JÖRG WIDMANN: FANTASÍA PARA CLARINETE (2006)

No hemos podido resistirnos a incluir esta interpretación de la célebre fantasía de Widmann por un sencilla razón: el clarinetista Alexey Gorokholinsky ha subido a su canal de youtube su propia interpretación de la obra con una sencilla edición de vídeo que permite seguir la partitura original. Todo un regalo.

Jörg Widmann estudió clarinete con Gerd Satarke en la Escuela Superior de Música de Múnich. Apasionado de la música de cámara, colabora habitualmente con Tabea Zimmermann, Heinz Holliger, András Schiff, Kim Kashkashian y Hélène Grimaud. Actúa con frecuencia como solista junto a las principales orquestas del mundo y bajo la dirección de maestros como Christoph von Dohnányi, Sylvain Cambreling, Christoph Eschenbach y Kent Nagano.

Dentro de sus últimos proyectos (abruma la capacidad de trabajo del compositor), destacamos que en verano de 2009 fue compositor residente de los festivales de Schleswig-Holstein y Lucerna y que durante la temporada 2009-10 ha sido compositor residente de la Orquesta de Cleveland y de la Wiener Konzerthaus, y en verano de 2010, del Festival de Música de Cámara de West Cork. En la primavera de 2010 la Deutsche Oper am Rhein puso en escena una versión revisada de Das Gesicht im Spiegel. Jörg Widmann colabora en varios proyectos de música de cámara junto a artistas como el pianista Yefim Bronfman, la violinista Carolin Widmann, el violonchelista Christian Poltera, el violinista Renaud Capuçon, la pianista Momo Kodama y la soprano Mojca Erdmann. Además, sus obras son interpretadas de forma habitual por los cuartetos de cuerda Artemis, Vogler, Pacifica y Minguet.

PAVEL HAAS (1899-1944): EN MEMORIA DE TANTO DOLOR

"En memoria de tanto dolor" es el rótulo final de un documental estremecedor que dirigió en los 70 el grandísimo cineasta Basilio Martín Patino, al que tuvimos el placer de conocer personalmente hace un par de años gracias al Festival Internacional de Cine Documental "Punto de vista" de Pamplona. El documental al que nos referimos es "Queridísimos verdugos", un espeluznante recorrido biográfico por la vida de tres verdugos del tardofranquismo que se erige como una reflexión descarnada sobre la pena de muerte (hay fotogramas que agreden con una enorme fuerza, más si cabe en estos tiempos de amnesia generalizada...) Las víctimas de la dictadura merecen que se reivindique su dignidad y respeto, ¿cuando? Esta película, censurada sin piedad en la transición -y más allá-, me ha sugerido un recuerdo de otra víctima de la barbarie racionalizada, de cómo se justifica que una sociedad, una ideología o el Estado pueda planear, gestionar y producir la muerte calculada de otro ser humano o de millones. Pavel Haas (1899 - 1944) fue el niño prodigio de Brno, el discípulo de Leos Janáceck, el ecléctico compositor checo que resumió en acordes su tiempo convulso y aciago, el autor de obras en el campo de concentración-escenario de Theresienstadt, el hombre deportado a Auschwitz el 16 de octubre de 1944...
Su Estudio para cuerdas (1943) fue compuesto durante su cautiverio. Sobran las palabras.

En memoria de tanto dolor...

La Asociación de Compositores Vasco - Navarros convoca la primera edición del Concurso Internacional de Composición para Bandas de Música Musikagileak

Musikagileak, Asociación Cultural para el Fomento de la Composición Vasca, convoca la primera edición del Concurso Internacional de Composición para Bandas de Música Musikagileak con hasta 4.000 € en premios y el estreno de las obras premiadas.

El concurso está abierto a participantes de cualquier nacionalidad sin limitación de edad siendo la fecha límite de recepción de las composiciones el 30 de noviembre de 2011.

