Música Contemporánea en Centro Huarte

Divulgar la música contemporánea, un arte que no está lo suficientemente relacionado con el ciudadano y que carece de espacios y opciones para mostrarse, es el objetivo del proyecto que han iniciado en común la Orquesta Sinfónica de Navarra (OSN) y el Centro Huarte, y que se acercará al público el próximo jueves 16 de enero. La sesión tendrá lugar en el Centro Huarte a las 19.30 horas y con entrada libre.

La iniciativa, que nace con vocación de continuidad, parte del formato concierto pero va más allá, al incorporar el análisis de las obras que se podrán escuchar -en las que la trompa será el instrumento protagonista- y el diálogo con los espectadores asistentes en una tertulia posterior. El recital, con elementos electroacústicos y audiovisuales, incluye el estreno en Navarra de Notturno für horn, obra compuesta por Vicent Egea, director de La Pamplonesa. La sesión, en la que participará la formación de cuerda de la OSN, será conducida por el solista valenciano Óscar Sala Minguet, trompa principal de la Orquesta Ciudad de Granada y profesor de repertorio orquestal en Musikene. Para la Sinfónica de Navarra, esta experiencia es "el inicio de una colaboración que esperemos que sea larga", dijo ayer Florentino Briones. Según el director gerente de la OSN, hacía tiempo que la orquesta quería trabajar para acercar al público la música contemporánea, "pero hacía falta un sitio que atrajera al tipo de público adecuado, a un público joven, más comunicativo y abierto hacia cualquier novedad. Y el Centro Huarte es el lugar idóneo", comentó. El director de dicho espacio, Javier Manzanos, situó la iniciativa en el marco "del papel mediador, que nos corresponde, entre la creación contemporánea y el público. La música contemporánea no tiene espacios ni oportunidades de mostrarse, y espero que esta colaboración tenga un largo recorrido", dijo en la presentación del concierto, a la que acudieron también la directora general de Cultura, Ana Zabalegui; el compositor Vicent Egea; y, aunque no físicamente pero sí a través de videoconferencia, el trompista solista del concierto, Óscar Sala.

La pieza de Vicent Egea, que será la primera en sonar el jueves, se estrenó en 2004 en el Palau de la Música de Valencia -también con Óscar Sala como solista-, pero se escuchará por primera vez en Navarra en el Centro Huarte. Notturno für horn (16') nace del deseo de expresar una idea musical a partir de algunas sugerencias plásticas de la obra del pintor Paul Klee. Un creador con el que Egea comparte "ciertas cosas": "Por una parte, la idea de dualidad. La música está llena de dualidad: el raciocinio frente a lo instantáneo y la inspiración, lo oriental frente a lo occidental, la sensación de lo dinámico frente a lo estático... También comparto con Klee la variación, el concepto de no repetición; y la fusión de lenguajes, es decir, el eclecticismo", comentó el compositor y director de La Pamplonesa. Esos aspectos se reflejan en la pieza musical, en la que el empleo del puntillismo, minimalismo, racionalismo mediante recursos matemáticos, serialismo y cromatismo, conviven en un lenguaje amable y personal, intentando buscar el equilibrio entre forma y contenido. Según el solista Óscar Sala, la obra de Egea "pasará con el tiempo a ser una de las piezas clave para el repertorio trompístico".

Junto a dicha composisión, Sala, quien irá acercando al público cada pieza también de forma hablada, eligió para este programa otras dos obras: la clásica-contemporánea Concierto para trompa y cuerdas (20') de Gordon Jacob; y Fantasía para trompas II (12'), de la compositora alemana afincada en Canadá Hildegard Westerkamp, quien basa sus obras en los sonidos del medio ambiente. Esta pieza incorpora proyecciones visuales y elementos electroacústicos mediante la grabación de sonidos de bocinas de trenes canadienses, avisos de niebla de las costas del pacífico y del atlántico canadiense, y sirenas de empresas y barcos de Vancouver y alrededores. En palabras de Óscar Sala, la pieza se inspira "en todos los emisores de sonido que tenemos en nuestra vida cotidiana y están relacionados con la trompa". Al finalizar el concierto habrá un tiempo de diálogo con el público asistente, en el que éste podrá plantear sus dudas e inquietudes respecto al recital.

(Fuente: Diario de Noticias)

ENCUENTRO CON EL COMPOSITOR JOSÉ Mª GOICOECHEA EN EL CONSERVATORIO SUPERIOR DE NAVARRA

La Fundación Ars Incognita ha organizado un encuentro con el compositor, organista, director de coro y pensador navarro D. José Mª Goicoechea Aizcorbe, que se celebrará el próximo viernes 10 de febrero a las 18 horas en la Sala Fernando Remacha del Conservatorio Superior de Música de Navarra (Paseo Antonio Pérez Goyena nº 1 de Pamplona-Iruña).

Este encuentro, organizado por la Fundación Ars Incógnita en colaboración con la Ciudad de la Música y los departamentos de Composición, Musicología y Pedagogía del Conservatorio Superior, será presentado por Julio Escauriaza Director del Conservatorio Superior de Música de Navarra y estará moderado por Teresa Catalán, Compositora y Catedrática de Composicion en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Utilizando los medios audiovisuales de la sala, será presentada y comentada la Tercera Sonata Ambiental para órgano, recientemente estrenada e incluida en un disco monográfico que será publicado próximamente por la Fundación Ars Incógnita. Contaremos con la presencia de D. Raúl del Toro, organista y profesor del Conservatorio Superior de Música de Navarra, quien comentará la obra desde el punto de vista del intérprete.

La Fundación Ars Incógnita , pondrá a disposición del público un estudio sobre esta obra realizado por el autor junto con copias de las partituras que se proyectarán durante el evento. Además el propio autor presentará su actual sistema de composición que presentó recientemente en la conferencia-concierto homenaje celebrada el pasado mes de Noviembre en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, así como el disco monográfico Evocaciones publicado en 2006.
Formado sólidamente en Roma, Madrid, Barcelona y Valladolid, Goicoechea llegó a Pamplona en 1960 y su gran interés por la música de su tiempo, le puso en contacto con Cristobal Halfter y Fernando Remacha, que le animaron a conseguir una beca para participar en los cursos estivales Internationalen Ferienkurse für Neue Musik de Darmstadt donde estudia con Karlheinz Stockhausen y posteriormente en la Academia Chigiana en Siena, donde recibirá el magisterio de Franco Donatoni su principal maestro.

Estos encuentros sirvieron para revisar la incansable labor de investigación, interpretación y creación. Desde una gran plantalla de alta definición, se proyectará una selección de obras que comprenden el trabajo realizado por Goicoechea desde 1950 hasta nuestros días con la interesantísima aportación de los comentarios del autor.

ESTRENO DE LA OBRA “SUITE PARA TÍTERES” de Ignacio Fernández Galindo

ESTRENO DE LA OBRA “SUITE PARA TÍTERES” EN EL CICLO PAMPLONA ACCIÓN MUSICAL 2012, ORGANIZADO POR EL AYUNTAMIENTO DE PAMPLONA

HORA: Viernes 3 de febrero. 19.30 horas
LUGAR: Civivox Condestable

Original de Ignacio Fernández Galindo para trío de violín, acordeón y piano, inspirada en el cuento “Brunilda, el escarabajo y los tres hechizos” del propio autor. Duración aproximada: 18 minutos

PROGRAMA: Obras de Astor Piazzola, J.S. Bach, Gabriel Fauré, Eduardo Zudaire. Joaquín Taboada e Ignacio Fernández Galindo.

