CMC Garaikideak: diciembre 2010

martes, 21 de diciembre de 2010

LISTA DE AUDICIONES (IV). Autores para más de un siglo (1908 - 2010)

Seguimos con la lista de quinientas audiciones de quinientos autores para entender con humildad y respeto lo que han aportado grandes compositores durante los últimos ciento doce años. Casi todas las audiciones están disponibles en Spotify, en los podcast de rne.es y en decenas de enlaces.

RAMON LAZKANO (n. 1968) Aztarnak (2000)
BRETT DEAN (n. 1961) Pastoral Symphony (2000)
VICTORIA BORISOVA-OLLAS (n. 1969) Angelus for symphony orchestra (2008)
CHARLES WUORINEN (n. 1938) Saxophone Quartet (1992)
ROBERT STARER (1921-2001) Hudson Valley Suite
ANDERS NILSSON (n. 1954) Concerto Grosso I (2000)
PAUL TORTELIER (1914-1990) Doble concierto para dos cellos
EUGÈNE BOZZA (1905-1991) Image, Op. 38
FLORENT SCHMITT (1870-1958) Sinfonía nº 2 (1936)
WAYNE BARLOW (1912-1996) The Winter´s Passed
JACQUES IBERT (1890-1962) Concertino Da Camera
ALBERT ROUSSEL (1869-1937) Sinfonía nº 3, Op. 42 (1930)
ARTHUR HOERÉE (1897-1986) Septuor Op. 3 (1923)
FINN MORTENSEN (1922-1983) Wind Quintet, Op. 4
EGIL HOVLAND (n. 1924) Concierto para trombón, Op. 76 (1972)
VAGN GYLDING HOLMBOE (1909-1996) Sinfonía nº 10, Op. 105 (1972)
IB NORHOLM (n. 1931) Concierto para violín, Op. 60 (1974)
HERMAN D. KOPPEL (1908-1998) Concierto para cello, Op. 56
BENT LORENTZEN (n. 1935) El lobo estepario (1999)
OTTO KEMPLERER Sinfonía nº 1 (1960)
JUAN MANUEL RUIZ Nébula (2006)
PHILIP CASHIAN (n. 1963) Chamber Concerto (1995)
SIMON HOLT (n. 1958) Lilith (1990)
CHRISTOPHER FOX (N. 1955) llik.rellik
FRANCIS BURT (n. 1926) The Golem (ballet, 1965)
AVRIL ANDERSON (n. 1953) A story untold
JAMES WOOD (n. 1953) Two men meet […] (1995)
HARRISON BIRTWISTLE (n. 1934) The Minotaur (ópera, 2008)
JAMES DILLON (N. 1950) Philomela (ópera, 2004)
RICHARD BARRET (n. 1959) Dark matter (1990-2003)
BRIAN ELIAS (n. 1948) The House that Jack Built (2001)
URMAS SISASK (n. 1960) Gloria Patri (1988)
VELJO TORMIS (n. 1930) Raua needmine (1972)
RIHARDS DUBRA (n. 1964) Te Deum (2003)
ERIKS ESENVALDS (n. 1977) Joseph Is a Fruitful Bough (2007)
GUY REIBEL (n. 1936) Le jeu vocal (2006)
VLADIMIR SOMMER (1921 – 1997) Concierto para violín (1950)
EMIL FRANTISEK BURIAN (1904 – 1959) Cuarteto de cuerda nº 4, Op. 95
JAN HANUS (1915 – 2004) Sinfonía nº 7, op. 116 (1989)
GEORGE ROCHBERG (1918 – 2005) Sinfonía nº 5 (1984/85)

domingo, 12 de diciembre de 2010

TAN DUN EN MADRID

El compositor chino Tan Dun ha ofrecido hoy domingo un concierto dirigiendo a la Orquesta Nacional de España con la soberbia obra HÉROE, (Sinfonía Heroica), compuesta a partir de la banda sonora de la película con el mismo título dirigida por Zhang Yimou en 2002. En el Auditorio Nacional se han proyectado imágenes del film durante la interpretación (más información en rne.es y rtve.es)

En las composiciones de Tan Dun se encuentran varias series distintas que reflejan sus conceptos propios de composición, además de sus ideales personales. Entre ellas se encuentran el ciclo Orchestral Theatre (Teatro Orquestado), que retrata sus recuerdos del ritual chamanístico a las funciones sinfónicas, como The Gate (La puerta), la cual fue estrenada por la Orquesta Sinfónica de NHK, dirigida por Charles Dutoit; Organic Music (Música Orgánica), que consiste en obras que incluyen elementos del mundo natural, como el Water Concerto (Concierto de Agua), encargada y estrenada por la Filarmónica de Nueva York con Kurt Masur, y Paper Concerto for Paper Percussion and Orchestra (Concierto de Papel para percusión de papel y orquesta) para la Filarmónica de Los Angeles y Esa - Pekka Salonen para la apertura de la sala de conciertos del Walt Disney (Concert Hall) en octubre de 2003; y Multimedia & Orchestra (Multimedia y Orquesta), incluyendo el trabajo simbólico The Map: Concerto for Cello, Video and Orchestra (El Mapa: concierto para violonchelo, video y orquesta) estrenado por la Orquesta Sinfónica de Boston y Yo- Yo Ma con Tan Dun dirigiendo.

