"Noche estrellada para Orquesta de Cuerdas", John Carollo

John Carollo nació en Torino, Italia y se trasladó a los EE.UU. siendo aún niño.
Asistió a la universidad en San Diego, California realizando estudios en música y psicología. Durante este tiempo, Carollo tomó lecciones de piano y comenzó a componer obras para piano.
Poco después,se mudó a Honolulú y comenzó a tomar clases privadas de composición con el Dr. Robert Wehrman. Su primera composición bajo la tutela de Wehrman era una suite para piano en seis partes. Su siguiente trabajo fue una obra atonal titulada "Desdoblamientos frenéticos para violín solo". Después de completar esta obra, el compositor se centró sus energías en la incorporación de composiciones para diferentes instrumentaciones.

La obra que nos ocupa es una pieza enérgica escrita en 2009 para Orquesta de Cuerdas.
La composición de la misma está inspirada en la pintura de Vincent Van Gogh "Noche estrellada".

Helmunt Oehring:

Helmut Oehring (Berlín, 16 de julio de 1961) es un compositor alemán. Estudió con Friedrich Goldmann y Georg Katzer en la Academia de Artes de Berlín (Akademie der Künste, Berlin).

Oehring también ha trabajado con diferentes artistas de todas las áreas como Ruth Berghaus, Ulrike Ottinger, Nikolaus von Heiseler, Daniele Abbado, Claus Guth y Dessau Maxim, el coreógrafo Joachim Schlömer, así como los directores de Ingo Metzmacher, Lothar Zagrosek, Martyn Brabbins y Roland Kluttig. También trabajó con la Agrupación Sortisatio de Leipzig en un proyecto creado especialmente para el Festival Musiktage Hallische.

Está en posesión de los premios Paul-Hindemith, Schneider-Schott y en 2008 obtuvo el Premio Arnold-Schönberg de composición.

TROJAN (COMPOSITOR) Y TRNKA (CINEASTA): DOS GENIOS CHECOS

A través de esta entrada del blog queremos reseñar al menos unas lineas dedicadas a un excepcional compositor checo, Vaclav Trojan (1907 - 1983), conocido especialmente por sus obras para el cine de animación y marionetas de Jiri Trnka (1912 - 1969) Sin embargo, su producción es muy extensa tanto en música escénica (ballet, ópera, teatro) como en obras de cámara.
Václav Trojan, nacido en 1907 en la ciudad de Pilsen, sentía predilección por la música folclórica. Hijo de un fotógrafo, conoció a muchos músicos populares, y más tarde la música folclórica influiría en su rico lenguaje musical. Estudió en el Conservatorio de Praga órgano, dirección y composición con consagrados compositores checos como Josef Bohuslav Foerster, Jaroslav Kricka, Vítezslav Novák y Josef Suk, el más conocido internacionalmente de los cuatro.
En 1937 el compositor se incorporó a la plantilla de la Radio Checoslovaca en Praga como director musical. Fue una útil preparación para su carrera como pionero de la composición de bandas sonoras para películas de animación.
La colaboración de Trnka y Trojan empezó en 1945 al finalizar la Segunda Guerra Mundial. La primera de sus películas fue "Año Checo" (1947), seguida del "Ruiseñor del Emperador" (1949), basada en un cuento de Andersen.
La elocuente y graciosa música de Václav Trojan cautivó al público adulto e infantil en las películas de Jirí Trnka "El príncipe Bayaya" (1950), "Sueño de una noche de verano" y "Las viejas leyendas checas".
A continuación recuperamos un fragmento de la película de animación "Sueño de una noche de verano" (Sen noci svatojánské, 1959), basada en la obra de William Shakespeare, una buena muestra del talento de Jiri Trnka con música de Vaclav Trojan.
Jiří Trnka ha ejercido su influencia sobre la de muchos otros animadores checos, como Stanislas Látal, Jan Karpaš, Břetislav Pojar, y el japonés Kihachirō Kawamoto.
Creemos que este cine se merece un reconocimiento que ha sido escaso y cicatero.

OLGA NEUWIRTH: LA CREACIÓN (Die Schoepfung, en el centenario de Haydn, 2009)

El oratorio "La creación" fue escrito por Joseph Haydn entre 1796 y 1798. Coincidiendo con el segundo centenario del fallecimiento de Haydn (1809 - 2009), los videoartistas austríacos Himmel y Haydn recibieron el encargo de recrear el mito de la creación a partir de dos autoras: la compositora Olga Neuwirth, que además de participar en el proyecto compuso la música, y la dramaturga y novelista Elfriede Jelinek.
Los textos del trabajo de videocreación pertenecen al Antiguo Testamento y a la propia escritora.