Nota del autor:
La obra se estructura en una suite, con su correspondiente sucesión de números o pasajes, de ahí el título SUITE PARA TÍTERES, pero las similitudes con la música escénica infantil son sólo aparentes. El relato utiliza recursos narrativos infantiles o de tradición oral pero están dirigidos a adultos. A pesar de que el viaje interior de la niña protagonista es extraño y duro, la música que acompaña las escenas es predominantemente tonal. En cuanto al relato, que estoy escribiendo a la vez que la música, lleva el título de BRUNILDA, EL ESCARABAJO Y LOS TRES HECHIZOS. El hilo argumental se aleja de clásicos como Esopo o La Fontaine y se acerca más a la narrativa contemporánea (el texto, una fábula al fin y al cabo, es un alegato contra la desigualdad y la falta de libertad dentro de un escenario irreal e imaginario)

En la partitura aparece citada expresamente la canción THAT OLD FEELING, compuesta en 1937 por Lew Brown (1893 – 1958) y Sammy Fain (1902 – 1989), un clásico que han versionado todos los grandes del jazz, desde Frank Sinatra hasta Ella Fitzgerald, y es uno de mis temas preferidos de los años 30 -tiene una belleza formal imposible de olvidar-. Sobre este tema se construye un arreglo que espero que haga justicia al material original. En este homenaje clásico hay solos muy sencillos, con acompañamientos muy austeros en los dúos hasta la recapitulación del tema con el trío final.

La obra se presenta únicamente con su interpretación musical, ya que el autor está actualmente trabajando en el texto literario del cuento. El método de trabajo ha sido inverso respecto a una adaptación tradicional, ya que el cuento se ha ido construyendo a la vez que la música.


Intérpretes:
Juan Cazcarra, acordeón. Huesca, 1991.
Estudios musicales en el Conservatorio Profesional de Música de Alcañiz, además de cursos de perfeccionamiento musical, de análisis musical y de perfeccionamiento de acordeón. En el verano de 2007 participa en el curso de acordeón organizado por La Escuela Internacional de Música de la Fundación Príncipe de Asturias(Oviedo). Ha participado y ha recibido premios en numerosos concursos como solista y en la categoría de Música de Cámara. Alumno del Conservatorio Superior de Navarra.
Irene García, violín. Logroño, 1991.
Estudios en el Conservatorio de Grado Profesional de La Rioja. En 2010 es seleccionada como violín titular de la Joven Orquesta de Euskadi y actúa como concertino-solista. En esemismo año obtiene una beca para tocar en la Orquesta Sinfónica de Euskadi y participa en diferentes abonos con los directores Andrés Orozco-Estrada, Andrey Boreyko y M. Michal Nesterowich. Es miembro de la Orquesta Sinfónica de La Rioja y colabora en varias orquesta juveniles. Alumna del Conservatorio Superior de Navarra.
Tania Loza, piano. Logroño, 1991.
Estudios en la Escuela de Música de Logroño y en el Conservatorio Profesional de Música de La Rioja. Ha participado en cursos de perfeccionamiento musical y ha recibido clases de orientación pianística. Actualmente estudia en el Conservatorio Superior de Música de Navarra ‘Pablo Sarasate’.

Autor:
Ignacio Fernández Galindo. Pamplona, 1973.
Licenciado en Ciencias de la Información y Ciencias Políticas. Profesor de Comunicación Audiovisual en CTL Escuela de Imagen y Sonido. Estudios iniciales en el Conservatorio Pablo Sarasate. Ha desarrollado proyectos educativos para la postproducción de sonido. Cofundador del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK, un grupo de estudio para la creación y difusión de música contemporánea en Navarra. Ha impartido cursos y seminarios sobre ambientación musical en producción audiovisual, propiedad intelectual y semiótica de la imagen.

CONCIERTO DE MARÍA SUBERVIOLA EN EL CICLO PAMPLONA ACCIÓN MUSICAL 2012

Martes 31 de enero

19:30 horas

Civivox Condestable

Nacida en Pamplona en 1985, inicia sus estudios musicales a la edad de 7 años en la escuela de música Joaquín Maya de Pamplona. Posteriormente continúa ampliando sus estudios pianísticos en el Conservatorio Profesional Pablo Sarasate de Pamplona con profesores como Alberto Urroz, Maite Ascunce y Jan Maarten van der Mark. En el Centro Superior de Música del País Vasco, Musikene, estudia con Marta Zabaleta y Miguel Borges Coelho. Aquí también realiza la especialización como Solista de Música Contemporánea como alumna de Daniel del Piano, graduándose en 2010.
En su actividad concertística destacan sus actuaciones en Musikene, Conservatorio Superior de Navarra, Teatro de Mendigorría, Plaza del Palau de Albaida (Valencia), Auditorio de Puigcerdà (Girona), Auditorio du Mesnil des Arts (Villereal, Francia), Auditorio del conservatorio de música Joaquín Maya, en el ciclo de Jóvenes Pianistas celebrado en el Auditorio de la Escuela de Música del Valle de Egüés, en la Casa de Cultura Alfonso X el Sabio de Guadarrama (Madrid) y el Museo Muñoz Sola de Tudela, Auditorio de Noain entre otros.
Desde 2009 es profesora en la Escuela Municipal de Música de Pamplona, Joaquín Maya.

CONCIERTO DE ENDIKA GUTIÉRREZ Y MARÍA VICTORIA JERICÓ DENTRO DEL CICLO PAMPLONA ACCIÓN MUSICAL 2012

Día: Jueves 26 de enero
Lugar Civivox Condestable, calle Mayor (Pamplona)
Hora: 19:30
Intérpretes: María Victoria Jericó y Endika Gutiérrez (violín y piano)

Mª Victoria Jericó, violín. Pamplona, 1987. Inicia estudios musicales en la Escuela de Música Joaquín Maya, cursa grado medio en el Conservatorio Profesional de Música Pablo Sarasate y termina estudios superiores en el Conservatorio Superior de Música del Liceo. Ha recibido clases magistrales de violín y música de Cámara y actualmente estudia violín con Tatiana Aleshinsky.

Endika Gutiérrez, piano. Madrid, 1976. Primer premio del IV Concurso de Música de Cámara Fernando Remacha del Conservatorio Pablo Sarasate de Pamplona, Medalla de Oro en el C.N.R de Bayona y Primer Premio del Conservatorio Superior de París, ejerce su labor pedagógica en el Conservatorio F. Remacha de Tudela como profesora repertorista.

Veli-Matti Puumala: "Chainsprings" (1997)

Veli-Matti Puumala (nacido en 1965 en Kaustinen, Finlandia), estudió composición con Paavo Heininen en la Academia Sibelius desde 1984 hasta 1993. También ha asistido a cursos en la escuela de verano de Darmstadt, Accademia Chigiana de Siena con Franco Donatoni y ha participado en clases magistrales a cargo de Klaus Huber, Gérard Grisey y Lindberg Magnus.
Desde 1989 imparte clases de teoría musical en la Academia Sibelius y composición desde el año 1997.
La música de Puumala se caracteriza por ser colorista,con abundancia de detalles, compartiendo afinidad con la complejidad modernista.

