programas y actos culturales.