Ficha técnica: Música e idea (Olga Neuwirth), animación & post-producción (Lillevan), cámara (Martin Putz), productores (Himmel & Haydn), Eisenstadt, Austria 2010.

JOSEP SOLER i SARDÀ: "Variacions i fugues sobre un tema de Berg"

Josep Soler i Sardà (Vilafranca del Penedès, Barcelona, 25 de marzo de 1935). Compositor, escritor, pensador y teórico de la música, considerado uno de los autores más importantes de la música contemporánea en España. Junto a su amplia obra musical, destaca una profunda y continua labor ensayística sobre problemas de musicología, estética y pensamiento.
Josep Soler se inició en los estudios musicales de la mano de Rosa Lara en su ciudad natal, para posteriormente, en 1960, desplazarse a París y recibir clases de René Leibowitz, alumno de Arnold Schoenberg, Anton Webern y Maurice Ravel. Su maestro principal, no obstante, será Cristòfor Taltabull, discípulo de Max Reger.
Nos acercamos a su obra con esta pequeña pincelada: "En ocasió de Wozzeck" /Josep Soler (Variacions i fugues sobre un tema de Berg)Sandra Batisa, flauta; Dolors Paya, clarinete; Oksana Solovieva, viola; Manuel Stacey, violoncello; y Stanislav Anghelov, piano

GLORIA COATES: CUARTETO Nº 5 (1988)

Hasta ahora, Coates —una compositora nacida en Wisconsin que vive en Munich, que no acaba de ser tan conocida en su país como debiera-, ha sido conocida fundamentalmente por sus sinfonías; ha escrito quince hasta la fecha (la última en entre 2004 y 2005). Coates, sin embargo, ha sido igualmente prolífica en la música de cámara y sus obras camerísticas ofrecen una oportunidad para observar sus ilusiones como en un primer plano. En sus sinfonías es tanto lo que sucede entre los corales tonales de fondo, los estallidos de la percusión y las redes de ondulantes líneas de la cuerda, que su logro técnico permanece oculto. Aquí, en sus cuartetos de cuerda, podemos distinguir cada nota, cada línea; lo que resulta sorprendente es que las ilusiones son igual de sorprendentes.

En el Quinto Cuarteto, escrito en 1989, el primer movimiento parece engañosamente sencillo: un doble canon dentro enteramente de la escala de La menor, sin un solo bemol o sostenido en ninguna parte. Las cuerdas del primer violín y de la viola, sin embargo, están afinadas un cuarto de tono más altas que las del segundo violín y violonchelo, creando un reflejo canónico alejado un cuarto de tono de la octava y otorgando a todo el canon una atmósfera misteriosa, generalmente inestable, a pesar de la sencillez de sus melodías lentas. El segundo movimiento es una textura de continuos glissandi cuidadosamente anotados, entre los cuales aparecen fragmentos de una melodía familiar: Coates recoge la cita como "Fling Out the Banner, Let It Wave", pero la melodía ha aparecido también como un villancico navideño, "I Heard the Bells on Christmas Day". Este es un caso en el que la melodía se teje de un modo tan discreto a partir de los glissandi, tocados primero por un instrumento y luego otro, que no siempre se percibe. El tercer movimiento es una de las ofrendas más inusuales en una producción inusual, que recuerda a ese juvenil cuarteto estudiantil de 1962 que está escrito enteramente en glissandi. Moviéndose en tempos diferentes, los cuatro instrumentos se deslizan hacia arriba y hacia abajo a través de intervalos que en un principio aumentan su tamaño con cuartos de tono y luego disminuyen. La textura tiene una sensación de incertidumbre constante, sin ninguna nota firme o inmutable a la que agarrarse hasta el acorde final y largamente mantenido de cuerdas al aire. La literatura cuartetística ofrece pocas experiencias, si es que alguna, tan vertiginosas. Texto: www.naxos.com, original de Kyle Gann y traducción de Luis Gago, referencia discográfica NAXOS 8.559091 - COATES, G.: String Quartets Nos. 1, 5 and 6

HILDING ROSENBERG: CUARTETO DE CUERDA Nº 12 (1957)

Hilding Constantin Rosenberg nació el 21 de junio de 1892 en Bosjökloster, en el sur de Suecia, y falleció el 19 de mayo de 1985 en Estocolmo. Rosenberg está considerado como uno de los compositores suecos más importantes del siglo XX. Poco conocido entre nosotros, de su extensísima producción (el blog del aficionado sueco Walter Ekelin proporciona abundantes datos biográficos) destacamos sus doce cuartetos de cuerda (1920-1972) y ocho sinfonías (1917-1974)