DESHIELO EN PAMPLONA El conocido multipercusionista Martin Grübinger se estrena junto a la Orquesta de Euskadi

Auditorio Baluarte,
Martes 17 de enero, 20:00
ORQUESTA SINFÓNICA DE EUSKADI
(6º programa de abono)

Andrés Orozco-Estrada, director
Martin Grubinger, percusión
Programa:
M. Finnissy: Zortziko (encargo OSE, estreno absoluto)
A. Dorman: Frozen in Time
J. Brahms: Sinfonía nº4

Tras un tibio recibimiento a la obra de Michael Finnissy que abría el programa (Zortziko, estreno dentro de Tesela Proiektua), llegó una obra espectacular, Frozen in Time, firmada por el joven compositor israelí Avner Dorman (Tel Aviv, 1974), concierto para percusión y orquesta que el propio autor ha definido como "instantáneas imaginarias del desarrollo geológico de la Tierra desde la prehistoria hasta nuestros días". En una fría, desapacible e invernal tarde en Iruña, el percusionista Michael Grübinger y la Sinfónica desplegaron una fuerza incontenible que logró la emoción hasta del espectador menos próximo a la estética contemporánea. Fue tal la espectacularidad de la obra que, tras el descanso, la magnífica Cuarta Sinfonía de Brahms quedó un tanto desvaída tras semejante estallido previo.

Con tan solo 36 años Avner Dorman se ha convertido en uno de los músicos más recono­cidos tanto en su Israel natal como en Estados Unidos. Dorman estudió en la Juilliard School con John Corigliano y se graduó en Música, Musicología y Física en la Universidad de Tel-Aviv, ciudad en la que también se formó junto al compositor Josef Bardanashvili. Becario en el Centro de Música de Tanglewood, ha sido compositor en residencia de la orquesta Came­rata de Israel entre 2001
y 2003. El catálogo de Dorman alcanza las cuarenta obras entre las que se cuentan composiciones orquestales como la Sinfonía Ellef (2000), Variations without a Theme (2001-03), estrenada por Zubin Mehta; piezas de cámara –dos cuartetos de cuerda (2003 y 2004), un trío para violín, violonchelo y piano (2002), una sonata para violín y piano (2004)– y pianísticas –Moments musicaux (2003) y tres sonatas (1999, 2000 y 2005)- y algunas piezas vocales de raíces judías –Nofim (1999), Boaz (2002)– y electroacústicas como Accord/Discord (1999) y Sudden Void (2001).
Pero donde Dorman ha cosechado algunos de sus mayores éxitos ha sido en el repertorio para solista y orquesta, que incluye conciertos para piano (1995), piccolo (2001), saxofón (2003), violín (2006), mandolina (2006), un Concerto grosso (2003) y tres partituras para percusión: Udacrep Akubrad (2003) y Spices, Perfumes, Toxins! (2006), ambas para 2 percusionistas, y el
concierto Frozen in Time (con más de 20 instrumentos de percusión a cargo del solis­ta). Compuesto en 2007 y estrenado el 2 de diciembre de ese año por Martin Grübinger y la Filarmónica de Hamburgo dirigida por Si­mone Young, Frozen in Time hace referencia, según su autor, “a instantáneas imaginarias del desarrollo geológico de la Tierra desde la prehistoria hasta nuestros días”.
Cada uno de sus tres movimientos imagina la música de un gran continente prehistórico en un momento determinado. En el primero, IndoAfrica, el tema principal se basa en los ciclos rítmicos (talas) y escalas del sur de la India mientras el segundo tema remite a algunas tradiciones de la músi­ca del África occidental. En EurAsia, que para Dorman representa “una exploración de los aspectos más oscuros del megacontinente”, el solista utiliza solo instrumentos de metal. Sus materiales melódicos “están inspirados por las Sicilianas de Mozart que aparecen en algunos de sus más íntimos y emotivos movimientos”. The Americas, sensiblemente más breve, es una “instantánea del presente” en forma de ron­dó que, en su amalgama de ritmos y estilos (de Broadway a la música grunge, del jazz al rock de Seattle, del tango al swing y al minimalismo), alude a la mezcla de culturas como elemento básico de la América moderna.

Una tarde inolvidable.

Friedrich Cerha: "Instants"

Friedrich Cerha(1926) es un compositor y director austriaco.
Recibió su educación en la Academia de Música de Viena y en la Universidad de Viena. En 1958, junto con Kurt Schwertsik , creó el grupo "Die Reihe", que fue un instrumento importante para la difusión de la música contemporánea en Austria.
La obra que nos ocupa "Instants" es una de sus últimas composiciones.
Esta obra para orquesta fue realizada entre los años 2006/2007.

HARRISON BIRTWISTLE: CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA (2010)

http://www.boosey.com/cr/news/Harrison-Birtwistle-reviews-of-new-violin-concerto/12260&LangID=1

EISLER EN EL RECUERDO: CATORCE MANERAS DE DESCRIBIR LA LLUVIA (1941)

En el año 1941, Hanns Eisler (Leipzig, 1898 - Berlín, 1962) compuso una obra interesantísima, suficiente por sí misma para reclamar la atención y el respeto que se merece este autor. Esta obra es el quinteto Vierzehn Arten den Regen zu beschreiben (Catorce maneras de describir la lluvia), basada en la música creada por el compositor para la película experimental LLUVIA (Regen, 1929) del realizador holandés Joris Ivens. Esta película, de la que extraemos un fragmento subido a You Tube, muestra imágenes de Amsterdam bajo la lluvia y cómo cambia su aspecto durante un espacio de tiempo. La forma del tema con variaciones del quinteto es muy sugerente para que los cambios en el paisaje urbano se asocien a la música. Y Eisler parte de una serie expuesta al comienzo que va modificándose, según sus palabras, va evolucionando desde el naturalismo más simple de una pintura detallada y sincrónica hasta los contrastes extremos en los que la música reflexiona más allá de la imagen. Esta misma cita podía haberla expuesto perfectamente otro pionero del cine: el realizador ruso Dziga Vertov (su película El hombre con la cámara, de 1922, es sorprendentemente actual)

Hay otro detalle que también ayuda a comprender la obra. Eisler la compone en 1941, cuando se encuentra lejos de Alemania, exiliado a la fuerza por el nazismo dado su compromiso político, el mismo que, curiosamente, también le obligó a abandonar Estados Unidos. La lluvia, en la película de Ivens, está asociada con la tristeza. Pero como siempre en Eisler, hay un lugar para la ironía y pensó en titularla en un principio Catorce maneras de estar triste con dignidad. Es ésta una auténtica obra maestra, poética y distante a la vez en lo expresivo, pero ciertamente dotada de un innegable poder de atracción y cuya perfección formal es ejemplo de un aventado discípulo de Schönberg.

Las reminiscencias schönbergianas aparecen también en la plantilla elegida para la obra, en una clara alusión al Pierrot Lunaire: flauta, clarinete, violín (en ocasiones viola), violonchelo y piano.

RESEÑA LITERARIA: MÚSICA AL LÍMITE de Edward W. Said

MÚSICA AL LÍMITE. Tres décadas de ensayos y artículos musicales
Prólogo de Daniel Barenboim
Edward W. Said (1935-2003)
Editorial DEBATE/RANDOM HOUSE MONDADORI
1ª edición: junio de 2010

La crítica musical adolece de un mal extendido como una epidemia: es difícil encontrar tras los juicios un verdadero respeto y amor por la música. Casi todas las puestas en escena, para estos rabís, se parecen asemejar a turbios intentos de mercaderes en el templo, que esquilman y profanan la más pura esencia de la música. Y lo más peligroso, está de moda. Es más sencillo asomar el colmillo por las comisuras de los labios que ejercer una guía personal y sincera para el lector/espectador.
Ese tipo de críticas no las vamos a encontrar en este delicioso volumen que presenta la editorial Debate, con el apoyo de la Fundación Barenboim-Said y la Junta de Andalucía.