Se establece un premio dotado con 3.000 €. En el caso de que la obra ganadora no haya sido compuesta por un miembro de Musikagileak, el jurado podrá otorgar un premio especial dotado con un premio en metálico de 1.000 € para el autor miembro de Musikagileak cuya obra haya obtenido la mejor valoración.

La obra ganadora será estrenada por la Banda de la Asociación de Cultura Musical de Errenteria durante la celebración de Musikaste 2012.

+info

Hans Werner Henze: "Prison Song"

Hans Werner Henze: Prison Song (1971).
"Prison song" es una obra basada en el poema "The Leg-Irons", del diario de la cárcel de Ho Chi Minh. Es una grabación hecha con anterioridad por el artista, en la que grabó los sonidos que llegan a las células desde el exterior: los ruidos en los pasillos de la cárcel, las voces de los guardias de la prisión,los pasos de los internos... música indefinible que emana de la calle más allá de la prisión,todo ello acompañado por la respiración continua del prisionero.
Crea sus sonidos desde esta perspectiva, mediante el uso de cañas de bambú, objetos de madera supuestamente encontrados.
Es una de las obras más ricas del repertorio de percusión del siglo XX.

Historia de la Electrónica / Música Electroacústica [1937-2001]

Seleción de 476 obras imprescindibles que han sido claves en la historia de la Música Electroacústica.
Desde Messiaen hasta Boulez, tal vez no están todas las que son, pero son todas las que están...

Enlace en UbuWeb.

MÚSICA ELECTROACÚSTICA EN COSTA RICA

Interesante reportaje sobre la música electroacústica en Costa Rica. Aunque ya tiene tres años, aporta muchas claves sobre la experimentación acústica realizada desde los años ochenta en ese país centroamericano. La idea original y coordinación es de Otto Castro, la dirección de fotografía de Adela Marín, y la edición de vídeo ha sido realizada por Melissa Rivera. El sonido directo y la masterización son de Roberto Fournier
Patrocinado por la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad Veritas.
La segunda parte del reportaje está disponible en www.youtube.com

URVAL ENSEMBLE

El cuarteto de clarinete Urval Ensemble, formado por Jasone Etxebeste(Bb Clarinet), Mikel Emezabal (Eb & Bb Clarinet), Carlos Casadó (Basset Horn & BassClarinet)y Marixi Sesma (Bb & BassClarinet), ofrece en estas fechas el concierto "Fragancias musicales para alimentar el espíritu" .

El programa, ideado por estos cuatro clarinetistas de alto nivel, está integrado por piezas de Aita Donostia, Brahms y otros compositores más actuales como Astor Piazzolla o Patrick Hiketick.

Más info: http://urvalensemble.blogspot.com/

IN MEMORIAM. ERIC GROSS (1926-2011)

Gross nació en Viena y emigró a Inglaterra en 1938. Desde la edad de catorce años trabajó como pianista en grupos y orquestas. Estudió en el Trinity College of Music con Wilfrid Dunwell (piano) y en la Universidad de Aberdeen, con profesores como Reginald Barrett-Ayres, donde concluyó sus estudios en 1957. A raíz de compromisos profesionales en Sri Lanka y Nueva Caledonia, se estableció en Sydney en 1958. ha sido profesor de la Universidad de Sydney desde 1960 hasta su jubilación en 1991. Por reseñar lo más reciente de su extenso catálogo, en 2008 concluyó un cuarteto para saxofones, titulado Suite Latinoamericana, que supone el opus 302 de su carrera, y el pasado año estrenó la obras Sallygraphy (intermezzo para piano) y el himno religioso Lord I Pray, su opus 312 Falleció el pasado 17 de abril. Descanse en paz.
Más información en la excelente web http://www.australianmusiccentre.com.au

II EDICIÓN FESTIVAL DE MÚSICA CALLEJERA VILLANÚA

El II Festival de Música Callejera de Villanúa tendrá lugar
del 1 al 7 de agosto de 2011.
Este año el festival tiene el valor añadido de tener una
fase de concurso, pudiendo optar a un primer, segundo o
tercer premio.
Los participantes pueden ser solistas o grupos musicales
compuestos por dos o tres músicos máximo.
Se exige el compromiso de participar 3 días, actuando
dos días alternativos y teniendo el tercer día en medio
de libre disposición. Cada día se realizan 3 actuaciones
diarias.