La ópera ha tenido una importancia significativa en la producción creativa de Tan Dun durante la última década. Marco Polo (1995-96), escrita sobre un libreto de Paul Griffiths, tuvo tres producciones diferentes y ha sido puesta en escena en más de veinte ciudades del mundo. Peony Pavilion (Tienda de Peonías) (1998), basada en un texto de Tang Xianzu (1598), y dirigida por Peter Sellars, ha tenido más de cincuenta representaciones en festivales importantes de Viena, París, Londres y Roma. Tea (2002) con libreto de Xu Ying y Tan Dun, musicalizada para instrumentos de cerámica, piedra y papel con orquesta, se estrenó en Suntory Hall de Japón con la Ópera Holandesa bajo la dirección de Pierre Audi. Otras obras importantes incluyen: Water Passion after St. Matthew (Pasión de Agua Según San Mateo), para la Internationale Bachakadamie en Stuttgart, conmemorando el aniversario de la muerte de Bach; Eight Memories in Watercolor (Ocho Recuerdos en Acuarelas), ejecutada internacionalmente por el pianista Lang Lang; la partitura ganadora del premio Oscar para el largometraje de Ang Lee Crouching Tiger, Hidden Dragon (Tigre y Dragón, 2000); y la Ghost Opera (Ópera Fantasma), llevada a todo el mundo por el Cuarteto Kronos.

Os proponemos este vídeo con una interpretación de su Concierto para Zheng y orquesta de cuerda, con la intérprete Yuan Li al Zheng, y el propio Tan Dun al frente de la Orquesta Sinfónica de Colonia.

viernes, 3 de diciembre de 2010

Revista "En el límite - Escritos sobre Arte y Tecnología"

Desde Argentina nos llega este interesante proyecto,una iniciativa de Rául Minsburg y el Centro en Estudios y Producción Sonora y Audiovisual de la Universidad Nacional de Lanús.

La publicación de la revista es anual. Cada número tendrá un tema que será abordado por los distintos autores desde diferentes perspectivas. En el caso de este primer número el tema es "Percepción y recepción audiovisual, sonora y de música a base de sonidos"
Además de artículos originales en castellano, se traducen artículos originales del inglés al castellano con el fin de ampliar la bibliografía disponible en nuestra lengua. Este primer número está hecho en convenio con el MTI (Music, Technology and Innovation Centre) de la De Monfort University de Inglaterra.Para este primer número se han traducido cuatro artículos de compositores e investigadores de renombre internacional como Leigh Landy, Simon Emmerson y John Young.
La publicación está disponible en dos formatos: papel y electrónico. Se puede descargar completa o por artículos desde este link http://www.unla.edu.ar/public/en_el_Limite/index.php con una simple inscripción previa.

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LA AUTORA DEL MES: MELINDA WAGNER

Nacida en Filadelfia en 1957, Melinda Wagner es una de las compositoras contemporáneas con mayor proyección internacional. Su colorido "Concierto para flauta, cuerdas y percusión", encargado por Pablo Alegre Dunkel y la Filarmónica de Westchester, fue galardonado con el Premio Pulitzer 1999. Desde entonces, ha escrito el "Concierto para trombón", interpretado por Joseph Alessi y la Filarmónica de Nueva York con dirección de Lorin Maazel, y un concierto para piano, "Las extremidades del cielo", por encargo de la Orquesta Sinfónica de Chicago por Emanuel Ax, que también lo ha interpretado con la Orquesta Sinfónica Nacional. Además de "Las extremidades del cielo" (2002),estrenada por Daniel Barenboim, la Orquesta Sinfónica de Chicago le encargó en 1992 la obra "Falling Angels", y ahora le ha encargado un próximo trabajo para la temporada 2011-12. Otras obras de la autora: "Arabesque" para guitarra (1999), compuesta para el 70º cumpleaños de George Crumb; "Pícaro" para conjunto de viento (2008), Quinteto de metales nº 1 (2000), Concertino para clave y quinteto de cuerda (2005), "Tintinnabulum" para piano (1999) y Sexteto (1998), que se puede escuchar gratuitamente a través de SPOTIFY en un cuádruple CD editado por la Society For the New Music en 2004 con la discográfica INNOVA y que recomendamos especialmente desde este blog de GARAIKIDEAK. El título del album es: AMERICAN MASTERS FOR THE 21 ST. CENTURY.

Los imprescindibles

VANGH HOLMBOE (1909-1996) Cuarteto nº 4 (1952-1953)
TOMÁS MARCO Sinfonía nº 7 "Comoedia Millenni" (2005)
JESUS RAFAEL MORALES Designios de la imposibilidad (2008)
SAMUEL ADLER (n. 1928) Concierto para piano nº 3 (2003)
NIKOLAI OBUJHOV (1892-1954) Siete preludios "Plegarias"
ALFREDO ARACIL (n. 1954) Paisaje invisible (1999)
LEIF KAYSER (1919-2001) Sinfonía nº 4 (1945-1963)
MARK ANDRE ...als...II (2001, clarinete bajo, violoncello, piano e instrumentos electrónicos)
GEORGES APERGHIS Crosswind (1997, viola y cuarteto de saxofones)
GÉRARD GRISEY Quatre chants pour franchir le seuil (1997 - 1998)
MANUEL HIDALGO Cuarteto de cuerda nº 2 (1993-1994)
WOLFGANG MITTERER Coloured Noise (Brachialsymphonie für 23 musiker und electronics, 2006)
ELENA MENDOZA Nebelsplitter (2008, para piano, violín, viola y violoncello)
ALBERTO POSADAS Liturgia fractal (2003-2007, para cuarteto de cuerda)
JOSÉ M. SÁNCHEZ-VERDÚ Paisajes del placer y de la culpa (2003)
KAIJA SAARIAHO Petals (1988)
SALVATORE SCIARRINO Luci mie traditrici (Opera in due atti, 2001)
HANS ZENDER Shir Hashirim (2006)
JOSