BOTWIN: UN HOMENAJE A LOS OLVIDADOS DE LA GUERRA CIVIL. EN MEMORIA DE TANTO DOLOR.

Sesión de grabación del prólogo de BOTWIN

Ficha técnica de la obra y su grabación:

Composición: febrero de 2012

Grabación: marzo y abril de 2012 en Estudios Arión

Intérpretes: Fernando Arnedo (saxofón) y Juan Bordes (percusión)

Narradora: Dorota Grzeskowiak

Técnico de Sonido: Jesús Los Arcos (Estudios Arión/CTL)

Coordinación: Francesca Croccolino (Conservatorio Superior de Navarra)

Autor: Ignacio Fernández Galindo

Duración: 24 minutos

Hace escasos meses un grupo de músicos vinculados al Cmc GARAIKIDEAK, al Conservatorio Superior de Navarra y a CTL Escuela de Imagen y Sonido decidimos llevar adelante la creación de una obra de música contemporánea que relacionase varios elementos: la composición, la interpretación/grabación en estudio, la poesía y la historia contemporánea, en especial la Guerra Civil española (1936-1939)

El resultado ha sido una obra titulada BOTWIN, para narradora, saxofón alto y percusión, que ha sido grabada en dos sesiones en Estudios Arión/CTL Escuela de Imagen y Sonido durante los meses de marzo y abril, y que próximamente será donada al CmC GARAIKIDEAK para su difusión libre y gratuita a través de la Biblioteca Virtual de Partituras. En la actualidad, sus promotores están buscando un espacio en el que realizar el estreno absoluto de la obra.

Las partituras van a ser donadas a bibliotecas e instituciones de Israel, España, EE.UU. y Polonia.

La idea de la obra surge cuando su autor, Ignacio Fernández Galindo, encontró hace dos años documentación del Instituto de Cultura Polaca, adscrito a la embajada de Polonia en Madrid, sobre la Compañía Botwin, de la XIII Brigada Dombrowski del Batallón Palafox, perteneciente a las Brigadas Internacionales. Esta compañía fue creada en Tardienta (Zaragoza) en diciembre de 1937 y su excepcionalidad respondía al hecho de que sus integrantes eran judíos, mayoritariamente polacos. El nombre de la unidad se escogió como homenaje a Naftalí Botwin, un líder comunista polaco condenado a muerte en 1925. Durante sus meses de participación en la contienda, especialmente en los frentes de Extremadura, Madrid y Aragón, llevaron a cabo una profusa actividad cultural e informativa, como la creación de poemas e himnos y la redacción de un periódico en yiddish, etc. La historia de los supervivientes de esta compañía es trágica, ya que hubo brigadistas que murieron en campos de concentración nazis, en el gulag soviético, en combates durante la Segunda Guerra Mundial, o que fueron expulsados de su Polonia natal en la postguerra. Sendos monumentos en los cementerios de Fuencarral (Madrid) y Monjuich (Barcelona) son los escasos recuerdos públicos que existen en la actualidad.

Para la documentación histórica de este proyecto, el autor ha recibido la ayuda de numerosas instituciones como la Universidad Hebrea de Jerusalén (Israel), la Asociación de Amigos de las Brigadas Internacionales, la Universidad de Castilla-La Mancha, el Archivo de la Brigada Lincoln (Nueva York, EE.UU.), el Centro Oberlin de Lenguas y Culturas (Ohio, EE.UU.), el Instituto Cervantes (Varsovia), el Instituto Huygens de la Royal Netherlands Academy of Arts & Sciences (La Haya, Holanda), la Federación de Comunidades Judías de España y la Embajada de Israel en España; además de una larga lista de profesores e investigadores, como Raquel Ibáñez, Gail Malmgreen, Sebastiaan Faber, Santiago Díaz-Jove, Ana Pérez, Eran Torbiner y Germen Zaagsma, entre otros.

Desde el punto de vista musical, la obra está estructurada en tres partes: 

PARTE I.- Narración del poema Sni mi sie Majdanek del poeta polaco Lejb Olicki (1894-1975), con acompañamiento de percusión (arcos sobre gong y copas, más temple block/clave)

PARTE II.- Descripción musical de ideas relacionadas con el sentido anímico/emocional de los hechos narrados. Oscila el discurso entre atonalidad/tonalidad con referencias explícitas a música relacionada con la Guerra Civil española.

PARTE III.- Narración del poema Obóz glodowy pod jaslem de la poetisa y Premio Nobel de literatura Wislawa Szymborska (1923-2012, fallecida precisamente durante el proceso de composición de esta obra)

Aprovechamos esta entrada del blog para dar a conocer, por lo menos de forma sintética, cuál es el resultado de estos meses de trabajo. Si este proyecto puede interesar al alguien para su estreno, pueden ponerse en contacto con el autor en la dirección:  info@ctl-online.com

Pueden escuchar más información sobre BOTWIN en la entrevista realizada para RADIO SEFARAD en el mes de abril, institución cultural de la FCJE a la que agradecemos su interés y respeto por el trabajo.

http://www.radiosefarad.com/JOOMLA/index.php?option=com_content&view=article&id=16280:la-entrevista&catid=89:la-entrevista&Itemid=92

Por último, nuestro más sentido recuerdo por Wislawa Szymborska. 

A ella, a Olicki y a los bridadistas. 

Para que su recuerdo no se borre.

Harrison Birtwistle: "The Cry of Anubis" (1994), for tuba and orchestra

Harrison Paul Birtwistle es un compositor inglés considerado como uno de los compositores modernos más significativos de ese país.
Ingresó en el Royal Northern College of Music de Mánchester en 1952 como estudiante de clarinete. Allí conoció a los compositores Peter Maxwell Davies y Alexander Goehr, y junto a John Ogdon y Elgar Howarth formaron el «New Music Manchester Group», que se dedicó a interpretar música serial y otras obras de estilo moderno.

Las obras de Birtwistle son de un moderno estilo complejo. Sus primeros trabajos a menudo evocan a Igor Stravinsky y a Olivier Messiaen (ambas reconocidas influencias), y su técnica de yuxtaposición de bloques de sonido es a veces comparada con la de Edgar Varèse. Su música hace frecuente uso de ostinatos y a menudo tiene un componente de sentimiento ritual.

CORAL DE CÁMARA DE NAVARRA: PRESENTACIÓN DEL CICLO "ENCANTANDO"

Dada la excelente y fructífera relación que existe entre el CmC GARAIKIDEAK y la Coral de Cámara de Navarra/Nafarroako Ganbera Abesbatza (CCN-NGA, queremos difundir la información que presentaron en rueda de prensa este miércoles 23 de mayo en Pamplona:

La Coral de Cámara de Navarra-Nafarroako Ganbera Abesbatza (CCN-NGA), dirigida por David Guindano, ha presentado  su ciclo Encantando, en el que hasta marzo de 2013 recorrerá varios escenarios navarros que compartirá con otras formaciones nacionales e internacionales con el claro objetivo de diversificar su programa.

       Según comentó el presidente de la entidad musical, Javier Casalí, el ciclo es "una aspiración" de la Coral desde su fundación y supone poder acercarse a "otras formas de financiación" y de "preparación para el futuro". Guindano apuntó que la parte artística del proyecto, "el marco perfecto en el que programar de una manera más libre y llevar a cabo proyectos propios que forman parte de los objetivos fundacionales de la asociación.

El ciclo se prolongará durante casi un año, desde este mes de mayo hasta marzo de 2013 y no sólo se centrará en Pamplona, sino que visitará otras localidades navarras, de forma que los escenarios irán cambiando de lugar en función del tipo de música que vaya a ser interpretada, con una "clara voluntad de innovación". Cada concierto se quiere realizar al menos dos veces, de manera que el esfuerzo realizado para la producción de cada uno de los proyectos se pueda disfrutar en más de un lugar. En cuanto a los intérpretes, en Encantando actuarán la totalidad de agrupaciones de la entidad y, puntualmente, la CCN-NGA invitará a agrupaciones nacionales e internacionales. Los conciertos ya perfilados cuentan en mayo con la Capilla Renacentista Michael Navarrus, en junio con el Grupo de Barroco Boliviano dirigido por Ashley Salomon, en octubre con Jazzy Leap y un monográfico de grooving y en noviembre 2012 con un concierto homenaje a Jean Françaix, Debussy y Stravinsky. El concierto de Navidad será con Jazzy Leap, dirigido por el dierctor de la Sección de jazz de la Coral y colaborador de GARAIKIDEAK, el compossitor y tenor Andoni Arcilla; en enero habrá un recital con música de autores navarros y en marzo se producirá el debut de Camerata Instrumental de la CCN-NGA.

Por último, Iñigo Osés, gerente de la Coral, ha hablado de algunos aspectos más técnicos del Ciclo y ha informado de la adhesión de la Coral de Cámara de Navarra a la Asociación GEMA:

"Respecto al Ciclo hemos de afirmar que es la manera perfecta de conocer y acercarnos a nuestro público. Al público coral que abarrota nuestros conciertos, la práctica totalidad hasta ahora gratuitos, y que ahora pagando no sabemos qué respuesta vamos a tener. Es decir, el interés en Pamplona y Navarra por la música coral existe, ahora hemos de saber ofrecerles una oferta de calidad y diferenciada para que sigan viniendo a disfrutar de la música que hacemos solo que pagando. Algo a lo que estamos abocados en una realidad cada vez más dura, donde el dinero en el sector cultural por contrataciones apenas fluye. En este ámbito tendrán especial trato los socios de la Coral de Cámara de Navarra, pilar fundamental de nuestra entidad y a los que por fin vamos a poder premiarles su apoyo con ventajas y diferentes incentivos que se irán desgranando a lo largo del Ciclo.

Así mismo es un camino de exploración, presentación y encuentro con el sector privado para estudiar medidas de colaboración, no solo económicas, para que la Coral de Cámara de Navarra pueda seguir desempañando su labor de investigación, recuperación e interpretación musical y poder así ofrecérsela la sociedad navarra"

Per Nørgård: Sinfonia nº 3

Per Nørgård nació en Dinamarca en 1932.
Estudió con Vagn Holmoe en la Real Academia Danesa de Música de Copenhague y, posteriormente con Nadia Boulanger en París. Influenciado por los estilos nórdicos de Jean Sibelius , Carl Nielsen y Vagn Holmboe , en la década de 1960, Nørgård comenzó a explorar las técnicas modernistas de Europa central.
Con el tiempo, desarrolló un sistema compositivo basado en La serie infinita, que serializa la melodía, la armonía y el ritmo. El método toma su nombre de la naturaleza sin fin, comparable a la geometría fractal . La serie infinita resultó ser una inspiración para muchas de sus obras durante los años 1960. La serie infinita armónica y rítmica se desarrollaron en la década de 1970 y ,conjuntamente la serie melódica, se integraron por primera vez en Sinfonía N º 3 .
Nørgård ha compuesto obras en todos los géneros principales: seis óperas, dos ballets, siete sinfonías y otras piezas para orquesta, varios conciertos, obras corales y vocales, un enorme número de obras de cámara (entre ellos diez cuartetos de cuerda) y varias obras instrumentales solistas.
Nørgård es también un escritor prolífico. Ha escrito muchos artículos sobre la música, no sólo desde una perspectiva técnica, sino también un punto de vista filosófico.

C(h)oeurs. Alain Platel

Documental sobre el polémico espectáculo C(h)oeurs, creado por el director de escena y coreógrafo belga Alain Platel, basado en una selección de los pasajes de coros más conocidos de obras de G. Verdi y R. Wagner.


El espectáculo denominado C(h)oeurs (juego de palabras entre coros y corazón) , exhibido en el Teatro Real desde el lunes, ha provocado reacciones nada habituales en la crítica musical madrileña.

Una noche en el Real. Choeurs

UN CONCIERTO MUY NECESARIO

Lunes, 30 de Abril de 2012.
Irene García, Ane Urquiola y Jose Luis Tochón, violines. Mario García, viola. Nerea Elizaga, violonchelo. Javier Pérez, clarinete. Juan Cazcarra, acordeón. David Cantalejo, Tania Loza y Gonzalo Rabasa, piano.

PROGRAMA: David Cantalejo: Tocata para piano, Op. 15, (Teulfelskreis), (2008). Ignacio Fernández Galindo: Suite para títeres, (2012). Joaquín Taboada: Trío número 1, (2009). John Cage: 4,33, (1952). Luigi Boccherini: Quinteto para cuerdas con piano Op. 57 número 5: Allegro sostenuto, (1799). David Cantalejo: 1428 de Elm Street, (2011).


Hace varios años, escuché una entrevista realizada a Fernando Argenta en una importante emisora de radio. El motivo era, por supuesto, su trabajo en relación con la difusión de la música clásica, algo en lo que él ha sido fundamental para nuestra generación…, y en parte para la de nuestros padres. En aquella ocasión, una de las preguntas que le hizo el entrevistador fue la eterna pregunta: “¿Por qué la música clásica no tiene tirón entre los jóvenes?”. Argenta respondía con toda claridad: “Simplemente porque no la conocen. En cuanto escuchan un fragmento clásico popular sin necesidad de saber que es música clásica y se les cuenta su verdadera procedencia, muchos se dan cuenta de su error y cambian de opinión”. La cita no es literal.

Naturalmente, esto es bastante discutible. El simple hecho de conocer un tipo de música no significa que en seguida alguien la aprecie como buena, pero hay algo en lo que Argenta tenía razón: si nunca se ha tenido oportunidad de escuchar un tipo de música, difícilmente se puede apreciar. Por citar El pequeño príncipe: “Sólo se ama lo que se conoce, y sólo se conoce lo que se domestica”.

Pues bien, el concierto que nos ocupa tenía, desde esta perspectiva, un gran interés, por cuanto que daba a conocer al público una gran variedad de músicas, mayoritariamente de hoy, de estéticas en algunos casos divergentes. Suponía, en general, una panorámica de la música actual, y de lo que se escribe hoy usando medios, por así decir, “tradicionales”. No había música electrónica; no había paisajes sonoros…, pero por lo demás había una gran variedad de recursos compositivos.

No es mi tarea tratar de explicar las obras del concierto; para eso, ya están las magníficas notas al programa que se pueden consultar en este mismo foro. Me limitaré a contar algunas impresiones personales. En general, creo que la elección de las distintas obras era muy adecuada, precisamente por su variedad de planteamientos, estéticas y combinaciones instrumentales, algunas de ellas ciertamente inusuales. Ya solamente por eso, a falta de conocer los resultados de la encuesta realizada al público, el esfuerzo de organizar un concierto tan variado era encomiable.

A partir de aquí, empieza el territorio de las preferencias personales. Me han sorprendido gratamente las obras de David Cantalejo, en especial 1428 de Elm Street. El tratamiento del clarinete, explotando su registro más agudo, resulta sorprendente, junto con la aplicación de frullati, multifónicos, armónicos y otros “efectos especiales”. La obra es de una fuerza descomunal, fantasmagórica. Realmente ha sido un auténtico descubrimiento. La Tocata para piano también es muy interesante por su concepto minimalista del contrapunto y el uso de los registros extremos del piano, pero el paso del tiempo ha permitido madurar al compositor, y en 1428 eso se hizo patente.

El universo de Ignacio Fernández Galindo es igualmente interesante. Ya la agrupación resulta novedosa, (¡trío para violín, acordeón y piano!), y se utiliza en muchos casos de manera bastante audaz. Para la Historia queda el gran logro de la descripción del mar, con los efectos de olas del acordeonista y los armónicos “gavioteros” del violín. La inclusión de arreglos de clásicos del jazz añade variedad, y aporta a la obra un punto decadente, que le otorga un encanto bastante singular.

Frente a esto, la obra de Joaquín Taboada ha parecido más convencional. La de Taboada es una estética más cercana a Schnittke o a Pärt, autores de esencia más familiar para el público y que componen música en general bastante relajante. A juzgar por la acogida del público, ha causado bastante buena impresión, y parece ser en eso la obra más “contemporánea” de las que se han escuchado.

El 4,33 de Cage sólo puede ser una tomadura de pelo de gran magnitud, o una obra maestra…, aunque quizá tenga algo de ambas cosas. Naturalmente, la obra no tiene mayor misterio para aquellos que conocemos en qué consiste y qué se pretende demostrar con esta música, más allá de la necesidad de mantener la tensión durante el tiempo que dura el silencio. No obstante, esperaba con expectación la reacción de los no iniciados. El murmullo del público fue bastante constante, especialmente al comienzo, y la división de opiniones al final de la obra era más que notoria: bravos, aplausos, algún que otro abucheo… Es de valorar, en todo caso, el estoicismo con el que los miembros del quinteto la interpretaron.

Finalmente, la idea de incluir la obra de Boccherini pretendía aislar ese primer movimiento del quinteto de su contexto, para que resultase anacrónico con lo que había sonado y con lo que había de llegar. No soy la persona más adecuada para juzgar si se ha logrado ese objetivo. Tengo bastante capacidad para pasar de un estilo a otro sin transición, y después de la tensión del 4,33, el mundo galante de Boccherini no me resultó ni mucho menos improcedente. Probablemente habría disfrutado más de la obra, sin embargo, con una interpretación más lograda, pero eso no nos ocupa prioritariamente ahora. Además, el trabajo camerístico necesario para la obra era importante y fue afrontado por alumnos del Conservatorio que, a buen seguro, han hecho todo lo que estaba en su mano.

En general, el nivel interpretativo ha sido extraordinario. Destacó la labor de David Cantalejo como pianista, demostrando convicción y elocuencia extraordinarias, especialmente en 1428 de Elm Street, que fue interpretativamente lo mejor del concierto. En esa obra, y también en los dos tríos, hubo compenetración y música de cámara realizada con mayúsculas, aunque quizá la Suite para títeres de Fernández Galindo podría ganar si los intérpretes se hubiesen recreado más en los contrastes de los últimos movimientos de la obra, especialmente en las secciones jazzísticas. Pero insisto: tratándose de alumnos de conservatorio, su esfuerzo ha de ser especialmente tenido en cuenta.

En resumen: creo que este concierto era especialmente necesario, y no sólo por las conclusiones que puedan obtenerse de la encuesta entregada a los asistentes. Ha presentado una panorámica que muestra buena parte de las tendencias más actuales de la música de hoy, y nos ha permitido confrontarlas con alguna obra de período anterior. Por supuesto, no se trata de que todos salgamos convencidos de que la música de hoy es la única que merece la pena, porque eso nos haría renunciar a un riquísimo patrimonio musical que, al menos a mi entender, ciertamente no es “caduco”. Sin embargo, entiendo que los compositores actuales tienen derecho a ser escuchados. Una vez conocido el terreno, cada cual decidirá libremente si desea seguir por el camino tradicional, o lanzarse a explorar nuevos territorios. Esto último siempre resulta apasionante.

Walther von Sachs

SAIOA BILDARRATZ: ENTRE LUCES Y SOMBRAS

COMENTARIOS AL PROGRAMA

A simple vista, éste podría resultar un concierto de música contemporánea al uso, pero nada más lejos de la realidad…Cierto es que la mayoría de las obras que lo componen pertenecen al siglo actual, pero el motivo que las une no es precisamente el cronológico. Este concierto nace de una inquietud, de una pregunta que pretende ser respondida a través de él: ¿Qué provoca la escucha de música contemporánea en el receptor?

Los compositores de hoy crean obras excelentes, buenas o malas, al igual que pudiera ocurrir en cualquier época del pasado, y sin embargo, las salas siguen inundadas de música caduca al servicio de un público irremediablemente aclimatado a ellas. Es éste un fenómeno curioso y único en la historia ya que mientras en los siglos XVII o  XVIII el oyente exigía al compositor una eterna renovación del repertorio, y las obras apenas disfrutaban de un estreno, el oyente de hoy parece sentirse más cómodo entre aquellas luces del ayer. Ningún pasado artístico está haciéndose recordar tanto como en el caso de la música; aún hoy, en un siglo XXI repleto de cambios vertiginosos, resulta complicado romper con este hecho. El compositor, adaptado a los nuevos tiempos, compone obras que resultan toda una sombra para el público…siempre detrás pero incapaz de alcanzarles.

Con el fin de poder confirmar estas líneas, toda obra está seleccionada concienzudamente y cumple un cometido preciso. La obra más antigua, el primer movimiento del Quinteto op.57 nº 5 de Luigi Boccherini (1743-1805), es la única muestra de esa luz a la que hace alusión el título del concierto. Una obra que deja entrever la simplicidad de un estilo galante, un vocabulario armónico y unas melodías muy accesibles a cualquier oído. Compuesta 6 años antes de su muerte, estando al servicio del embajador francés Luciano Bonaparte, su serie completa de los 6 quintetos op.57 fueron dedicados a la República de Francia “en testimonio del vivo sentimiento de gratitud y obligación que siento hacia esta nación”. Este prolífico compositor, más profuso en música de cámara (250 cuartetos y quintetos), pasó gran parte de su vida en Madrid y fue uno de los impulsores de las corrientes estéticas italianas en el país, al igual que Farinelli o Domenico Scarlatti. Sus op. 56 y 57 fueron de hecho, adaptadas, sustituyendo el piano por la guitarra. Escuchando esta obra nadie podría imaginar que su vida estuvo marcada por la pérdida de sus dos esposas y 4 de sus 6 hijos. En definitiva, este quinteto es una de esas músicas brillantes hechas para el deleite y que entra dentro de los cánones de belleza actual.

Trasladándonos 50 años atrás, encontramos la siguiente obra escogida por orden cronológico, 4´33” de John Cage (1912-1992), adaptada, en esta ocasión, para quinteto con piano. A pesar de no pertenecer ya a nuestro siglo, resulta toda una provocación para el oyente. En sus 3 movimientos, tan solo una indicación de Tacet que señala al músico que debe permanecer en silencio a lo largo de 4 minutos y 33 segundos. Alejados ya de esos propósitos del placer por el placer, nos adentramos en una obra nacida de una inquietud. Cage ya había mostrado su interés por el silencio en obras anteriores, pero no de forma tan evidente como en ésta. En 1951 visitó la cámara anecoica de la Universidad de Harvard, buscando un silencio que no logró encontrar; “oía dos sonidos, uno alto y otro bajo. Cuando se los describí al ingeniero a cargo, me informó que el alto era mi sistema nervioso, y el bajo mi sangre en circulación." Esta imposibilidad de encontrar el silencio fue la que movió al compositor a componer 4´33” en 1952. Podría decirse que las inesperadas y siempre variables reacciones del público conforman los sonidos de esta controvertida obra que ha llegado a nuestros días como un icono de la música de vanguardia.

Centrándonos ya en las obras de reciente creación, encontramos dos de ellas compuestas por un autor que apenas cuenta con 27 años; la Toccata para piano nº 2 op. 15 “Teufelskreiss” del 2008 y 1428 de Elm Street del 2011, ambas del bilbaíno David Cantalejo.

La primera de ellas, para piano solo, fue compuesta bajo la supervisión del compositor Joseba Torre como parte de su formación compositiva en el Conservatorio Superior de Navarra. El título alemán Teufelskreiss sirve como idea generadora de todo su sistema compositivo. Toma ideas tanto de su traducción al castellano “círculo vicioso” como al inglés “círculo del diablo”. De este último toma la idea del diabulus in musica, la famosa 4º aumentada para explotarla a través de los dos modos que la contienen, el hexátono y el Lidio. En el primero de los temas de la obra (A), juega con ambos modos, superponiéndolos, mientras que en B hace uso únicamente del modo lidio. Ambos temas contrastan también en carácter, uno más agresivo y el otro más lento, con un posterior desarrollo de ambos temas y una Coda final explosiva y diabólica. La superposición de ambos modos genera un motivo que se repite incesantemente como un círculo vicioso (en alusión a su traducción castellana), con ligeras modificaciones apenas perceptibles al oído pero desembocando en un final que poco tiene que ver con su comienzo. Es una obra que, tal y como indica el autor, recuerda ligeramente a Ligeti (1923-2006).

El título de 1428 de Elm Street hace alusión a la calle donde transcurren las pesadillas de la afamada cinta de Wes Craven; sin duda, un homenaje a las películas de terror. Esta obra, para clarinete y piano, fue un encargo realizado por el Centro de Música Contemporánea “Garaikideak”. Su autor logra crear ambientes perturbadores con pequeños instantes de “calma armónica”, explotando los diferentes registros de ambos instrumentos. Pasajes vertiginosos del piano, sobresaltos y provocaciones del clarinete, sonidos aislados como pasos en la noche, “fríos” armónicos o “aterradores” frulatti, o un piano muy percutido y grave contrastando con un chillón clarinete. A esta atmósfera, además, cabe añadirle el juego que el autor realiza con el número 1428, base de su sistema compositivo, del que se deriva un modo de 8 sonidos y una multitud de interválicas. El resultado final envuelve al oyente, absorto en su propia historia de terror.

La Suite para títeres para trío de violín, acordeón y piano del autor Ignacio Fernández Galindo (1973-), ha sido recientemente estrenada (Febrero de 2012) en el Palacio del Condestable de Pamplona. La obra, a la que acompaña un relato del mismo autor aún por finalizar “Brunilda, el escarabajo y los tres hechizos”, se estructura en diferentes movimientos de una suite con claro predominio tonal. La obra contiene un arreglo  jazzístico del clásico “That old feeling” compuesto por Lew Brown (1893-1958) en 1937.

Tanto David Cantalejo como Ignacio Fernández Galindo pertenecen al Centro de Música de Contemporánea “Garaikideak” que promueve la creación y difusión de obras contemporáneas.

La última de las obras presentadas, aún sin editar, lleva como título Trío nº 1 del compositor Joaquín Taboada. Es quizás el mejor ejemplo de un músico extraño al momento en el que vive. Sus obras, que han alcanzado fama internacional y han llegado a ser nº 1 en las más importantes plataformas de descarga libre en Internet, respiran un ambiente cálido y apacible. Aunque muy afín al new age, no podríamos englobar toda su obra en una única corriente estética. El Trío nº 1 para violín, acordeón y piano, recuerda mucho a la obra de Yann Tiersen (Amelié) y goza de la elegancia que caracteriza a la música francesa. El piano, cual colchón, acompaña una conversación entre violín y acordeón; dos personajes que ceden su protagonismo en favor del otro, se imitan, se alejan, se buscan y al final se encuentran en una agradable fusión de melodías muy tonales. Si uno cierra los ojos, puede sentir el balanceo de unos columpios en una tarde de lluvia cualquiera. Una música generosa, cercana, natural y simpática que hará las delicias del asistente a este concierto. Nadie puede negar que, explosivo o no, este concierto presenta un cóctel de obras que deben ser valoradas por lo que son.

¿Provocarán todas ellas la misma reacción, el mismo efecto en el público? Este concierto es, sin duda, un motivo para la reflexión…

Saioa Bildarratz Gracia

NOTAS AL PROGRAMA DEL CONCIERTO "ENTRE LUCES Y SOMBRAS"

Javi Pérez (clarinete) y David Cantalejo (piano y autor),
perfilando el comienzo de 1428 de Elm Street minutos antes del concierto
en el Auditorio Fernando Remacha del Conservatorio Superior.

La percepción de la música no ha sido la misma a lo largo de la historia. A grandes rasgos, ha habido épocas en las que la música cumplía un fin totalmente pragmático, otras en las que servía de vehículo de la palabra y otras, las menos, en las que cumplía una función estética al servicio de las clases sociales dominantes. Todo ello teniendo en cuenta la particular forma de ser y los valores de una parte de la sociedad en cada momento. Sin embargo, todo ese bagaje cultural que hoy conocemos hace que el oyente actual sienta la necesidad de regirse por formas de escucha anteriores, como si él no fuera en parte responsable de la evolución musical de su tiempo. Ante todo debe tener la curiosidad suficiente como para querer encontrar y percibir elementos nuevos, más propios de la compleja y cambiante sociedad de la que forma parte. Esto no significa que el resultado de una obra actual tenga que tener necesariamente un único sentido, sino que hay muchas y muy variadas formas de crear una sonoridad moderna, incluso a través del propio silencio.

Al respecto de la escucha de la música contemporánea, el compositor estadounidense Aaron Copland se expresaba así en Cómo escuchar la música (1985): “El melómano no iniciado seguirá considerando peculiar la música contemporánea mientras persista en tratar de oír la misma clase de sonidos y obtener el mismo deleite que obtiene de las grandes obras de los maestros del pasado. Mi amor a la música de Chopin y Mozart es tan grande como el de cualquiera; pero su mundo no es el mío y su idioma musical me es ajeno. Los principios son los mismos, pero con ellos se puede obtener un resultado totalmente distinto que exige al auditor la capacidad de prestarse a escuchar un idioma no familiar. Debería preguntarse si no está aplicándole normas que ya no proceden. Hay una gran posibilidad de que esté siendo insensible al idioma musical de su propia época. ¿Por qué no lo considera como un desafío? Cuando yo oigo una nueva pieza con música que no comprendo, quedo intrigado. Es un desafío que mantiene vivo mi interés por el arte de la música. La mayoría de la gente parece disgustarse porque no desean ver perturbados sus viejos hábitos. Se valen de la música como de un diván; desean sentirse mecidos por ella, relajados y consolados de las tensiones de la vida cotidiana. Pero la música actual ha sido creada para despertar al oyente, sacudirlo y conmoverlo hasta dejarlo exhausto. ¿No es esa clase de estímulo la que se busca en el teatro, o por la que se compra un libro?. Entonces, ¿por qué hacer una excepción con la música?. De forma inconsciente se insiste en la idea de que la música “normal” es la música del pasado. Debería ser al contrario, pero para ello hay que estar dispuesto a hacer el esfuerzo extra necesario para romper la barrera de la no familiaridad. No sentir la necesidad de participar en la expresión musical de la propia época es privarse a sí mismo del goce de una experiencia estética imposible de obtener de otra manera. La clave de nuestra comprensión de la nueva música es: repetidas audiciones.“

NUESTRO AGRADECIMIENTO A SAIOA BILDARRATZ POR SU COLABORACIÓN

"ENTRE LUCES Y SOMBRAS", UN CONCIERTO DESCONCERTANTE (CÓMO CREAR ESPACIOS DE LIBERTAD DENTRO DE LA PROGRAMACIÓN MUSICAL)

Cage en Pamplona, ¿alguien lo ha visto?

Título: ENTRE LUCES Y SOMBRAS
Lugar: Conservatorio Superior de Navarra "Auditorio Fernando Remacha"

Día: lunes 30 de Abril de 2012, 19.30 hrs
Producción: Profesores y alumnos del Conservatorio con la colaboración del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK
Dirección del proyecto: Saioa Bildarratz, alumna de Musicología

PROGRAMA

 

 Tocata para piano op. 15 “Teufelskreis” (2008)..................David Cantalejo

      (Piano: David Cantalejo)

 Suite para títeres (2012).................................................Ignacio Fdez. Galindo

     (Incluía arreglos de temas clásicos de jazz)

 Trío Nº 1 (2009)......................................................................Joaquín Taboada

     Juan Cazcarra (Acordeón), Irene García (Violín), Tania Loza (Piano)

 4'33'' (1952)...........................................................................................John Cage

     -Tacet I -Tacet II -Tacet III

 Quinteto op. 57 nº 5 (1799).....................................................Luigi Boccherini

     - Primer movimiento: Allegro sostenuto.

     Violines: Ane Urquiola y Jose Luis Tochón, Viola: Mario García

     Violoncello: Nerea Elizaga, Piano: Gonzalo Rabasa

 1428 de Elm Street (2011) ….....................................................David Cantalejo

     Clarinete: Javier Pérez, Piano: David Cantalejo

APOSTILLAS DE UN ESPECTADOR PARCIAL

La siguientes líneas no son una crítica al uso; en primer lugar, porque uno se encuentra en mitad de la contienda y no tiene herramientas para distanciarse del campo de batalla (no deja de ser sorprendente que la arquitectura militar tras el Medievo se desarrolle condicionada por los avances en balística...); y en segundo lugar, porque todo ha salido no sólo a pedir de boca sino que además hubiéramos repetido sin riesgo de una digestión pesada. Escribo esto no como prevención o excusa, sino como explicación de que lo que viene a continuación sólo surge desde el afecto y el cariño más sincero.

Abrió el concierto un músico de esos que despliegan un talento excepcional desde el primer compás. Cantalejo pianista o Cantalejo autor. El yo autor costruye un relato musical homodiegético, como diría Genette, en el que él es el protagonista y quien construye sus signos dentro de una esplendorosa TOCATA PARA PIANO op. 15. Arrebatador, intenso o extraordinario, son sólo algunos de los adjetivos que podemos aplicar. Hay que ser muy hábil para amoldar la forma tocata al lenguaje contemporáneo y no al revés, como sería lo previsible. El talento de David Cantalejo sólo está hoy por hoy a la altura de su modestia y honestidad, que son inmensas.

De la SUITE PARA TÍTERES, por razones obvias, sólo añadiré que en cada interpretación Tania, Irene y Juan consiguen unos resultados cada vez más ricos, interesantes y expresivos, partiendo, como lo hacen, de unos materiales de construcción tan humildes. Son un conjunto de cámara muy especial, y se aprecia no sólo en el escenario. Esa complicidad y compenetración de los intérpretes se ha revelado con toda su expresividad en una obra tan rica en texturas como el TRÍO nº 1 de Joaquín Taboada, una pieza de orfebrería en la que el músico navarro se muestra como un inspirado joyero. El resultado es deliciosamente intenso.

4´33" es ya algo más que una obra, es un mito utilizado para construir otros mundos posibles (abstracción, confinamiento del sonido, provocación, alteración de patrones de percepción.....) Todos los términos que utilicemos pecan siempre de falta de precisión. 60 años han transcurrido y sigue sugiriendo tanto como en su estreno (las reproducciones en you tube así lo atestiguan) Hoy, en el Auditorio, alguna que otra fila reaccionó ante los estímulos enviados por Ane, José Luis, Gonzalo, Nerea y Mario. Incluso se escucharon varios "bravos" desde un público parcialmente entregado a admitir lo inadmisible.

La siguiente obra fue sorprendente por su inclusión en el programa: el QUINTETO Op. 57 de Boccherini. Es de sobra conocida mi admiración por el autor de la Toscana, de ahí que sea emocionante escuchar su música en cualquier ocasión, incluso después de una obra de Cage... La interpretación, mesurada y plena.

El dúo formado por David Cantalejo y Javier Pérez cerró el concierto con una obra sugerente y explosiva especialmente por sus glissandi, que laceran la piel del espectador más avezado... Es sólo un ataque. Explícito y contundente, pero sólo un ataque. Detrás hay una enorme cantidad de recursos y motivos esperando a ser desvelados. 1428 DE ELM STREET revela, no ya la dimensión del terror en un contexto cinematográfico, sino que los monstruos también viven en el mismo plano vital que el resto de los humanos. La tonalidad para Cantalejo es un juego, pero no todos los juegos son tonales. La obra se estrenó el pasado noviembre en el concierto MÚSICA INAUDITA del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK y revela una gran madurez en un autor tan joven.

Por último, sólo resta esperar a que Saioa Bildarratz analice con interés y paciencia las encuestas del público de hoy, y que las añada en forma de conclusiones a su trabajo fin de carrera. Le deseamos lo mejor y le ofrecemos toda nuestra ayuda, si puede servir de algo.



OBRAS DE CANTALEJO, TABOADA Y FERNÁNDEZ GALINDO EN EL CONCIERTO "ENTRE LUCES Y SOMBRAS"

Conservatorio Superior de Navarra
Auditorio Fernando Remacha30 de Abril de 2012
19.30 hrs
ENTRE LUCES Y SOMBRAS

Ya podemos desvelar más detalles respecto al concierto experimental que va a tener lugar el próximo lunes en el Conservatorio Superior. Conocemos ya los nombres de algunos (no todos, ya que ahí reside la sorpresa) de los autores presentes en el programa: David Cantalejo, Joaquín Taboada e Ignacio Fernández Galindo. En el concierto se va a pedir la participación del público ya que más que el deleite estético o el aspecto emocional/anímico, se quiere analizar la percepción subjetiva de ese material sonoro.

 

Esta iniciativa poco usual e increíblemente atractiva forma parte de un trabajo fin de carrera en la especialidad de Musicología realizado por Saioa Bildarratz, con la colaboración de tres profesores excepcionales del Conservatorio por su excepcional motivación y capacidad de trabajo  (Luis San Martín, Francesca Croccolino y Nekane Iturrioz) y ha recibido el apoyo y la colaboración del CmC GARAIKIDEAK.

La información acerca de las obras se publicará en este blog después del concierto, un detalle que agradecemos enormemente a Saioa.

Nos vemos el lunes.
Eskerrik asko.

FERNANDO ARNEDO (SAXOFÓN) Y JUAN BORDES (MARIMBA), GANADORES DEL XI CONCURSO DE MÚSICA DE CÁMARA "FERNANDO REMACHA"

El dúo de saxofón y marimba, FERNANDO ARNEDO (saxofón) y JUAN BORDES (marimba), y un trío de flautas y violonchelo obtuvieron el pasado 22 de abril los primeros premios en la categoría de Conservatorio Superior y Conservatorio Profesional respectivamente, en el XI Concurso de música de cámara Fernando Remacha. El certamen se celebró en la Ciudad de la Música de Navarra en un acto en el que participaron 24 grupos.

Agustín León Ara, profesor del conservatorio de Bruselas, concertista de violín y miembro de la Real Academia de Bellas Artes fue el presidente del jurado de los premios que se fallaron ayer en un certamen en el que participaron 40 alumnos en cada una de las dos categorías a concurso: Conservatorio Superior y Conservatorio Profesional. En la primera categoría, el primer premio contaba con una dotación de 1.200 euros, y fue a parar al dúo de saxofón y marimba formado por Fernando Arnedo y Juan Bordes, que interpretaron Divertimento, del compositor japonés Akira Yuyama.

Además, Abenaura Graffigna, Adrián Hernández y Estitxu Sistiaga, un trío de canto, clarinete y piano, se llevaron el segundo premio de 600 euros en la categoría de Conservatorio Superior; y Ángela Escauriaza (violonchelo) y Maite León (piano) los 400 euros del Profesional.

Gracias al acuerdo suscrito por el Conservatorio Superior de Música de Navarra y CTL Escuela de Imagen y Sonido, se ha grabado la obra premiada en el XI Concurso de Música de Cámara. Los ganadores, FERNANDO ARNEDO (saxofón) y JUAN BORDES (marimba), grabaron la obra "Divertimento" con la supervisión y control de sonido de Jesús Los Arcos, jefe técnico de Estudios Arión y profesor asociado de CTL, y la producción musical de los profesores Francesca Croccolino (Conservatorio Superior de Navarra) e Ignacio Fdez. Galindo (Escuela CTL)

ENTRE LUCES Y SOMBRAS: CONCIERTO EXPERIMENTAL EN EL AUDITORIO DEL CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA DE NAVARRA

Conservatorio Superior de Navarra
Auditorio Fernando Remacha
30 de Abril de 2012 19.30 hrs
ENTRE LUCES Y SOMBRAS

Siguiendo el consejo de los promotores de este concierto, mantendremos en secreto tanto las obras como los autores representados en el programa. Esta iniciativa poco usual e increíblemente atractiva forma parte de un trabajo fin de carrera en la especialidad de Musicología realizado por Saioa Bildarratz, y ha recibido el apoyo y la colaboración del CmC GARAIKIDEAK.
Para entender un poco mejor el objetivo de este concierto-estudio, reseñamos unas palabras extraidas del programa:

La percepción de la música no ha sido la misma a lo largo de la historia. A grandes rasgos, ha habido épocas en las que la música cumplía un fin totalmente pragmático, otras en las que servía de vehículo de la palabra y otras, las menos, en las que cumplía una función estética al servicio de las clases sociales dominantes. Todo ello teniendo en cuenta la particular forma de ser y los valores de una parte de la sociedad en cada momento. Sin embargo, todo ese bagaje cultural que hoy conocemos hace que el oyente actual sienta la necesidad de regirse por formas de escucha anteriores, como si él no fuera en parte responsable de la evolución musical de su tiempo. Ante todo debe tener la curiosidad suficiente como para querer encontrar y percibir elementos nuevos, más propios de la compleja y cambiante sociedad de la que forma parte. Esto no significa que el resultado de una obra actual tenga que tener necesariamente un único sentido, sino que hay muchas y muy variadas formas de crear una sonoridad moderna, incluso a través del propio silencio.

La información acerca de las obras, recogida por Saioa Bildarratz, se publicará en este blog: http://cmcgaraikideak.blogspot.com/. Ezkerrik Asko Saioa.

Nos vemos el lunes 30 de abril en el Conservatorio.

Los Duendes de la Música

Palacio de Congresos de Jaca. 22 de Abril de 2012- 12.00h

Espectáculo multimedia infantil con la interpretación de los cuentos musicales "La costurera del Sonido"(I premio Sieteleguas Ediciones 2009 de cuentos musicales),"El Atrapanotas" y "El Ima in", con música original de Yolanda Campos, texto de Fernando Fuentes e ilustraciones de Jorge del Corral.

La Escuela Pública Municipal de Música y Danza de Jaca “Pilar Bayona” tenía como proyecto, desde hace tiempo, abordar en profundidad el acercamiento de la música a los más pequeños a través de propuestas audiovisuales, escénicas o literarias, adaptadas y dirigidas a dichas edades. Un deseo no basado únicamente en perseguir producciones más atractivas para los niños/as sino, pretendiendo ir más allá, potenciar la interacción de distintas manifestaciones artísticas en un solo espectáculo, siendo por supuesto la música la protagonista o hilo conductor.
Es así como, de forma habitual desde sus comienzos, la Escuela de Música ha venido colaborando con diferentes centros educativos, asociaciones, grupos de teatro, etc, en el diseño y puesta en escena de diferentes montajes.
Es así también como se forjó desde hace años el proyecto de colaboración con la Asociación Banda Municipal de Música de Jaca, con quien existe una estrecha vinculación no solo institucional sino también musical, para iniciar los ciclos de conciertos didácticos organizados por nuestro centro educativo, los cuales tanta aceptación han tenido entre el público en sus diferentes ediciones.

Y precisamente así, derivado de esa respuesta, surge retomar un trabajo que se inica en la Escuela de forma testimonial en su momento, como es el abordar la puesta en escena de diferentes “cuentos musicales”, seleccionados de la amplia relación de obras compuestas hasta la actualidad. Una decidida apuesta, contando para ello no solo con la participación de la Banda Municipal de Música de Jaca, sino también de otras agrupaciones de la Escuela de Música. Y todo ello dentro de una meditada planificación que se irá desarrollando y presentando al público de manera continuada.

Es así como, a propuesta de la Escuela Pca Municipal de Música de Jaca, se encarga
a tres artistas jacetanos la composición y creación (música-ilustración-texto) de dos nuevos cuentos musicales, pensados expresamente para el orgánico de la Banda Municipal de Música de Jaca y para ser estrenados por la misma en nuestra ciudad. Un saltocualitativo y cuantitativo en el inicio de esta nueva andadura, ya no solo por el cúmulo de atractivos elementos que conforman su puesta en escena, sino también, como importante añadido, por la atrevida apuesta de comenzarla a través de creaciones artísticas actuales.
Se persigue pues un objetivo complementario, como es acercar a los más pequeños,
en esa intención didáctica, a las estéticas, lenguajes o formas musicales contemporáneas, aquellas que aspiran a ser la continuación en el siglo XXI de todas aquellas propuestas iniciadas al principio de la anterior centuria por músicos como Stravinsky, Ravel o Bartok. Las que buscaban la sonoridad del mundo que les rodeaba, del mismo modo que lo hicieran en el pasado otros maestros musicales.

PROGRAMA

“La Costurera del Sonido”
La Costurera es un ser mágico que, desde la aparición de nuestro universo, se dedica a recuperar los retazos de sonidos que el devenir de la vida va dejando, para coser la canción del mundo, la armonía melódica que todo lo explica y aúna. Con un hilo trenzado con los sueños de los hombres, va tejiendo su canción que tiene los años del mundo y deberá seguir siendo
tejida hasta que éste se quede sin edad.
* Cuarteto “Sibelius”

“El Atrapanotas”
Es un duende del aire enamorado de los sonidos de la naturaleza, y del empeño de los hombres por remedarlos, que se cuela en los sueños de estos últimos para hacerles sentir la textura de dichos sonidos, para ayudarles a memorizar su estructura, sus compases, sus siempre cambiantes melodías, con un código de escritura que permite a los hombres repetir, una y otra vez, los mismos sonidos sin miedo a perderse o equivocarse.
* Banda Mpal. de Música de Jaca

“El Ima-In”
El Ima-In (imagina instrumentos) es un gnomo solitario que añora la espiritual emoción que alcanzaba al oír los sonidos del bosque y su inabarcable variedad. Sólo esos sonidos le hacen amar la vida, por eso se impone la tarea de llenar las manos de los hombres con instrumentos que emitan toda la sutileza y mutabilidad que contenía el bosque perdido y añorado por él.
Como en el caso de “La Costurera...” y del “Atrapanotas”, se cuela en los sueños de las personas para enseñarles planos de sus imaginaciones instrumentales y darles directrices con las que llevar a buen puerto las mismas.
* Banda Mpal. de Música de Jaca
Con la colaboración al piano de Teresa Palomera Piedrafita.

- Autores -
Yolanda Campos Bergua (Compositora)
Jorge del Corral Escriche (Ilustrador)
Fernando Fuentes Poblador (Textos)

LOS ESCARABAJOS DE DURRELL (VI) Apuntes para una estética de la postmodernidad: narcisismo, individualismo y nueva conciencia cínica

Disculpas, en primer lugar, por la tardanza en esta sexta entrega. Esperemos que haya merecido la pena.

Nuestra época, contemporánea o actual para más señas, da apertura a una nueva concepción de la identidad que se extiende en su versión pública dentro de los límites del capitalismo tardío, también contemporáneo o actual (para más señas). Frente al postmodernismo más radical, surge lo que se ha denominado la segunda revolución individualista (Gilles Lipovesky). Si se separan las categorías de sujeto e individuo, nos acercamos al relativismo: un sujeto sin universales, sin revolución, sin certezas, sin verdad, sin Metarrelatos; individualista pero sin fuerte identidad, autónomo pero flexible, más que tolerante, casi indiferente… Julia Kristeva asegurará con amargura que “no tenemos ni el tiempo ni el espacio necesarios para hacernos con un alma”.

Sumergidos parcialmente en estas aguas, el narcisismo se presenta como el símbolo más paradigmático de la nueva sociedad hedonista que tiene como esfera de intercambios el consumismo. El placer efímero e inmediato y la continua creación de necesidades subjetivas necesitan para su contagio irrefrenable que los conflictos de clase queden neutralizados y que prime la libertad frente a la igualdad (¿estratificación social?, ¿institucionalización de la desigualdad?). Dentro de esta nueva mercantilización es necesario que exista una pluralidad de productos que satisfaga al consumidor (que sucesivamente se transforma en un sujeto que digiere con dificultad sus frustraciones materiales) Así, en la lucha entre valor de uso y valor de cambio, todo tiene precio.

La ideología del consumo se asienta sobre una lógica clasista que supedita el comportamiento económico individual a la satisfacción de sus intereses. Los individuos ya no se encuentran atados a las cosas. Curiosamente, cuando se sacralizan los objetos (dios-grabado, dios-cheque, dios-escultura, dios-coche…) también es fácil separarse de ellos, ya que la preservación del culto exige devoción hacia la novedad. Alan Finkielkraut denuncia la lógica del consumo como destructora de la cultura y la libertad; el individualismo contemporáneo ha vaciado de contenido estas palabras para introducir en ellas únicamente la satisfacción de los deseos (vaporosos y inalcanzables como en el mito de Tántalo)

Retomemos en este punto unas palabras llenas de intuición y perspectiva de uno de los intelectuales más lúcidos de su tiempo:
“Con el tiempo llega uno a convencerse de que está de más en el mundo; que no hay fines propios del hombre, porque los únicos fines –que son la conservación y la generación- son fines específicos, no individuales, que no hace uno nada esencial, o si hace algo es engendrar otro ser análogo o peor, y que todas las demás ocupaciones son formales o imitativas y como eflorescencias que produce el roce orgánico. Somos ni más ni menos que motores; trabajamos para tirar de un peso, para producir movimiento, para dar este o aquel resultado útil. Pero el motor, ¿qué es en sí? Parece algo porque puede funcionar solo, porque echa chispas o vapor o humo; pero su razón de ser es la máquina. Así, nosotros, para que el engaño sea más agradable, echamos varias cosas hacia fuera y creemos que son algo, siendo así que lo que hay positivo es la máquina de nuestra especie, a la que vamos uncidos como esclavos”.
Son palabras del Epistolario de Ángel Ganivet, que falleció de forma trágica en ese aciago año 1898.

Junto al narcisismo, el nuevo individualismo ha traído consigo otros dilemas del yo, otras formaciones identitarias que ocupan el escenario postmoderno: los nuevos cínicos, portadores de la falsa conciencia ilustrada (Peter Sloterdijk) Celebrado el colapso de las ideologías omnicomprensivas, la culminación de la razón occidental y la relativización de los valores se transmuta en indiferencia. Se produce un proceso de conversión al realismo (Pietro Barcellona) en el que los individuos cultivan desapego hacia el compromiso con lo público replegándose en sus preocupaciones puramente personales. Se desarrolla de esta manera una radical trivialización de la ética personal (no digamos ya nada de la profesional) que permite evitar el compromiso con la identidad del yo.

El cinismo se transforma en la principal herramienta. Contra el principio “esperanza” surge el principio “vivir aquí y ahora”. ¿Para qué comprometerse? ¿Para qué perseguir ilusiones? ¿Para qué crear? El presente, aterrador en su escena nihilista, queda edulcorado bajo láminas de inmadurez y pereza. Es más sencilla la queja y los gestos lastimeros. ¿Para qué? Esa actitud es extremadamente contagiosa y nos muestra una de las caras más amargas de la postmodernidad. La más peligrosa aparece con la adulteración de los ideales democráticos. Si su fuerza destructora es imparable en política y economía, ¿cómo no será en el campo de la cultura? Tal vez por esa razón, hoy día hay quienes valoramos la pureza que se encuentra en las creaciones auténticas, como los versos que memorizaba Osip Mandelstam…

REFLEXIONES EN TORNO A LA CREACIÓN: SIGMA PROJECT, ESLAVA, CUÉ Y ALLA.

Entrevistas a los compositores Juan José Eslava, Juan M. Cué y Thierry Alla durante el proceso de creación de los encargos realizados por Sigma Project para el proyecto de investigación sonora "Gesto/Tecnología/Saxofón", estrenado el 20 de septiembre de 2010 (Teatro Arniches, Alicante), en el marco del XXVI Festival Internacional de Música de Alicante.

LORENZO ONDARRA. IN MEMORIAM

Ayer falleció en Pamplona, a la edad de 80 años, el compositor Lorenzo Ondarra. Sacerdote capuchino, Ondarra es uno de los músicos navarros más relevantes de la segunda mitad del siglo XX y comienzos del presente XXI. Además de en la composición, donde abarcó casi todos los géneros, destacó en facetas como el redescubrimiento de partituras antiguas olvidadas, arreglos y transcripciones de partituras de otros autores (Olaizola, Elduayen, Aita Donostia, Olazarán, Garbizu…), la interpretación del órgano, la enseñanza de la música, la dirección coral, la investigación en el folklore autóctono, la divulgación musical, y la colaboración en la edición de partituras y libros biográficos de grandes músicos como el Padre Donostia. Asimismo, colaboró como acompañante al órgano o al piano con numerosos coros, entre ellos Andra Mari de Renteria, Coro San Fermín y Coral de Etxarri Aranatz.

Recibió en 1969 el Premio Nacional de Bellas Artes, junto a Tomás Marco, por la obra Diálogos para dos sextetos de cuerda u órgano. Hasta ayer, Lorenzo Ondarra era el compositor navaro vivo con mayor número de obras estrenadas.

Nacido en Bakaiku el 20 de noviembre de 1931, Ondarra recibió sus primeras lecciones de música de su hermano seminarista Tomás (1924), sacerdote y organista. Desde el ingreso en el Seminario Capuchino de Alsasua (1942), además de formalizar sus estudios eclesiásticos, realizó los de solfeo y piano. Una vez ordenado sacerdote, en el año 1954, estudió Gregoriano durante tres años en Vitoria y Salamanca, disciplina que perfeccionó luego en Montserrat. Realizó los estudios de Órgano y Composición con Tomás Garbizu y Francisco Escudero, respectivamente, siendo premio fin de carrera en ambas especialidades. Acudió a la Academia Chigiana de Siena (Italia) con Petrassi y Borin Porena. En la década de los 70, asistió en repetidas ocasiones a los Cursos de Verano de Darmstadt (Alemania), con figuras de la vanguardia internacional como Stochhaussen y Ligeti.

Lorenzo Ondarra destacó sobremanera por su labor compositiva, especialmente de música coral. De hecho, sus obras fueron estrenadas, interpretadas y grabadas por los más prestigiosos coros: Orfeón Pamplonés, Orfeón Donostiarra, Orfeó Catalá, Coral Andra Mari, Coro Easo, Kanta Cantemus, Coro San Fermín, Coral de Etxarri Aranatz, Niños Cantores de Navarra, Coral Erkudengo Ama de Alsasua, o Coro Aizaga. Cabe destacar que su obra Pater Noster, estrenada por el Orfeón Pamplonés el pasado 24 de noviembre, será la pieza obligada en la modalidad de polifonía del prestigioso Concurso de Masas Corales de Tolosa en su edición de 2012.

Del total de la producción de Lorenzo Ondarra (casi 170 obras), destacan sus composiciones de obras corales (136) y para txistu (14). Fue premiado en numerosos concursos de composición, y el reconocimiento más reciente lo recibió en noviembre de 2011, cuando se le entregó la medalla de oro de la Federación de Coros de Navarra y de la Asociación de Txistularis de Euskal Herria. (Fuente: Diario de Noticias)

In memoriam.

Pierre Jodlowski: "Serie noire" (2005) for piano and electronic sound

Pierre Jodlowski es un compositor, intérprete y artista multimedia.
Desarrolla su trabajo en Francia y en el extranjero en el campo de la Música Contemporánea.

"Serie noire" se inspira en diferentes obras de terror; en particular, en algunas de sus variantes cinematográficas.
Cada elemento es parte de un proceso de desarrollo, en relación directa con la banda sonora que evoca momentos de gran tensión. La voz en off omnipresente y las referencias de sonido en la banda sonora podría hacernos creer en una banda sonora de película ...

AGUJEROS NEGROS (2009) DE HERMES LUACES: UNA DANZA INICIÁTICA HACIA LO DESCONOCIDO

El pasado mes de septiembre la Orquesta Sinfónica de RTVE estrenó la obra AGUJEROS NEGROS, escrita por el madrileño Hermes Luaces, con la que había obtenido el XXVIII Concurso Internacional de Composición Reina Sofía en 2010.

La Orquesta Sinfónica de la RTVE, el Coro Nacional y Ara Malikian, todos ellos dirigidos por José Luis Temes, interpretaron las obras finalistas, que fueron la mencionada Agujeros negros, el Concierto para violín y orquesta del compositor alemán Alexander Muno y Non sei di quelli che si incantano al paesaggio del compositor italiano Giuliano Bracci para coro y orquesta.
El jurado estuvo presidido por José Luis Turina y compuesto por Carlos Galán, el islandés Steingrimur Rohloff, el italiano Giovanni Bonato y Jesús Rueda que actuó como secretario.
Hermes Luaces nació en Madrid (1975) donde realizó su formación académica. Se graduó con el premio fin de carrera en composición en el Real Conservatorio Superior de Música de esta ciudad y se licenció en Ciencias Físicas en la Universidad Autónoma. Posteriormente ha participado en diversos cursos y talleres de composición: Acanthes, Injuve, Cátedra Manuel de Falla, Aula de Música de Alcalá de Henares, en los que recibe los consejos de compositores como Mauricio Sotelo, José Luis Delás, Philippe Hurel, Kaija Saariaho y Salvatore Sciarrino entre otros.
Como compositor ha tenido la oportunidad de trabajar con diferentes orquestas, ensembles e intérpretes de prestigio como La Joven Orquesta de Andalucía, la Orquesta Filarmónica de Bacau (Rumanía), los ensembles Courtcircuit (Paris), Taller Sonoro (Sevilla), Proyecto Guerrero (Madrid), Grupo Instrumental de Valencia, Vortex (Ginebra) y los pianistas Alberto Rosado e Ignacio Torner.
Su producción ha recibido diferentes reconocimientos: Premio del Museo George Enescu (Bucarest, 2008), Premio del Concurso para jóvenes compositores del CDMC 2004 y 2005, Premio Flora Prieto del R.C.S.M.M (2004) y finalista en el Premio Fundación Autor 2007.

En 2011 concluyó su 2ª Sinfonía.

ENHORABUENA.

RECORDANDO A PETER MENNIN: STRING QUARTETT Nº 2 (1951)

Compositor versátil, arriesgado y sorprendente en cada una de sus obras (¿sabían ustedes que compuso nada menos que nueve sinfonías?), Peter Mennin (17 de mayo de 1923, Erie, Pennsylvania – 17 de junio de 1983, New York City) fue un interesantísimo compositor y profesor estadounidense. Fue director del Peabody Conservatory de Baltimore, y también de la prestigiosa Juilliard School, en la que sucedió a William Schuman en su puesto. Además de sus nueve sinfonías, escribió en su corta vida (apenas 60 años) numerosos conciertos, obras para orquesta de viento, coros y otros conjuntos instrumentales.

La obra que les proponemos es su Cuarteto de cuerda nº 2, de 1951, interpretada por The Kohon Quartet, con sus cuatro movimientos: I. Allegro ardentemente, II. Prestissimo, III. Adagio semplice, IV. Allegro focosamente.

Música Contemporánea en Centro Huarte

Divulgar la música contemporánea, un arte que no está lo suficientemente relacionado con el ciudadano y que carece de espacios y opciones para mostrarse, es el objetivo del proyecto que han iniciado en común la Orquesta Sinfónica de Navarra (OSN) y el Centro Huarte, y que se acercará al público el próximo jueves 16 de enero. La sesión tendrá lugar en el Centro Huarte a las 19.30 horas y con entrada libre.

La iniciativa, que nace con vocación de continuidad, parte del formato concierto pero va más allá, al incorporar el análisis de las obras que se podrán escuchar -en las que la trompa será el instrumento protagonista- y el diálogo con los espectadores asistentes en una tertulia posterior. El recital, con elementos electroacústicos y audiovisuales, incluye el estreno en Navarra de Notturno für horn, obra compuesta por Vicent Egea, director de La Pamplonesa. La sesión, en la que participará la formación de cuerda de la OSN, será conducida por el solista valenciano Óscar Sala Minguet, trompa principal de la Orquesta Ciudad de Granada y profesor de repertorio orquestal en Musikene. Para la Sinfónica de Navarra, esta experiencia es "el inicio de una colaboración que esperemos que sea larga", dijo ayer Florentino Briones. Según el director gerente de la OSN, hacía tiempo que la orquesta quería trabajar para acercar al público la música contemporánea, "pero hacía falta un sitio que atrajera al tipo de público adecuado, a un público joven, más comunicativo y abierto hacia cualquier novedad. Y el Centro Huarte es el lugar idóneo", comentó. El director de dicho espacio, Javier Manzanos, situó la iniciativa en el marco "del papel mediador, que nos corresponde, entre la creación contemporánea y el público. La música contemporánea no tiene espacios ni oportunidades de mostrarse, y espero que esta colaboración tenga un largo recorrido", dijo en la presentación del concierto, a la que acudieron también la directora general de Cultura, Ana Zabalegui; el compositor Vicent Egea; y, aunque no físicamente pero sí a través de videoconferencia, el trompista solista del concierto, Óscar Sala.

La pieza de Vicent Egea, que será la primera en sonar el jueves, se estrenó en 2004 en el Palau de la Música de Valencia -también con Óscar Sala como solista-, pero se escuchará por primera vez en Navarra en el Centro Huarte. Notturno für horn (16') nace del deseo de expresar una idea musical a partir de algunas sugerencias plásticas de la obra del pintor Paul Klee. Un creador con el que Egea comparte "ciertas cosas": "Por una parte, la idea de dualidad. La música está llena de dualidad: el raciocinio frente a lo instantáneo y la inspiración, lo oriental frente a lo occidental, la sensación de lo dinámico frente a lo estático... También comparto con Klee la variación, el concepto de no repetición; y la fusión de lenguajes, es decir, el eclecticismo", comentó el compositor y director de La Pamplonesa. Esos aspectos se reflejan en la pieza musical, en la que el empleo del puntillismo, minimalismo, racionalismo mediante recursos matemáticos, serialismo y cromatismo, conviven en un lenguaje amable y personal, intentando buscar el equilibrio entre forma y contenido. Según el solista Óscar Sala, la obra de Egea "pasará con el tiempo a ser una de las piezas clave para el repertorio trompístico".

Junto a dicha composisión, Sala, quien irá acercando al público cada pieza también de forma hablada, eligió para este programa otras dos obras: la clásica-contemporánea Concierto para trompa y cuerdas (20') de Gordon Jacob; y Fantasía para trompas II (12'), de la compositora alemana afincada en Canadá Hildegard Westerkamp, quien basa sus obras en los sonidos del medio ambiente. Esta pieza incorpora proyecciones visuales y elementos electroacústicos mediante la grabación de sonidos de bocinas de trenes canadienses, avisos de niebla de las costas del pacífico y del atlántico canadiense, y sirenas de empresas y barcos de Vancouver y alrededores. En palabras de Óscar Sala, la pieza se inspira "en todos los emisores de sonido que tenemos en nuestra vida cotidiana y están relacionados con la trompa". Al finalizar el concierto habrá un tiempo de diálogo con el público asistente, en el que éste podrá plantear sus dudas e inquietudes respecto al recital.

(Fuente: Diario de Noticias)