Junto a G. Nystroen y M. Pergament, preparó el camino hacia la musica moderna al introducir en Suecia las obras de Schönberg, Bartok, Honegger y Hindemith. Su importante producción presenta una gran variedad de formas y géneros, desde óperas y música escénica hasta bandas sonoras para el maestro Ingmar Berman (como Tormento, Hets, 1944), desde oratorios (Juloratorium, 1936) hasta la escritura compleja de los últimos cuartetos.
Finalmente una curiosidad, tiene catalogadas al menos dos obras basadas en clásicos de la literatura castellana: Hus med dubbel ingang (1970, música escénica basada en Calderón de la Barca) y Marionetter (1939, ópera inspirada en Los intereses creados de Jacinto Benavente y traducida por el hispanista sueco Karl August Hagherg)

PD. Estamos trabajando ya en nuevos proyectos del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK. Esperamos darlos a conocer a través de este humilde blog. Agur.

MARGARET BROUWER: QUINTETO (2005)

Grabación de la obra difundida por el proyecto VOICES OF CHANGE de Dallas en octubre de 2010.
La compositora Margaret Brouwer (Michigan, 1940) estrenará el próximo 10 de mayo en Cleveland su obra Daniel and Snakeman (A Children's Symphonic Drama)

SCHNITTKE: MÚSICA PARA CINE DE ANIMACIÓN (1973)

Música de Alfred Schnittke para una película soviética de animación de 1973 (En el mundo de las fábulas). Se trata de una adaptación de tres cuentos del escritor Iván Andreievich Krylov (1769 -1844) Las fábulas de Krylov se inspiran a menudo en las de Esopo y La Fontaine, y en ellas ataca con ironía todos los vicios humanos, pero en especial la incompetencia, la arrogancia y la estupidez con especial referencia a la vida contemporánea.
El compositor Alfred Schnittke (1934 - 1998) compuso en ese año 1973 no menos de seis bandas sonoras para películas y televisión y comenzó al menos tres trabajos de música escénica.
Esta rareza es una aproximación diferente a un autor con una obra fructífera, ecléctica y pendiente de una revisión global.
El montaje que ofrecemos es una versión resumida del film original de 1973.

PD. Una curiosidad poco conocida: el Opus 4 de Dimitri Shostakovich es precisamente la obra "Dos fábulas de Krylov", de 1922, para soprano, coro y orquesta. Proponemos la siguiente versión discográfica: “Dmitri Shostakovich: Orchestral Works” (BMG/Melodiya 74321 59058 2) Galina Borisova, soprano; Chamber Choir of the Moscow Conservatory; USSR Ministry of Culture Symphony Orchestra; director Gennady Rozhdestvensky

STEFFEN SCHLEIERMACHER: 4 Pieces (nº 1)

Schleiermacher inició su carrera como intérprete en 1988 centrándose exclusivamente en la música contemporánea y en muchos casos, por los repertorios menos conocidos de la misma. En 1989 fundó el Ensemble Avantgarde cuyo objetivo es interpretar clásicos del Modernismo así como obras de autores que han caído en el olvido o composiciones que representan tradiciones musicales especiales (como música alemana y rusa de principios del siglo XX)

Para dejar constancia de su importantísima labor en la difusión de la música contemporánea, reproducimos aquí el programa de uno de sus conciertos con el CDMC en Madrid: Béla Bartók (piezas de la inmensa "Mikrokosmos", escrita entre 1926 y 1939), Igor Stravinsky ("Los cinco dedos", compuestos en 1921 para los que se inician en el piano), György Kurtág ("Homenaje a Kàdosa", dedicado al gran pedagogo, compositor y pianista que fue profesor de Kurtàg), Helmut Lachenmann ("Un juego de niños", integradas por siete piezas creadas para su hijo David en 1980) y Sofía Gubaidulina ("Juguetes Musicales", 14 obras que escribió para su hija pequeña en 1969) acompañados por una creación del propio Schleiermacher ("Doce paisajes sonoros en el piano")

¿Cuándo vendrá a Pamplona?

LEO ORNSTEIN (1893 - 2002): SUICIDE IN AN AIRPLANE

Antes del final de la década de los años veinte, probablemente en 1918 o 1919, Ornstein compuso una de sus obras más distintivas: Suicidio en un avión (Suicide in an airplane) Su ejecución requiere una gran velocidad en la digitación. Espectacular también el bajo ostinato, patrón rítmico-armónico que simula el sonido de los motores y recrea la sensación de vuelo. La obra sirvió de inspiración para la Airplane Sonata (1923) de George Antheil, quien también recibió la influencia de Ornstein en otras obras como la Sonata Sauvage (1923).

Agradecemos a HEXAMERON su desinteresada difusión de obras a través de You Tube.
No dejes de hacerlo.
Cultura libre es lo que hace falta. Un saludo a Álex de la Iglesia.

PIONEROS: EL "STUDIO DI FONOLOGIA MUSICALE" DE MILAN

En 1955, Luciano Berio y Bruno Maderna fundaron el “Studio di fonologia musicale” en la RAI (Radio Audizioni Italiane) de Milán. Se trataba del primer laboratorio italiano de música electroacústica que utilizaba tecnología avanzada para su época, para el tratamiento y la síntesis de los sonidos. Los ingenieros Lietti y Zuccheri, que colaborarán posteriormente con Luigi Nono, participaron en su puesta en funcionamiento. El estudio constaba de generadores de señales sinusoidales, de impulsos y de ruido blanco, moduladores de amplitud, de frecuencia y de anillo; de magnetófonos en 1, 2 y 4 pistas, y de filtros perfeccionados.

También en esos años 50 destacó el Instituto de Investigación de Telecomunicaciones y Teoría de la Información de la Universidad de Bonn (RFA), siendo Herbert Eimert quien establecería el Estudio de Música Electrónica del Westdeutscher Rundfunk (WDR) en Colonia en 1951. Se partía de los principios físicos del sonido (frecuencia, timbre, intensidad, escala de tiempo), con la idea de sintetizar el sonido a partir de sus componentes más simples con medios electrónicos (generadores de ondas), destacando como producción "Glockenspiel" (1953) de Eimert, "Estudio I"(1953), "Estudio II" (1954) y "Gesang der Juenglinge" (1955/6) de Karl-Heinz Stockhausen (1928), "Artikulation"(1958) de Gyorgy Ligeti (1923). La faceta fascinante de la música electrónica fue la posibilidad de llevar al límite las teorías seriales de Anton Webern, de quien Eimert era discípulo, todos los sonidos eran cuantificables, es decir, serializables. Ya no se hablaba solamente de la serialización de las alturas (notas), se serializaban las intensidades y otros parámetros disponibles. La música electrónica permitía la precisión a ultranza en la generación del sonido, teóricamente, pues la realidad era algo distinta al pasar por los elementos analógicos de la época. La utopía sólo sería realidad con la entrada de los ordenadores en la tecnología musical.

Berio y Maderna no fueron los únicos en componer en el estudio de Milán. Henri Pousseur, Luigi Nono, John Cage o Franco Donatoni también lo frecuentaron. Cabe mencionar como obras realizadas en dicho centro "Thema-Omaggio a Joyce" (1958) de Luciano Berio (1925), "Fontana Mix" (1958/9) de John Cage (1912-1994), "Musica su due dimensioni" (1958) de Bruno Maderna (1920-1973), "Omaggio a Vedova" (1960) de Luigi Nonno(1924-1990).

En el siguiente reportaje aparece material de archivo de televisión de la cadena pública RAI en el que aparecen Luciano Berio, Bruno Maderna y Luigi Nono, entre otros. El programa es TECH STUFF,con locución de Alessandro Bianchi y guión y dirección de Giorgio Sancristoforo.

VARÈSE SEGÚN BOULEZ. Un recuerdo de Garaikideak en los ochenta años del estreno de IONISATION

Creación del blog "Música Contemporánea en España"

El guitarrista Bertrand Chavarría-Aldrete, Director artístico del Festival Internacional SMASH de Música contemporánea, crea el blog "Música Contemporánea en España" con la intención de que todo el mundo pueda manifestar su opinión sobre lo que esta sucediendo (cierre del CDMC entre otros temas). El blog es el siguiente: http://musicacontemporaneaenespana.blogspot.com/

LISTA DE AUDICIONES (IV). Autores para más de un siglo (1908 - 2010)

Seguimos con la lista de quinientas audiciones de quinientos autores para entender con humildad y respeto lo que han aportado grandes compositores durante los últimos ciento doce años. Casi todas las audiciones están disponibles en Spotify, en los podcast de rne.es y en decenas de enlaces.