MÚSICA AL LIMITE reúne lo mejor de tres décadas de ensayos de Said (nacido en Jerusalén en 1935 y fallecido en 2003) sobre música, aunque no exclusivamente. Cubriendo una gran variedad de compositores e intérpretes, Said analiza el contexto social y político de la música, y ofrece perspectivas ricas y a menudo sorprendentes. Reflexiona sobre la censura de Wagner en Israel; la relación entre música y feminismo; y las obras de Beethoven, Bruckner, Rossini, Schuman y Stravinski, entre otros.

Los capítulos dedicados a Glenn Gould destacan por un respeto cuasi religioso hacia el pianista canadiense, y aporta abundante documentación sobre los documentales que se han editado sobre el músico. Magníficos son también los retratos dedicados a Bach, por el que el autor palestino sentía auténtica veneración. También rescata a Wagner de las ideologías (aunque todo en él es ideológico), siempre con la conciencia de un firme defensor de la causa palestina que reclama el sentido independiente de la música frente a lecturas políticas. Y lo sabían muy bien, tanto él como Barenboim, cuando crearon conjuntos instrumentales con músicos judíos y palestinos. Siempre elocuente y profundo, y con frecuencia revelador, Música al límite refuerza la reputación de Said como uno de los intelectuales de referencia del siglo XX.

Reseñamos, en último lugar, un fragmento de uno de sus artículos, que sigue teniendo hoy tanto sentido como cuando lo escribió en abril del 2000:

La música, la más silenciosa de las artes, es también la más directamente conmovedora y expresiva, así como la más esotérica y difícil de analizar. En consecuencia, la música clásica occidental normalmente ocupa un lugar distinto en la valoración cultural que el cine, la pintura, la fotografía, y por supuesto, la literatura, moneda común en las conversaciones inteligentes. La musicología es una disciplina sumamente especializada; el "mundo de la música", con escasas excepciones como el caso de Pierre Boulez, se circunscribe a los negocios, el culto a las celebridades, actuaciones a bombo y platillo y un repertorio cada vez más exiguo de obras antiguas o de conservatorio. Los organizadores de la vida musical rehúyen por repugnantes la novedad y la originalidad: una nueva TRAVIATA es infinitamente preferible a una interpretación íntegra de SAINT FRANÇOIS D´ASSISE de Olivier Messiaen.

Suscribo. Agur. IFG

CHARLES DODGE: Viola Elegy (1987)

Charles Dodge (1942) es un compositor estadounidense conocido por ser uno de los principales innovadores en el campo emergente de la composición por ordenador.

Ex-alumno de Darius Milhaud y Gunther Schuller, ha creado algunas de las primeras obras meritorias en el campo de la música por ordenador, incluyendo El campo magnético de la Tierra (1970), que asigna los datos del campo magnético a los sonidos musicales, Canciones de voz, una obra de 1974 que utiliza el análisis y la re-síntesis de la voz humana, Las olas, voz y música por ordenador, etc.

La obra que nos ocupa Viola Elegy, es una composición de 1979 para viola y equipo informático.

MÚSICA INAUDITA, LA PRESENTACIÓN DEL CENTRO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA GARAIKIDEAK

MÚSICA INAUDITA. Ese es el título con el que el pasado jueves 24 de noviembre, en el Centro Huarte de Arte Contemporáneo, se presentó públicamente la primera producción del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK. Fue un concierto de música de cámara en el que participaronn once instrumentistas con obras para solistas, dúos y tríos en los que el nexo común era la interpretación de música creada especialmente para ese concierto por cinco autores. De ahí que su título, Música inaudita, aludiera al carácter excepcional del repertorio: nueve obras de estreno, nunca oídas (inauditas, en sentido literal), un hecho poco común dentro de las programaciones. Más de ciento veinte asistentes llenaron el auditorio del Centro Huarte.

Para la producción del concierto, durante varios meses se establecieron dos líneas de trabajo: en primer lugar, la distribución de intérpretes en solistas o conjuntos de cámara (entre dos y tres músicos por agrupación) de acuerdo con los autores, y en segundo lugar, la composición de nueve obras inéditas, de estética libre y contemporánea, que permitiera la participación de todos los miembros del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK.

Este concierto supone para el Centro su primer y más importante reto desde su fundación en enero de 2010, y además, con él se cumplieron varios de los fines fundacionales de GARAIKIDEAK, ya que a la difusión e interpretación de música contemporánea, se añade el desarrollar de forma colectiva, entre autores e intérpretes, el estudio de un lenguaje musical propio teniendo en cuenta las aportaciones de los intérpretes tanto a nivel técnico como estético.

Los intérpretes del concierto fueron: Endika Gutiérrez (piano), Javier Pérez (clarinete), Izaskun Yaben (piano), Miguel Rodríguez (trombón), María Suberviola (piano), Roberto Laita (trombón), Andoni Arcilla (tenor), Maider Irazabal (flauta), Xabi Olazabal (acordeón), Irene Villar (flauta) y Javier Arocena (acordeón) Los autores son cinco: Yolanda Campos, Urtzi Iraizoz (también instrumentista), Carlos Rodrigo, David Cantalejo e Ignacio Fdez. Galindo.

El programa del concierto MÚSICA INÉDITA estuvo integrado por nueve obras: Oroitzapenak (Javier Arocena, acordeón), Dedicatoria a Felisa Vicente (Javi Pérez, clarinete, y Endika Gutiérrez, piano), Libre energía (Endika Gutiérrez, piano), Bidaia Kahiera Buthan (basada en el poema de Kirmen Uribe), Orban, odol, zauri, basada en un poema del propio autor, Urtzi Iraizoz (Andoni Arcilla, tenor, e Izaskun Yaben, piano), 1428 de Elm Street (Javi Pérez, clarinete, e Izaskun Yaben, piano), Hiru Aipu (Urtzi Iraizoz, txistu), Sidus (Maider Irazabal, Flauta I; Irene Villar, Piccolo-Flauta II; y Xabi Olazabal, acordeón, los tres aparecen en la foto junto a la autora, Yolanda Campos) e Isocracia (burlesque), con Miguel Rodríguez, trombón I; Roberto Laita, trombón II; y María Superviola, piano)

Todas las obras forman ya parte del catálogo de la Biblioteca Virtual de Partituras del Centro, al que próximamente se podrá acceder libremente por Internet para su descarga legal y gratuita, siempre y cuando se cite la autoría de la obra y no tenga su interpretación o grabación uso comercial.

El Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK es una iniciativa cultural de carácter privado y sin ánimo de lucro que reúne ya a dieciséis músicos de Navarra, Euskadi y Aragón, y que tiene como objetivo crear, estrenar en concierto y difundir gratuitamente trabajos de composición dentro del campo de la música contemporánea. El Centro desarrolla su actividad de gestión de proyectos, reuniones y sesiones de grabación en las instalaciones de CTL Escuela de Imagen y Sonido, en Pamplona.