Más info en: www.esparbeliniciativas.com

Dieter Ammann: "Geborstener Satz casalQuartett"

Dieter Ammann nació en Aarau, Suiza, en 1962. Comenzó sus estudios musicales en la Academia de Música y pasó varios semestres en la Swiss Jazz School de Berna.
Comenzó a desempeñarse como músico en el campo de la música improvisada y el jazz participando en los festivales internacionales de Colonia, Willisau, Amberes y Lugano. A través de grabaciones y sesiones de estudio se puso en contacto con artistas como Eddie Harris o Udo Lindenberg.

Posteriormente estudió teoría y composición con Roland Moser y D.
Müller-Siemens en la Academia de Música de Basilea, realizando clases magistrales, entre otros, con Wolfgang Rihm y Witold Lutoslawski. En los años noventa, la composición se convirtió en su principal objetivo. Sus obras para orquesta, así como sus piezas de música de cámara han recibido varios premios nacionales e internacionales, como el Kuratorium Aargauer, el primer premio de los compositores internacionales del IBLA York-Nueva Fundación, una beca de Franz Liszt de las "Europas Weimar Kulturstadt "- Fundación; el primer premio" Jóvenes Compositores en Europa ", Leipzig, y el premio de patrocinio para la composición de la Ernst von Siemens Musikstiftung, Munich. En 2010 fue compositor en residencia en el Festival de Lucerna.
Dieter Ammann es profesor de teoría y composición en la Academia de Música de Lucerna y también tiene una cátedra en la Universidad de las Artes en Berna.

Dror Feiler: "Music for Dead Europeans"

Dror Feiler Elimelec (nacido el 31 de agosto de 1951 en Tel Aviv , Israel ) es un músico y artista sueco-israelí. Vive en Estocolmo desde 1973 y está casado con la artista Gunilla Sköld-Feiler .
Feiler estudió Musicología en la Universidad de Estocolmo desde 1977 hasta 1978 y Composición en la Academia de Música de Estocolmo desde 1978 a 1983.
Su música incluye composiciones para orquestas sinfónicas, ópera, música de cámara y música electro-acústica. En abril de 2008, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera estrenó su composición Halat Hisar (Estado de Sitio), después de que los músicos se quejaran de que la música, que incluye sonidos de ametralladoras , era tan fuerte que les había acasionado problemas de oído y dolores de cabeza.

Cuatro Compositores americanos. Dirigida por Peter Greenaway

Cuatro compositores americanos: Philip Glass (1983)

Sobre la base de actuaciones en Londres bajo los auspicios del Festival de Nueva York / Almeida, esta serie de cuatro documentales de una hora, producidos originalmente en 1983, presentó estos compositores de vanguardia y su música.

LOS ESCARABAJOS DE DURRELL (IV) Apuntes para una estética de la postmodernidad: ENTRE LA MUERTE DEL SUJETO Y EL NO-LUGAR DEL AUTOR

La eliminación posmoderna del autor como autor del texto supone el derribo del status ideológico propio del racionalismo ilustrado –concepto global que abarca numerosas escuelas y centros-, es el fin del “estilo” como algo definitorio, único y personal. En el campo de la propiedad intelectual podríamos recurrir a los manidos tópicos de qué es inalienable e intransferible. Al hacerse autónomo el texto, su presencia y multiplicación masiva ya no se sitúa en el lugar de una titularidad original e irrepetible.

Ya no es posible seguir el rastro de la intencionalidad del autor (referencias al propósito de la obra como elemento del análisis semántico no faltan en los manuales al uso), el ámbito de la autenticidad se remite ahora a la superficialidad que hace que todo se convierta en texto: el arte, la filosofía, la historia, las prácticas discursivas de la cultura, pero también los acontecimientos sociales y políticos (la falsedad de estos últimos textos es tan manifiesta que los teóricos de la democracia deliberativa han debido proponer nuevas fórmulas de participación para recuperar lo que fue la virtù republicana)

Se sustituye la profundidad por la superficie y en esta inversión lo que entendemos por hipertextualidad ya no es el discurrir con la mayor atención penetrando a través de la lógica y el conocimiento. La superficialidad es el rasgo formal de esta nueva era. El autor es sometido a crítica no ya sólo en cuanto a figura y modelo de la modernidad, sino en cuanto a su capacidad de definición, de control del punto de vista, de suministrador de criterios de interpretación y autenticidad, de sostenedor del mito de la creatividad singular. Es un tiempo crítico para los demiurgos…

El lugar dejado por el autor va a ser ocupado en el postmodernismo por el texto, y más aún, por el lector. Por decirlo en términos de Barthes, “el nacimiento del lector tiene lugar a expensas de la muerte del autor”. En efecto, diferentes líneas de sentido pueden enhebrarse a través de un mismo texto; el nuevo eje epistemológico que corresponde a la intertextualidad se transforma en la imposibilidad de un análisis final y cerrado del texto, así surge una telaraña de múltiples interrelaciones, préstamos, deudas e influencias. Los problemas relativos al significado se vuelven hasta cierto punto irrelevantes debido a la prioridad que se concede a las interrelaciones dinámicas dentro de los textos. Barthes en Fragmentos de un discurso amoroso afirma que “no sabemos quién habla; habla el texto, eso es todo”. El texto es, de hecho, “reescribible” con cada lectura, de ahí que Derrida lleve el argumento más lejos cuando afirma que “el lector escribe el texto”.

De la autonomía del texto, que produce cierto desasosiego cultural, pasamos a la soberanía del lector/oyente/espectador. Si el lector escribe el texto, la escritura es virtual, articula todo un campo de infinitas lecturas, esto es, una escritura “sin presencia y sin ausencia, sin historia, sin causa, sin archia, sin telos, una escritura que subvierte absolutamente toda dialéctica, toda teología, toda teleología”. Para Derrida no hay un sentido único y exclusivo, hay una pluralidad de textos y temas, diseminados, cuyas diferencias articulan el significado. Con el acto de “diseminar”, Derrida reivindica el placer del texto, pero, añadimos que también lo trágico o el desgarro interior tiene aquí espacio: la audición de la 4ª sinfonía de Shostakovich es una experiencia abierta, pero la empatía con el autor está muy presente.

Bakhtin es otro pensador contemporáneo que reformula radicalmente el tema de la intertextualidad con el fin de superar el exceso de formalismo (esta palabra trae demasiados recuerdos y no todos entrañables, ciertamente) del postestructuralismo y la teoría lingúística. El texto es un hecho verbal y no verbal, articula tanto la cultura popular como la literaria, su diseminación difusa en la realidad cotidiana significa ampliar el marco de la intertextualidad hacia otros puntos de interés más heterogéneos. Así, en la obra The lament of the mother of God (1989), la inspiración en la liturgia ortodoxa para el Viernes Santo es sólo el marco en el que John Tavener desarrolla su religiosidad. Podemos detenernos en la expresividad de la armonía coral, en la voz de la soprano, o en la emoción del texto, pero sólo son aspectos o detalles para un oyente que busca un sentido específico al material sonoro. Así, podemos increpar como autores a un oyente que, como nuevo sujeto emergente, se extiende en direcciones bien diversas, pero no se tratará de errores en la justificación sino de que no existen derechos ni obligaciones morales del autor sobre la obra, muchísimo menos sobre el oyente. Esa reconstrucción, ora balbuciente, ora reconstruida, dota de más valor a lo creado. Esa autonomía no es ni justa ni injusta, sólo necesaria. El problema, del que no escapamos, es que si no accedemos a la música contemporánea más actual, ¿cómo vamos a hablar de soberanía del espectador? González Acilu aportó grandes dosis de sentido común en su investidura como “Doctor Honoris Causa” en la UPNA, ya que no hablaba sólo para la comunidad académica. Pudo ser demoledor, pero tal vez no era el momento (¿Musicología en la UPNA? Ah, nihil obstat)