RAMON LAZKANO (n. 1968) Aztarnak (2000)
BRETT DEAN (n. 1961) Pastoral Symphony (2000)
VICTORIA BORISOVA-OLLAS (n. 1969) Angelus for symphony orchestra (2008)
CHARLES WUORINEN (n. 1938) Saxophone Quartet (1992)
ROBERT STARER (1921-2001) Hudson Valley Suite
ANDERS NILSSON (n. 1954) Concerto Grosso I (2000)
PAUL TORTELIER (1914-1990) Doble concierto para dos cellos
EUGÈNE BOZZA (1905-1991) Image, Op. 38
FLORENT SCHMITT (1870-1958) Sinfonía nº 2 (1936)
WAYNE BARLOW (1912-1996) The Winter´s Passed
JACQUES IBERT (1890-1962) Concertino Da Camera
ALBERT ROUSSEL (1869-1937) Sinfonía nº 3, Op. 42 (1930)
ARTHUR HOERÉE (1897-1986) Septuor Op. 3 (1923)
FINN MORTENSEN (1922-1983) Wind Quintet, Op. 4
EGIL HOVLAND (n. 1924) Concierto para trombón, Op. 76 (1972)
VAGN GYLDING HOLMBOE (1909-1996) Sinfonía nº 10, Op. 105 (1972)
IB NORHOLM (n. 1931) Concierto para violín, Op. 60 (1974)
HERMAN D. KOPPEL (1908-1998) Concierto para cello, Op. 56
BENT LORENTZEN (n. 1935) El lobo estepario (1999)
OTTO KEMPLERER Sinfonía nº 1 (1960)
JUAN MANUEL RUIZ Nébula (2006)
PHILIP CASHIAN (n. 1963) Chamber Concerto (1995)
SIMON HOLT (n. 1958) Lilith (1990)
CHRISTOPHER FOX (N. 1955) llik.rellik
FRANCIS BURT (n. 1926) The Golem (ballet, 1965)
AVRIL ANDERSON (n. 1953) A story untold
JAMES WOOD (n. 1953) Two men meet […] (1995)
HARRISON BIRTWISTLE (n. 1934) The Minotaur (ópera, 2008)
JAMES DILLON (N. 1950) Philomela (ópera, 2004)
RICHARD BARRET (n. 1959) Dark matter (1990-2003)
BRIAN ELIAS (n. 1948) The House that Jack Built (2001)
URMAS SISASK (n. 1960) Gloria Patri (1988)
VELJO TORMIS (n. 1930) Raua needmine (1972)
RIHARDS DUBRA (n. 1964) Te Deum (2003)
ERIKS ESENVALDS (n. 1977) Joseph Is a Fruitful Bough (2007)
GUY REIBEL (n. 1936) Le jeu vocal (2006)
VLADIMIR SOMMER (1921 – 1997) Concierto para violín (1950)
EMIL FRANTISEK BURIAN (1904 – 1959) Cuarteto de cuerda nº 4, Op. 95
JAN HANUS (1915 – 2004) Sinfonía nº 7, op. 116 (1989)
GEORGE ROCHBERG (1918 – 2005) Sinfonía nº 5 (1984/85)

TAN DUN EN MADRID

El compositor chino Tan Dun ha ofrecido hoy domingo un concierto dirigiendo a la Orquesta Nacional de España con la soberbia obra HÉROE, (Sinfonía Heroica), compuesta a partir de la banda sonora de la película con el mismo título dirigida por Zhang Yimou en 2002. En el Auditorio Nacional se han proyectado imágenes del film durante la interpretación (más información en rne.es y rtve.es)

En las composiciones de Tan Dun se encuentran varias series distintas que reflejan sus conceptos propios de composición, además de sus ideales personales. Entre ellas se encuentran el ciclo Orchestral Theatre (Teatro Orquestado), que retrata sus recuerdos del ritual chamanístico a las funciones sinfónicas, como The Gate (La puerta), la cual fue estrenada por la Orquesta Sinfónica de NHK, dirigida por Charles Dutoit; Organic Music (Música Orgánica), que consiste en obras que incluyen elementos del mundo natural, como el Water Concerto (Concierto de Agua), encargada y estrenada por la Filarmónica de Nueva York con Kurt Masur, y Paper Concerto for Paper Percussion and Orchestra (Concierto de Papel para percusión de papel y orquesta) para la Filarmónica de Los Angeles y Esa - Pekka Salonen para la apertura de la sala de conciertos del Walt Disney (Concert Hall) en octubre de 2003; y Multimedia & Orchestra (Multimedia y Orquesta), incluyendo el trabajo simbólico The Map: Concerto for Cello, Video and Orchestra (El Mapa: concierto para violonchelo, video y orquesta) estrenado por la Orquesta Sinfónica de Boston y Yo- Yo Ma con Tan Dun dirigiendo.

La ópera ha tenido una importancia significativa en la producción creativa de Tan Dun durante la última década. Marco Polo (1995-96), escrita sobre un libreto de Paul Griffiths, tuvo tres producciones diferentes y ha sido puesta en escena en más de veinte ciudades del mundo. Peony Pavilion (Tienda de Peonías) (1998), basada en un texto de Tang Xianzu (1598), y dirigida por Peter Sellars, ha tenido más de cincuenta representaciones en festivales importantes de Viena, París, Londres y Roma. Tea (2002) con libreto de Xu Ying y Tan Dun, musicalizada para instrumentos de cerámica, piedra y papel con orquesta, se estrenó en Suntory Hall de Japón con la Ópera Holandesa bajo la dirección de Pierre Audi. Otras obras importantes incluyen: Water Passion after St. Matthew (Pasión de Agua Según San Mateo), para la Internationale Bachakadamie en Stuttgart, conmemorando el aniversario de la muerte de Bach; Eight Memories in Watercolor (Ocho Recuerdos en Acuarelas), ejecutada internacionalmente por el pianista Lang Lang; la partitura ganadora del premio Oscar para el largometraje de Ang Lee Crouching Tiger, Hidden Dragon (Tigre y Dragón, 2000); y la Ghost Opera (Ópera Fantasma), llevada a todo el mundo por el Cuarteto Kronos.

Os proponemos este vídeo con una interpretación de su Concierto para Zheng y orquesta de cuerda, con la intérprete Yuan Li al Zheng, y el propio Tan Dun al frente de la Orquesta Sinfónica de Colonia.

Revista "En el límite - Escritos sobre Arte y Tecnología"

Desde Argentina nos llega este interesante proyecto,una iniciativa de Rául Minsburg y el Centro en Estudios y Producción Sonora y Audiovisual de la Universidad Nacional de Lanús.

La publicación de la revista es anual. Cada número tendrá un tema que será abordado por los distintos autores desde diferentes perspectivas. En el caso de este primer número el tema es "Percepción y recepción audiovisual, sonora y de música a base de sonidos"
Además de artículos originales en castellano, se traducen artículos originales del inglés al castellano con el fin de ampliar la bibliografía disponible en nuestra lengua. Este primer número está hecho en convenio con el MTI (Music, Technology and Innovation Centre) de la De Monfort University de Inglaterra.Para este primer número se han traducido cuatro artículos de compositores e investigadores de renombre internacional como Leigh Landy, Simon Emmerson y John Young.
La publicación está disponible en dos formatos: papel y electrónico. Se puede descargar completa o por artículos desde este link http://www.unla.edu.ar/public/en_el_Limite/index.php con una simple inscripción previa.

VII Concurso Internacional de Composición Musical 'Universidad de Zaragoza' 2010-2011

El Área de Actividades Culturales del Vicerrectorado de Proyección Cultural y de la Universidad de Zaragoza convoca el VII Concurso Internacional de Composición Musical “Universidad de Zaragoza”, con el objetivo de estimular la creación contemporánea en el ámbito de la música y con el fin de difundir el interés hacia cualquier forma de manifestación artística, con arreglo a las siguientes bases:

REQUISITOS

1- El concurso está abierto a compositores de todas las nacionalidades, sin límite de edad.

2- Cada compositor podrá presentar una única obra original que deberá responder a las siguientes características:

- La obra deberá ser inédita, no estrenada ni registrada por ningún medio de reproducción mecánica antes del fallo del jurado.

- La obra deberá ser escrita, como máximo, para los instrumentos que figuran en la siguiente plantilla y, como mínimo, para un número no inferior a diez instrumentos entre los cuales deberán figurar, al menos, tres instrumentos de viento-madera y tres instrumentos de cuerda frotada

- 1 Flauta (también Flautín y Flauta en sol)
- 1 Oboe (también Corno Inglés)
- 1 Clarinete (también Clarinete Bajo y Clarinete en mi bemol)
- 1 Fagot (también Contrafagot)
- 1Trompa
- 1 Trompeta
- 1 Trombón
- 1 Percusionista
- 1 Piano
- 1 Arpa
- 2 Violines
- 1 Viola
- 1 Violoncello
- 1 Contrabajo

- Las obras durarán entre 12 y 15 minutos.
- No se admitirán partes para solista dentro de las obras ni tampoco para medios electroacústicos de ningún tipo.

PRESENTACIÓN Y ENVÍO DE OBRAS

3- La obra no estará firmada, por lo que su título figurará en el exterior de un sobre cerrado que contenga el DNI o pasaporte, dirección y teléfono, así como un breve currículum del autor.

Será imprescindible la presentación de cinco ejemplares obtenidos por cualquier procedimiento manual o mecánico, a tamaño legible y debidamente encuadernados. A estas cinco copias se le añadirá un CD con la obra presentada a concurso en los formatos pdf y midi.

4- El plazo de recepción de las obras concluirá el 29 de marzo de 2011, considerándose la fecha del matasellos, en caso de ser remitida por correo, como la de recepción.

Toda la documentación deberá ser presentada o enviada a:

Universidad de Zaragoza
VII Concurso Internacional de Composición “Universidad de Zaragoza”
Área de Actividades Culturales
C/ Pedro Cerbuna 12
50009 ZARAGOZA
ESPAÑA

SELECCIÓN DE OBRAS Y PREMIOS

5- El jurado será elegido por el Vicerrectorado de Proyección Cultural y Social de la Universidad de Zaragoza, entre miembros de reconocido prestigio en el ámbito de la música. Dicho jurado completará con su criterio las omisiones o dudas que pudiera plantear la interpretación de estas bases y su fallo será inapelable.

6- Se establece un único premio de 3.500 euros.
Este premio está sujeto a la retención del IRPF conforme establece la legislación vigente.

7- En las ediciones, ejecuciones, grabaciones, etc., de la obra premiada figurará la mención “VII CONCURSO INTERNACIONAL DE COMPOSICIÓN MUSICAL UNIVERSIDAD DE ZARAGOZA“.

8- El autor o autores premiados, por su parte, estarán obligados a facilitar gratuitamente el correspondiente material escrito para la ejecución y grabación, en su caso, de la obra, así como la entrega de una copia de la partitura, que quedará en poder de la Universidad de Zaragoza.

9- En el momento de su primera interpretación por la Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza (Grupo Enigma) se requerirá al ganador para que entregue, con el tiempo que se convenga, las partituras necesarias para su estreno. Dicho material estará exento de pagos de alquiler.

10- La Universidad de Zaragoza se reserva el derecho de realizar posteriores interpretaciones, grabaciones o reproducciones en radio y televisión de las partituras premiadas. Por tanto, los autores galardonados manifestarán la cesión gratuita de los materiales de sus obras, quedando a salvo los derechos de autor.

11- La obra galardonada, será interpretada por la Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza (Grupo Enigma), dentro de su temporada 2011-2012.

LOS COLEÓPTEROS DE DURREL (III) Apuntes para una estética de la postmodernidad

En las siguientes líneas nos centraremos en una visión general, concisa por obligación, de los cuatro temas esenciales del pensamiento postmoderno: el Sujeto, la Historia, la Teoría y la Estética/Ideología, pilares básicos que serán puestos en tela de juicio, cuestionados, considerados motivo de sospecha (más sistemática que particular), y que proporcionan una visión de conjunto un tanto hipermétrope en el horizonte ideológico postmodernista.

El problema del Sujeto ocupa una gran parte de la literatura y del pensamiento posmoderno: la desaparición del autor, la crisis del yo unitario y racional así como la emergencia del individuo son algunos de los elementos comprendidos en la teoría de la subjetividad que llevarán al presente movimiento a una crítica de la tradición humanista (probablemente empachada de tanta sexta napolitana) El punto de vista adoptado por la tradición postestructuralista (Foucault, Derrida, Deleuze, Lacan, Guattari…) nos remite a la desintegración del sujeto que ya no interviene en la explicación del mundo y deja de ser agente efectivo de la naturaleza. La consecuencia directa de estos presupuestos es la transformación de la noción de identidad entendida como fijación y unidad (Laclau, Sawiki), el advenimiento del nuevo individualismo occidental (Lipovesky, Finkielkraut) y los recientes dilemas del yo: el narcisismo, la pluralidad de elección, el cinismo (Sloterdijk), la fragmentación, la banalidad…


Asimismo la Historia como explicación cronológica, como correlato lineal de la supremacía del sujeto cartesiano, se debilita en su continuidad clásica y se disuelve su teleología utópica o inmanente. El pensamiento posmoderno adopta decididamente la forma de una “genealogía” y una “arqueología” (Foucault) cuyo postulado es que todos los relatos explicativos, toda forma específica de codificar la temporalidad, en el fondo, encubre intereses inconscientes y otras formas de saber.

Separado de la representación, el lenguaje no existe de ahora en adelante sino de un modo disperso: para los filólogos las palabras son como otros tantos objetos constituidos y depositados por la historia; para quienes quieren formalizar, el lenguaje debe despojarse de su contenido concreto y no dejar aparecer más que las formas universalmente válidas del discurso; si se quiere interpretar, entonces las palabras se convierten en un texto que hay que cortar para poder ver aparecer a plena luz ese otro sentido que ocultan; por último, el lenguaje llega a surgir para sí mismo en un acto de escribir que no designa más que a sí mismo.
Michel Foucault (La palabras y las cosas, 1966)

Enfrentándose a la tradición humanista, este pensador francés declaraba sin empacho que “el hombre es tan sólo un desgarrón en el orden de las cosas”, un concepto que ha surgido por una peculiar disposición histórica que ha tomado el saber. Frente a “todas las quimeras de los nuevos humanismos”, afirmaba Foucault, “reconforta y tranquiliza el pensar que el hombre es sólo una invención reciente, una figura que no tiene ni dos siglos, un simple pliegue en nuestro saber y que desaparecerá en cuanto éste encuentre una forma nueva”. La historia siempre se escribe desde la perspectiva del presente, satisface una necesidad del momento. Frente a la historia ontológica causal o la historia oficial, la interpretación genealógica exige el rechazo de la idea clásica de verdad. Solo existen, afimaba Nietzsche, metáforas sobre una realidad infinita (es recomendable el estudio de Giovanni Vattimo sobre el concepto de máscara en el pensador germano)

En el campo de la Teoría entran en crisis los conceptos de representación y verdad (Rorty), así como los dualismos basados en la dialéctica entre esencia y apariencia (Heidegger, Derrida) La incredulidad respecto a las metanarrativas (Lyotard) y el abandono de la distinción clara entre objeto y sujeto (Baudrillard, Lyotard) supone otro importante golpe dirigido contra asunciones básicas del pensamiento ilustrado. Se sigue apasionadamente a Nietzsche en la crítica sobre la autorreflexión, la autoidentidad o cualquier suerte de elemento racionalista que amortigüe los instintos físicos vitales (Deleuze, Guattari) y la disposición a vivir con la pluralidad.

La Estética/Ideología, como cuarto jinete del Apocalipsis, reabre la vieja herida de una emancipación universal del arte, opuesta a la aquiescencia ramplona del subjetivismo subvencionado (sub-sub), y refrendado por un nuevo concepto de lucha. El compromiso identitario no deja de lado al público (ya mencionamos a H. W. Henze en el primer artículo de esta serie), sino que busca tanto su provocación (entre la pose y el análisis) como su agradecimiento. La recomposición del singular debate entre lo público y lo privado lleva a buscar un equilibrio difícil entre la expresión artística y el público, lo que nos llevará en el próximo artículo a estudiar el problema del sujeto, su muerte certificada o no, y la superficialidad como rasgo formal de esta nueva era. Parafraseando a Bernstein, si son necesarios cien años para reconocer al genio de Mahler, a más de uno le van a hacer falta varios siglos…

Un abrazo para todos. Agur. IFG

ZURIÑE GERENABARRENA Vanguardia, intimidad y emoción

Desde el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK queremos resaltar y mostrar nuestra admiración por esta autora. Hace unos meses tuvimos la fortuna de escuchar a través de Radio Clásica el estreno de su obra INCENDIANDO LAS SOMBRAS en el Teatro Arniches de Alicante, con la interpretación magistral del Atelier Gombau. Le enviamos nuestra enhorabuena y ella nos respondió dándonos las gracias con una modestia y sinceridad tan loable como poco común. Nos deseó mucha suerte en nuestros proyectos y nos aportó ideas muy interesantes para el futuro.

No queremos retrasarnos en este agradecimiento público, ya que el privado lo conservamos con enorme gratitud. Añadimos, a continuación, una breve referencia biográfica de esta gran autora.

Zuriñe Fernández Gerenabarrena (Vitoria-Gasteiz, 1965) estudia composición con C. Bernaola, siendo este encuentro determinante en su formación. Graduada en composición, obtiene el certificado de perfeccionamiento en Milán. Ha compuesto para publicidad, teatro, animación y orquestado varias películas. Además, ha estrenado obras en festivales nacionales e internacionales como Musikaste, Conciertos en el Museo Reina Sofía o Biennale dei Giovani Artisti dell' Europa, entre otros. Ha recibido encargos de instituciones como INAEM o la Orquesta Sinfónica de Euskadi. Su labor compositiva utiliza medios electrónicos y de técnica mixta que dan lugar a obras de diferentes fomatos, acciones, teatro musical, performance o instalaciones sonoras. Actualmente, compagina su labor de creación con la enseñanza del contrapunto y armonía en Musikene.

Una pincelada de su rico y excepcional catálogo: la obra SORTZE.