Son fines fundacionales del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK los siguientes:
 Difundir la música contemporánea y la producción musical relacionada con las creaciones actuales tanto dentro como fuera del ámbito académico.
 Fomentar el libre intercambio de ideas y el desarrollo de proyectos con compositores, intérpretes, musicólogos, estudiantes, aficionados e investigadores interesados en el campo de la creación musical.
 Crear una biblioteca musical de partituras propias con difusión pública, si así lo deciden sus autores, y favorecer el acceso gratuito a partituras de reciente creación dentro del marco legal de los derechos de autor.
 Promover iniciativas que permitan el estreno de obras de música contemporánea a través de conciertos o grabaciones.
 Asesorar en materia de propiedad intelectual a todas aquellas personas interesadas en la creación, interpretación o grabación de obras inéditas.
 Impulsar la producción discográfica dedicada a composiciones recientes de autores.
 Promover la creación en Navarra de un Centro para la Difusión de la Música Contemporánea
 Impulsar y fomentar lazos y colaboraciones con otras disciplinas artísticas y escénicas.
 Favorecer el contacto entre músicos e intérpretes a través de asociaciones con objetivos similares así como la libre difusión de estudios y trabajos especializados.
 Establecer contactos con instituciones culturales para la difusión de los fines del Centro

Barry Truax "Riverrun" (1986)

Barry Truax (1947) es un compositor canadiense especializado en las implementaciones en tiempo real de la síntesis granular, a menudo de sonidos grabados y paisajes sonoros. En 1986 desarrolló la primera implementación en tiempo real de la síntesis granular. Hizo la primera obra hecha con síntesis granular hecha con base en sonidos pregrabados, Wings of Nike en 1987 y fue el primer compositor en explorar el área entre la síntesis granular sincrónica y asincrónica en Riverrun, de 1986. La técnica en tiempo real sigue o enfatiza en las corrientes auditorías, que junto con los paisajes sonoros hacen parte importante de su estética. Truax enseña música electroacústica, música por computador y comunicación acústica en la Universidad Simon Fraser en Canadá. Fue uno de los miembros fundadores junto con Raymond Murray Schaffer del World Soundscape Project.

'Hilkorra ez banintz', el viaje de Andoni Arcilla por el jazz vocal en euskera

El músico, compositor y cantante navarro Andoni Arcilla ha presentado en Pamplona la que será una de las referencias del año en lo que al jazz vasco se refiere, Hilkorra ez banintz (Si no fuera mortal). El disco, editado por el sello Errabal, reúne diez composiciones de Arcilla marcadas a fuego por el jazz pero abrazadas a su vez por variados y coherentes matices que van desde el pop y el rock hasta el funk. Hasta aquí esto podría ser un trabajo de jazz al uso, pero la sorpresa, más que grata, llega cuando se descubre que estamos hablando de un compacto que vive bajo el epígrafe de jazz vocal y que, además, los textos que conforman las canciones tienen el euskera por lenguaje y la poesía por armazón. Toda una apuesta sin duda original pero, sin duda también, ejecutada y concebida con una sobresaliente calidad gracias al denominado como Andoni Arcilla Group, formación que ha grabado el álbum y que está integrada, además de por el músico navarro, por Jorge Abadías (guitarra), Kike Arza (contrabajo), Juanma Urriza Boli (batería) [...] Texto de Fernando Garayoa (Diario de Noticias)


La fotografía de este artículo corresponde al concierto MÚSICA INAUDITA del pasado 24 de noviembre organizado por el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK en el Centro Huarte, en la que vemos a Andoni Arcilla junto a la pianista Izaskun Yaben en la interpretación de una obra de Urtzi Iraizoz. Buena suerte, Andoni.


Más información en Diario de Noticias:
http://www.noticiasdenavarra.com/2011/12/03/ocio-y-cultura/39hilkorra-ez-banintz39-el-viaje-de-andoni-arcilla-por-el-jazz-vocal-en-euskera

MÚSICA INAUDITA, LA PRESENTACIÓN DEL CENTRO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA GARAIKIDEAK

Fotografía de grupo al término del concierto del pasado jueves 24 de noviembre en el Centro Huarte de Arte Contemporáneo.
Sobre el escenario, los quince autores e instrumentistas del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK.
Se estrenaron nueve obras de cámara para solistas, dúos y tríos, que fueron compuestas especialmente para esa presentación pública, de ahí el título MÚSICA INAUDITA. Ciento cincuenta personas asistieron al concierto. Dentro de unos días se podrán ver los vídeos del concierto en You Tube.

MÚSICA INAUDITA. AGRADECIMIENTOS

El concierto del pasado jueves 24 de noviembre fue posible gracias al trabajo voluntario y completamente desinteresado no sólo de todos los participantes del CmC GARAIKIDEAK, sino también del CENTRO HUARTE y de varias empresas y particulares que nos han ayudado en los últimos meses. Por esta razón, antes de publicar próximamente material gráfico sobre nuestra presentación, queremos agradecer su ayuda a los siguientes colaboradores:

- Javier Roncalés (Agencia de contenidos WILLCOM, por su magnífica campaña de difusión en prensa escrita y ediciones digitales de medios)

- Roberto Elizalde (CTL ESCUELA DE IMAGEN Y SONIDO, por hacer todo posible y mucho más. El apoyo de la Escuela es insustituible, por lo que cada vez tiene más valor si cabe)

- Adrián García (STUDIO DOOKU, por el impresionante reportaje fotográfico del concierto)

- Jesús Los Arcos (ESTUDIOS ARIÓN, siempre dispuesto a grabar nuestra música)

- Marta Mendía, por el diseño del cartel de Música Inédita.

- Txema Garbayo y Juan San Martín (601 PRODUCCIONES AUDIOVISUALES, por grabar y editar el vídeo del concierto y ayudarnos a comprimirlo para hacerlo accesible en internet)

- José Luis Pujol (ESTUDIO FOTOGRÁFICO JL PUJOL, por ayudarnos con la preparación del dossier de prensa previo al concierto)

- Celeste Pelegrini, por encargarse de uno de los equipos de vídeo del concierto.

- Eva Jiménez e Itziar Rodríguez, por ayudarnos con la sesión de fotos previa al concierto.

Por último, queremos agradecer su esfuerzo y paciencia a nuestras familias, parejas y amigos, por hacernos más fácil el esfuerzo invertido durante tanto tiempo. A todas/os, ESKERRIK ASKO.

CARTEL DEL CONCIERTO EN EL CENTRO HUARTE

Este es el cartel que nos ha diseñado Marta Mendía para el concierto del jueves 24 de noviembre en el Centro Huarte.

Nuestro agradecimiento a todas las personas que como Marta, de forma desinteresada y con un gran esfuerzo, nos han ayudado en estos últimos meses a llevar este proyecto adelante.

Agradecemos especialmente la confianza del Centro Huarte por creer que este proyecto colectivo tiene futuro.

Eskerrik asko.

Os esperamos en Huarte.

Knut Vaage: "Kyklop" for orchestra (2009)

Knut Vaage, nacido en 1961, vive en Bergen, donde trabaja como compositor. Se graduó como pianista y compositor de Griegakademiet en Bergen.
Vaage ha trabajado en diferentes estilos de música, a pesar de concentrarse en la música improvisada y contemporánea. Muchos de los proyectos Vaage han investigado los límites entre la improvisación y la música compuesta. Su música se ha realizado regularmente en conciertos y en festivales en Noruega y en el extranjero.
Con el trío JKL, Vaage fue una de los primeros exploradores de los límites entre la improvisación y la composición. La tensión creada entre los instrumentos acústicos y la electrónica es una parte importante de su estilo.
La propagación de la música contemporánea para un público más amplio constituye una parte importante de la actividad de la composición de Vaage. Ha participado en los dos proyectos de Conciertos Noruego Instituto "PreSens" y "BRYT Lydmuren", dirigido a niños y adolescentes, mientras que su concierto multimedia "Tid som Renn - Tid som FLYT" incluye piezas para coros y orquestas locales.
Knut Vaage ha servido como miembro del consejo del grupo de los compositores de Ny Musikk , la rama noruega de la ISCM y la Asociación Noruega de Compositores.

En "Kyklop" obra para orquesta, interpretada por la Bergen Filharmoniske Orkester, la orquesta es tratada como un campo de energía, un organismo en una lucha entre el caos y la atención concentrada a través de un punto focal.