El problema es que todo ello nos remite no sólo a la discursividad de lo real, “todo deviene en discurso”, sino también al hecho de que la pluralidad infinita de lecturas deviene a la postrer subjetividad sin límite, a un texto vacío de contenido objetivo que imposibilita toda hermenéutica y por lo tanto una disolución de la crítica. Bien, ¿y qué? Más preocupante me parecen otros aspectos de la creación/composición que paso a reseñar como cierre de esta cuarta entrega coleopteroriana, si se me permite. Hace unos meses me encontré en Pamplona con un antiguo profesor del Conservatorio y afamado compositor, bien relacionado y nudo del staff foral. Le pregunté interesado por sus proyectos y obras y él me respondió que bastante mal, porque ninguna institución le encargaba obras. No daba crédito. Repugnante. Ahora resulta que el dinero mueve la creación. ¿Dónde he estado metido hasta ahora?

Un abrazo. Agur. IFG

"Noche estrellada para Orquesta de Cuerdas", John Carollo

John Carollo nació en Torino, Italia y se trasladó a los EE.UU. siendo aún niño.
Asistió a la universidad en San Diego, California realizando estudios en música y psicología. Durante este tiempo, Carollo tomó lecciones de piano y comenzó a componer obras para piano.
Poco después,se mudó a Honolulú y comenzó a tomar clases privadas de composición con el Dr. Robert Wehrman. Su primera composición bajo la tutela de Wehrman era una suite para piano en seis partes. Su siguiente trabajo fue una obra atonal titulada "Desdoblamientos frenéticos para violín solo". Después de completar esta obra, el compositor se centró sus energías en la incorporación de composiciones para diferentes instrumentaciones.

La obra que nos ocupa es una pieza enérgica escrita en 2009 para Orquesta de Cuerdas.
La composición de la misma está inspirada en la pintura de Vincent Van Gogh "Noche estrellada".

Helmunt Oehring:

Helmut Oehring (Berlín, 16 de julio de 1961) es un compositor alemán. Estudió con Friedrich Goldmann y Georg Katzer en la Academia de Artes de Berlín (Akademie der Künste, Berlin).

Oehring también ha trabajado con diferentes artistas de todas las áreas como Ruth Berghaus, Ulrike Ottinger, Nikolaus von Heiseler, Daniele Abbado, Claus Guth y Dessau Maxim, el coreógrafo Joachim Schlömer, así como los directores de Ingo Metzmacher, Lothar Zagrosek, Martyn Brabbins y Roland Kluttig. También trabajó con la Agrupación Sortisatio de Leipzig en un proyecto creado especialmente para el Festival Musiktage Hallische.

Está en posesión de los premios Paul-Hindemith, Schneider-Schott y en 2008 obtuvo el Premio Arnold-Schönberg de composición.

TROJAN (COMPOSITOR) Y TRNKA (CINEASTA): DOS GENIOS CHECOS

A través de esta entrada del blog queremos reseñar al menos unas lineas dedicadas a un excepcional compositor checo, Vaclav Trojan (1907 - 1983), conocido especialmente por sus obras para el cine de animación y marionetas de Jiri Trnka (1912 - 1969) Sin embargo, su producción es muy extensa tanto en música escénica (ballet, ópera, teatro) como en obras de cámara.
Václav Trojan, nacido en 1907 en la ciudad de Pilsen, sentía predilección por la música folclórica. Hijo de un fotógrafo, conoció a muchos músicos populares, y más tarde la música folclórica influiría en su rico lenguaje musical. Estudió en el Conservatorio de Praga órgano, dirección y composición con consagrados compositores checos como Josef Bohuslav Foerster, Jaroslav Kricka, Vítezslav Novák y Josef Suk, el más conocido internacionalmente de los cuatro.
En 1937 el compositor se incorporó a la plantilla de la Radio Checoslovaca en Praga como director musical. Fue una útil preparación para su carrera como pionero de la composición de bandas sonoras para películas de animación.
La colaboración de Trnka y Trojan empezó en 1945 al finalizar la Segunda Guerra Mundial. La primera de sus películas fue "Año Checo" (1947), seguida del "Ruiseñor del Emperador" (1949), basada en un cuento de Andersen.
La elocuente y graciosa música de Václav Trojan cautivó al público adulto e infantil en las películas de Jirí Trnka "El príncipe Bayaya" (1950), "Sueño de una noche de verano" y "Las viejas leyendas checas".
A continuación recuperamos un fragmento de la película de animación "Sueño de una noche de verano" (Sen noci svatojánské, 1959), basada en la obra de William Shakespeare, una buena muestra del talento de Jiri Trnka con música de Vaclav Trojan.
Jiří Trnka ha ejercido su influencia sobre la de muchos otros animadores checos, como Stanislas Látal, Jan Karpaš, Břetislav Pojar, y el japonés Kihachirō Kawamoto.
Creemos que este cine se merece un reconocimiento que ha sido escaso y cicatero.

OLGA NEUWIRTH: LA CREACIÓN (Die Schoepfung, en el centenario de Haydn, 2009)

El oratorio "La creación" fue escrito por Joseph Haydn entre 1796 y 1798. Coincidiendo con el segundo centenario del fallecimiento de Haydn (1809 - 2009), los videoartistas austríacos Himmel y Haydn recibieron el encargo de recrear el mito de la creación a partir de dos autoras: la compositora Olga Neuwirth, que además de participar en el proyecto compuso la música, y la dramaturga y novelista Elfriede Jelinek.
Los textos del trabajo de videocreación pertenecen al Antiguo Testamento y a la propia escritora.

Ficha técnica: Música e idea (Olga Neuwirth), animación & post-producción (Lillevan), cámara (Martin Putz), productores (Himmel & Haydn), Eisenstadt, Austria 2010.

JOSEP SOLER i SARDÀ: "Variacions i fugues sobre un tema de Berg"

Josep Soler i Sardà (Vilafranca del Penedès, Barcelona, 25 de marzo de 1935). Compositor, escritor, pensador y teórico de la música, considerado uno de los autores más importantes de la música contemporánea en España. Junto a su amplia obra musical, destaca una profunda y continua labor ensayística sobre problemas de musicología, estética y pensamiento.
Josep Soler se inició en los estudios musicales de la mano de Rosa Lara en su ciudad natal, para posteriormente, en 1960, desplazarse a París y recibir clases de René Leibowitz, alumno de Arnold Schoenberg, Anton Webern y Maurice Ravel. Su maestro principal, no obstante, será Cristòfor Taltabull, discípulo de Max Reger.
Nos acercamos a su obra con esta pequeña pincelada: "En ocasió de Wozzeck" /Josep Soler (Variacions i fugues sobre un tema de Berg)Sandra Batisa, flauta; Dolors Paya, clarinete; Oksana Solovieva, viola; Manuel Stacey, violoncello; y Stanislav Anghelov, piano

GLORIA COATES: CUARTETO Nº 5 (1988)

Hasta ahora, Coates —una compositora nacida en Wisconsin que vive en Munich, que no acaba de ser tan conocida en su país como debiera-, ha sido conocida fundamentalmente por sus sinfonías; ha escrito quince hasta la fecha (la última en entre 2004 y 2005). Coates, sin embargo, ha sido igualmente prolífica en la música de cámara y sus obras camerísticas ofrecen una oportunidad para observar sus ilusiones como en un primer plano. En sus sinfonías es tanto lo que sucede entre los corales tonales de fondo, los estallidos de la percusión y las redes de ondulantes líneas de la cuerda, que su logro técnico permanece oculto. Aquí, en sus cuartetos de cuerda, podemos distinguir cada nota, cada línea; lo que resulta sorprendente es que las ilusiones son igual de sorprendentes.