MÚSICA INAUDITA. PRESENTACIÓN PÚBLICA DEL CENTRO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA GARAIKIDEAK

Kaixo compañeros.

Ya tenemos cerrado el concierto - presentación del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK.

Os enviamos información por si podeis venir el jueves 24 de noviembre a las 20:00 al Centro Huarte de Arte Contemporáneo.

Han sido seis meses de trabajo entre dieciocho músicos, entre autores e intérpretes, con el objetivo de estudiar y difundir música contemporánea de nueva creación. Esperamos que el esfuerzo haya merecido la pena.

Todas las obras que se presentan son inéditas, o como preferimos decir, inauditas, no escuchadas en sentido literal.

Música Inaudita

JUEVES 24 DE NOVIEMBRE, 20:00 h,
CENTRO HUARTE DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Concierto de música de cámara
con obras contemporáneas de estreno

INTÉRPRETES:
Endika Gutiérrez (piano), Javier Pérez (clarinete), Izaskun Yaben (piano),
Miguel Rodríguez (trombón), María Suberviola (piano), Roberto Laita (trombón), Andoni Arcilla (tenor),

Maider Irazabal (flauta), Xabi Olazabal (acordeón), Irene Villar (flauta), Javier Arocena (acordeón)

AUTORES:
Yolanda Campos, Urtzi Iraizoz, Carlos Rodrigo,
David Cantalejo e Ignacio Fdez. Galindo

PROGRAMA:
IGNACIO FDEZ. GALINDO Oroitzapenak
Acordeón
(Javier Arocena)

CARLOS RODRIGO Dedicatoria a Felisa Vicente
Clarinete y Piano
(Javi Pérez y Endika Gutiérrez)

CARLOS RODRIGO Libre energía
Piano
(Endika Gutiérrez)

URTZI IRAIZOZ “Bidaia Kahiera Buthan” (Kirmen Uribe)
eta “Orban, odol, zauri” (Urtzi Iraizoz)
Tenor y piano
(Andoni Arcilla e Izaskun Yaben)

DAVID CANTALEJO 1428 de Elm Street
Clarinete y Piano
(Javi Pérez, Izaskun Yaben)

URTZI IRAIZOZ Hiru Aipu
Txistu
(Urtzi Iraizoz)

YOLANDA CAMPOS Sidus
Flauta I, Flauta II, Acordeón
(Maider Irazabal, Irene Villar, Xabi Olazabal)

IGNACIO FDEZ. GALINDO Isocracia (burlesque)
Trombón I, II y Piano
(Miguel Rodríguez, Roberto Laita y María Suberviola)

Duración: 1 hora y 15 minutos aproximadamente.
Intérpretes: 12
Autores: 5
Obras: 7
Propiedad intelectual: Las obras han sido creadas para su difusión libre y gratuita en el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK, de manera que ninguna entidad de gestión de explotación de derechos, en aplicación de la Ley de Propiedad Intelectual (23/2006, de 7 de julio, y RDL 1/1996, de 12 de abril), puede recaudar, gravar económicamente o utilizar dichas obras para un uso diferente del expresado en los estatutos del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK, como es la difusión libre, gratuita y sin ánimo de lucro.

Fotografía tras una reunión de GARAIKIDEAK. Por cortesía de José Luis Pujol, Eva Jiménez e Itziar Rodríguez.
Aparecen en la foto, de izda. a dcha., de pie, Miguel Rodríguez (trombón), Ignacio Fdez. Galindo (autor)
y María Suberviola (piano); sentados, Irene Villar (flauta) y Javier Arocena (acordeón)

CONFERENCIA-ENTREVISTA DE J.M. GOICOECHEA

El próximo jueves, 20 de octubre, a las 18'30 horas, en el salón de actos del Departamento de Cultura y Turismo (Navarrería, 16, junto a la Catedral de Pamplona), tendrá lugar una conferencia-entrevista dedicada a la figura de José María Goicoechea Aizcorbe: compositor, docente, y organista, figura de gran interés tanto por sus experiencias como alumno de Fernando Remacha, así como en los cursos de Darmstaad y Siena, donde trabajó con autores como Karlheinz Stokhausen y Franco Donatoni. No merece menos atención su trabajo en el terreno docente, en especial la creación de la escolanía "Niños cantores de Navarra", que supuso un terreno de formación a nivel europeo para sus componentes, muchos de los cuales han continuado con su labor musical en amplios y diversos ámbitos. No hay que olvidar la faceta de organista de Goicoechea, bajo la cual ha dado interesantes frutos, en los últimos años, en forma de composiciones para órgano, como sus tres sonatas ambientales, sus "momentos litúrgicos" o su exigente "tanteo, poema y final". En la conferencia -entrevista del jueves se intentará desgranar, a través del propio autor, esta trayectoria vital que ha sido testigo de gran parte de la historia musical del siglo XX. Como introductores al tema contaremos con Javier Ecay y Raúl del Toro, con JL Echechipía como moderador, aunque la intención es fomentar un intercambio abierto de impresiones entre todos los asistentes que lo deseen. El acto se enmarca en el XXVII ciclo "Música para órgano en Navarra".

HOMENAJE A J.M. GOICOECHEA

Ayer fue uno de esos días excepcionales en los que música contemporánea, público e intérpretes se unieron de forma significativa en Pamplona. La iglesia de San Nicolás acogió durante noventa minutos un concierto de homenaje al sacerdote José María Goicoechea Aizcorbe, compositor, organista, director de coro y pensador navarro, nacido en Bera en 1924. La Fundación Ars Incógnita, creada por Javier Ecay, fue la impulsora del proyecto, así como de la grabación de varias de las piezas del autor navarro y de un documental sobre su figura y obra.

En la cita participaron varios grupos y solistas, comenzando por el Quinteto de Viento Pablo Sorozábal, que protagonizó el estreno absoluto de Adialogías, de Goicoechea, e interpretó el Soliloquio para un clarinete, publicado por Ars Incógnita. También se produjo el estreno de Ave María, compuesta en 2011 y dedicada por el compositor a la soprano Cristina Sevillano, que interpretó la obra en Pamplona con el acompañamiento del organista Raúl del Toro. Éste, a su vez, tocó dos piezas muy distanciadas en el tiempo. La primera, los Preludios Litúrgicos, fue compuesta por Goicoechea a su llegada a Pamplona, entre 1962 y 1964, y la segunda, Tercera Sonata Ambiental, creada en 2007. Por su parte, la Coral de Cámara de Navarra, que acaba de nombrar socio de honor a Goicoechea, abordó varios de sus temas vocales, como Bendigo tu presencia (Adoro te devote), Velando estaban (Villancico según Lucas) y Arga.

El concierto fue grabado en audio en un sistema multipistas y en vídeo a varias cámaras. La grabación final podrá verse en el canal Vimeo de la Fundación Ars Incógnita y el audio se cederá a Radio Nacional de España para conformar, posteriormente, un disco con grabaciones en vivo del padre Goicoechea.

Enhorabuena a Javier Ecay por su apuesta decidida con la Fundación Ars Incognita. Le agradecemos públicamente su esfuerzo. Cientos de personas hemos podido disfrutar de todos los proyectos de divulgación sobre Fernando Remacha, Teresa Catalán, J.M. Goicoechea o Agustín González Acilu (el documental Silencio, Tiempo, Memoria es apasionante). Gracias a personas como Ecay, Larrañaga o Civera nuestra vida musical y cultural en Navarra es mucho más rica. Eskerrik asko.

II Circuito de Música Contemporánea "Musikagileak"

La Asociación de Compositores Vasco - Navarros organiza la segunda edición del Circuito de Música Contemporánea Musikagileak que tendrá lugar del 27 de septiembre al 26 de octubre de 2011.

El Circuito, que contará con la participación de Daniel Oyarzabal, Laboratorio Klem, Alfonso Gómez, Sigma Project, Quintento Bortz, Ensemble Kuraia, Bertrand Chavarria y Musikuvie, mantiene los objetivos con los que nació este nuevo recurso de difusión:

 Generar apoyos a la creación de la música contemporánea.
 Facilitar al público en general el acceso a nuevas experiencias artísiticas.
 Favorecer la captación de nuevos públicos.
 Introducir la “habitualidad” en la escucha como un elemento relevante.
 Apoyar el trabajo de las agrupaciones profesionales del País Vasco que se dedican a la interpretación de la música contemporánea, mediante la difusión de sus programas fuera de los eventos a los que inicialmente han podido estar dirigidos.

Sin embargo hay algunas novedades de relevancia que deben ser reseñadas:

 La incorporación de Pamplona al conjunto de las ciudades en las que se ofrecerán los conciertos.
 El incremento del número de conciertos que pasan de seis a ocho.
 La puesta en marcha de lo que denominaremos “Diálogos sobre la creación” que supondrá un espacio de encuentro entre los creadores y el público a través del cual se facilitarán mecanismos de comprensión y acercamiento a las obras que se van a interpretar.

PROGRAMA
II Circuito de Música Contemporánea “Musikagileak”
(Donostia-San Sebastián / Bilbao / Vitoria-Gasteiz / Pamplona-Iruña
Del 27 de septiembre al 26 de octubre de 2011 • 2011eko irailak 27tik urriak 26ra)

1 Daniel Oyarzabal
Irailak 27 Septiembre
Asteartea / Martes
20:00 Donostia-San Sebastián

2 Laboratorio Klem
Irailak 29 Septiembre
Osteguna / Jueves
20:00 Donostia-San Sebastián

3 Alfonso Gómez
Urriak 4 Octubre
Asteartea / Martes
20:00 Bilbao

4 Sigma Project
Urriak 6 Octubre
Osteguna / Jueves
20:30 Bilbao

5 Quinteto Bortz
Urriak 18 Octubre
Asteartea / Martes
20:00 Vitoria • Gasteiz

6 Ensemble Kuraia
Urriak 20 Octubre
Osteguna / Jueves
20:00 Vitoria • Gasteiz

7 Bertrand Chavarria
Urriak 25 Octubre
Asteartea / Martes
19:30 Pamplona • Iruña

8 Musikusvie
Urriak 26 Octubre
Asteazkena / Miércoles
20:00 Pamplona • Iruña

LOS ESCARABAJOS DE DURRELL (V) Apuntes para una estética de la postmodernidad: LA FRAGMENTACIÓN DEL SUJETO

¿Qué es lo que le deleita cuando escucha música? ¿Qué le hace optimista y libre? ¿Es el mundo menos complicado si usted lo construye eludiendo ese tema? ¿Hay alguna explicación que pueda derivarse de su visión del universo como una interacción de fuerzas mecánicas? ¿Qué es fuerza, energía? ¿Quién realiza esa acción? Usted cree en la “conservación de la energía”, en la indestructibilidad de la materia. ¿No es eso también inmortalidad? Carta de Gustav Mahler a Max Kalbeck, fechada el 22 de junio de 1901 en Maiermigg am Wörthersee, la residencia estival del compositor.

Siguiendo por este recorrido subjetivo por la postmodernidad, completamente cuestionable y rebatible, y afortunadamente dirigido hacia vendedores de sortilegios y cínicos de pose, llegamos al camposanto: la defunción alcanza a todos los participantes (muerte del sujeto, muerte de la historia, muerte del narrador, muerte de la razón, muerte del autor, muerte de los metarrelatos…) Muerte, en definitiva, de todos los elementos o indicadores que utilizamos para el análisis de una obra musical, una escultura o un acto de creación a través de las artes plásticas y la literatura. El sujeto, arrastrado y sometido a los embates de la adversidad, más aparente que manifiesta, es el símbolo de la Ilustración, del humanismo, lo que no deja de ser una abstracción, valiente, pero abstracción. Este postulado omnipresente que hace del hombre el valor supremo, definido por su conciencia y libertad, como logro ulterior de la voluntad, se revela dentro del pensamiento postmoderno como una muestra del ejercicio de nuevas relaciones de poder/dominación donde el hombre se oculta tras una máscara (el filósofo Gianni Vattimo tiene acertadas ideas al respecto) de disciplina, orden y desigualdad. Siempre desigualdad.

La deconstrucción (Derrida mediante) sistemática del sujeto es uno de los aspectos más provocadores de la postmodernidad. Aquí se concede preeminencia a las estructuras, sistemas y códigos (la metodología entra en curiosa connivencia con el estructuralismo y postestructuralismo) Inciso: llegados a este punto, en el que tangencialmente llegamos al formalismo y a la teoría del signo, relaciono inevitablemente a dos genios, contemporáneos y de la Costa Este: un compositor, Charles Ives, y un filósofo, Charles Sanders Peirce. Cierro inciso. El sujeto queda excluido. La eliminación del sujeto es la eliminación de las categorías centrales de la epistemología moderna (causalidad, representación, semanticidad, intertextualidad, semiótica)

Recordemos a Foucault: Actualmente sólo se puede pensar en el vacío del hombre desaparecido. Pues este vacío no profundiza una carencia; no prescribe una laguna que haya que llenar. No es nada más, ni nada menos, que el despliegue de un espacio en el que, por fin, es posible pensar de nuevo.

La crisis del sujeto implica abordar una crisis moderna: el derribo del sujeto trascendental kantiano y la reordenación de la subjetividad. La tríada, como un acorde, es identidad-verdad-poder. Siento repetir viejas ideas, pero la 4º sinfonía de Shostakovich es lacerante e implacable, como un amargo relato de Bulgakov. También aquí el sujeto, agónico diría Unamuno, es arrastrado por el colectivo, los valores supremos, ora vanguardia revolucionaria, ora sujeto histórico. Shostakovich no estaba solo en su celo: Ajmatova, Maiakovsky, Tsvetaeva, Mandelstam, Pasternak… Sujetos en la taiga, como Gogol.

El sujeto es la clave del humanismo, de la narrativa logocéntrica: el hombre es el agente racional que domina y explota la naturaleza, que organiza artificialmente la sociedad y el Estado…., dejando tras de sí dominación, explotación e injusticia. Ese hombre derribado encuentra su sustituto en un sistema ordenado de valores difícilmente defendible pero económicamente provechoso. Shostakovich canta a los muertos de Babi Yar sobre poemas de Yevtushenko en su sinfonía nº 13, pero también a la repoblación forestal de las estepas en su Op. 81. Henze une música y política. ¿Funcionalismo? ¿Realismo? La música no es ajena al debate (o no debería serlo)

La fragmentación del sujeto -difunto ya, amortajado tal vez- surge como elemento central de este proceso. Sus compañeros de viaje serán la incoherencia, la falta de ética y la superficialidad. ¿Reivindicamos al sujeto creador? ¿Reivindicamos el lucro? ¿Debatimos sobre la música contemporánea en la sociedad de consumo? ¿Cómo distinguimos acertadamente lo real de lo que no lo es? Lipovesky, en su obra La era del vacío, subraya el surgimiento de un nuevo proceso de personalización donde desaparece el sujeto pero se mantiene el individuo. El imperativo narcisista y superficial sustituye al imperativo categórico.

En el contexto del capitalismo avanzado (también llamado tardío por unos, y postindustrial por otros) hay un concepto que adquiere cualidades casi mágicas, como si fuese un elemento de los cuentos rusos analizados por Propp. Es la identidad, que se acredita como elemento diferenciador, ya sea identidad profesional, sexual, cultural, de clase… Sin embargo, las identidades no son fijas ni reducibles. Se están redefiniendo continuamente. Este hecho nos lleva a otros dos: PRIMERO.- El yo es siempre una construcción relacional, es decir, que la identidad sólo puede ser articulada dentro de una relación con el “otro”, con las características y acciones de los demás (alter-alteridad, cambiar la propia perspectiva por la del otro) SEGUNDO.- La identidad tiene una naturaleza contingente y una dimensión abierta, lo que conduce a una indeterminación y una ambigüedad casi justificable.

La sociedad del presente se presenta en muchas ocasiones más envejecida incluso que los viejos esteticismos que pretende/dice demoler. Ni la superficialidad ni el cinismo facilitan las cosas… Terminamos con Mahler. Como en un epitafio. Concretamente con un texto de su ciclo Des Knaben Wunderhorn. Dice así. El cuco ha caído en brazos de la muerte sobre un sauce verde./ ¡El cuco está muerto!/ ¡Ha caído en manos de la muerte!/ ¿Quién entonces nos ha de confortar/ en el tiempo de largo verano? […]

NAVARRA QUARTET: CUARTETOS 1-3 DE PETERIS VASKS

Interesante vídeo promocional de la discográfica Challenge Records sobre la grabación en 2010 de los cuartetos nº 1, nº 2 y nº 3 del compositor Peteris Vasks, que también los dirige. Navarra String Quartet es una formación británica integrada por Magnus Johnston (violín), Marije Ploemacher (violín), Nathaniel Boyd (cello) y Simone van der Giessen (viola) El cuarteto fue creado en 2002. En Spotify se encuentra la grabación completa de Challenge Records sobre las composiciones de Vasks. No se trata de una broma; el nombre del cuarteto es real. La elección habrá obedecido a alguna razón (¿referencias shakespearianas?)

RECORDANDO A ALLAN PETTERSSON

Es de sobra conocida la devoción/predilección que tenemos en Garaikideak por Dimitri Shostakovich. Sin embargo, hay otro gran sinfonista, infinitamente menos conocido por el gran público que el genio de San Petersburgo, del que se cumplen ahora cien años de su nacimiento. Estamos refiriéndonos al compositor sueco Gustav Allan Pettersson (1911-1980) Es sorprendente que incluso en algunas de las doctas monografías sobre la música del siglo XX (ahorramos la cita) hay un injusto silencio sobre su extensa y pródiga obra. Baste aquí nuestra admiración y tributo hacia un autor por (re)descubrir.

DAN WELCHER: THE YELLOW WALLPAPER (Ópera en siete escenas, 2010)

Aunque The Yellow Wallpaper no era su primera obra ni la más extensa, este cuento es sin duda la obra más famosa de la autora Charlotte Perkins Gilman (1865-1935). La escribió entre el 6 y el 7 de junio de 1890 en su casa de Pasadena, y fue impresa un año y medio después en el número de enero de 1892 de The New England Magazine.

El relato narra la historia de una mujer que sufre enfermedad mental después de estar dos meses atrapada dentro de casa mirando al mismo repugnante empapelado amarillo. Gilman escribió esta historia para cambiar la opinión de la gente sobre el papel de la mujer en la sociedad, ilustrando cómo la falta de autonomía de las mujeres iba en detrimento de su salud mental, emocional e incluso física. La narradora de la historia debe hacer lo que su esposo y su doctor le exigen, aunque el tratamiento que prescriben contrasta directamente con lo que ella de verdad necesita: estimulación mental y libertad de escapar a la monotonía de la habitación en la que se encuentra confinada. The Yellow Wallpaper era esencialmente una respuesta al médico que había intentado curarla de su depresión a través de una «cura de descanso», el doctor S. Weir Mitchell, y ella le envió una copia de la historia.

Esta narración de Charlotte Perkins Gilman ha inspirado al compositor Dan Welcher la obra del mismo título como ópera en siete escenas. Incluimos el vídeo promocional de la obra, y recomendamos la lectura del texto original de Perkins Gilman.

Mahler para todos

El viernes 2 de Septiembre, a las 20.00 h os esperamos en la Capilla del Museo de Pamplona.
Un conjunto instrumental de La Orquesta Sinfónica de Navarra interpretará orquestaciones de lieder de Mahler de tres de los integrantes de Garaikideak (Yolanda Campos, Carlos Machuca y Carlos Rodrigo).

Estáis todos invitados!!!

GIDEON KLEIN (1919-1945) IN MEMORIAM

La trágica muerte de Gideon Klein fue una de las pérdidas más profundas para la música checa en los terribles años de la Segunda Guerra Mundial. Nacido en el seno de una familia judía, Klein demostró tempranamente un inusual talento musical y a los once años comenzó a estudiar piano con Ruzena Kurzova. La formación la continuó en el Conservatorio de Praga en 1938. Sus estudios universitarios, así como las lecciones de composición con Alois Haba, quedaron inconclusos con el cierre de las universidades checas en noviembre de 1939.

Para entonces varias obras suyas ya se habían interpretado y tales composiciones, muchas de ellas descubiertas en la década de 1990, revelaron una intensa búsqueda de un idioma personal explorando incluso en microintervalos y en la tonalidad libre. En diciembre de 1941 fue enviado al recién establecido ghetto de Terezin. Allí permaneció tres años y se convirtió en una de las principales personalidades artísticas, colaborando musicalmente con colegas como Karel Ancerl, Rafael Schachter, Hans Krasa, Viktor Ullmann, Pavel Haas, Karel Berman y otros.

En aquellas difíciles condiciones Klein compuso varias obras, incluyendo una sonata para piano, un trío para cuerdas, cuartetos y partituras corales, que fueron encontradas por casualidad muchos años después. A finales de 1944 Klein fue trasladado a Auschwitz y luego al campo de concentración de Furstengrube, donde falleció bajo circunstancias poco claras en el umbral de su liberación.
In memoriam

Søren Nils Eichberg: CONCIERTO PARA VIOLÍN "QILAATERSORNEQ" (2001)

Eichberg, nacido en 1973 en Stuttgart, Alemania, se crió en Dinamarca y actualmente vive y trabaja en Berlín. Estudió piano y dirección de orquesta en Copenhague y Colonia, y su prestigio como compositor le llegó al ganar el Concurso Reina Elisabeth de Bélgica en 2001. Sus obras se han estrenado en la mayoría de los países europeos, así como en Japón, China, Corea, Australia y EE.UU.

Eichberg ha estrenado obras con Ensemble Modern, Hilary Hahn, Mahler Chamber Orchestra, Orquesta Sinfónica de la Radio de Saarbrücken, la Casa de la Opera de Münster y el Teatro de Stendal, Odense Symphony Orchestra, Filarmónica de Nordwestdeutsche, el Festival Internacional de Bergen, en Noruega, en el Concurso Internacional de Piano Ferruccio Busoni, o en el Concurso Internacional ARD Music.

Su producción desde el año 2001 incluye más de 30 obras, entre otras, dos sinfonías (2005 y 2010), obras para cello, piano y dos conciertos para violín (uno de ellos es el que aquí presentamos: Qilaatersorneq, 2001), una ópera (Grete Minde, 2009), así como obras para solista y conjuntos de cámara.