En el Quinto Cuarteto, escrito en 1989, el primer movimiento parece engañosamente sencillo: un doble canon dentro enteramente de la escala de La menor, sin un solo bemol o sostenido en ninguna parte. Las cuerdas del primer violín y de la viola, sin embargo, están afinadas un cuarto de tono más altas que las del segundo violín y violonchelo, creando un reflejo canónico alejado un cuarto de tono de la octava y otorgando a todo el canon una atmósfera misteriosa, generalmente inestable, a pesar de la sencillez de sus melodías lentas. El segundo movimiento es una textura de continuos glissandi cuidadosamente anotados, entre los cuales aparecen fragmentos de una melodía familiar: Coates recoge la cita como "Fling Out the Banner, Let It Wave", pero la melodía ha aparecido también como un villancico navideño, "I Heard the Bells on Christmas Day". Este es un caso en el que la melodía se teje de un modo tan discreto a partir de los glissandi, tocados primero por un instrumento y luego otro, que no siempre se percibe. El tercer movimiento es una de las ofrendas más inusuales en una producción inusual, que recuerda a ese juvenil cuarteto estudiantil de 1962 que está escrito enteramente en glissandi. Moviéndose en tempos diferentes, los cuatro instrumentos se deslizan hacia arriba y hacia abajo a través de intervalos que en un principio aumentan su tamaño con cuartos de tono y luego disminuyen. La textura tiene una sensación de incertidumbre constante, sin ninguna nota firme o inmutable a la que agarrarse hasta el acorde final y largamente mantenido de cuerdas al aire. La literatura cuartetística ofrece pocas experiencias, si es que alguna, tan vertiginosas. Texto: www.naxos.com, original de Kyle Gann y traducción de Luis Gago, referencia discográfica NAXOS 8.559091 - COATES, G.: String Quartets Nos. 1, 5 and 6

HILDING ROSENBERG: CUARTETO DE CUERDA Nº 12 (1957)

Hilding Constantin Rosenberg nació el 21 de junio de 1892 en Bosjökloster, en el sur de Suecia, y falleció el 19 de mayo de 1985 en Estocolmo. Rosenberg está considerado como uno de los compositores suecos más importantes del siglo XX. Poco conocido entre nosotros, de su extensísima producción (el blog del aficionado sueco Walter Ekelin proporciona abundantes datos biográficos) destacamos sus doce cuartetos de cuerda (1920-1972) y ocho sinfonías (1917-1974)

Junto a G. Nystroen y M. Pergament, preparó el camino hacia la musica moderna al introducir en Suecia las obras de Schönberg, Bartok, Honegger y Hindemith. Su importante producción presenta una gran variedad de formas y géneros, desde óperas y música escénica hasta bandas sonoras para el maestro Ingmar Berman (como Tormento, Hets, 1944), desde oratorios (Juloratorium, 1936) hasta la escritura compleja de los últimos cuartetos.
Finalmente una curiosidad, tiene catalogadas al menos dos obras basadas en clásicos de la literatura castellana: Hus med dubbel ingang (1970, música escénica basada en Calderón de la Barca) y Marionetter (1939, ópera inspirada en Los intereses creados de Jacinto Benavente y traducida por el hispanista sueco Karl August Hagherg)

PD. Estamos trabajando ya en nuevos proyectos del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK. Esperamos darlos a conocer a través de este humilde blog. Agur.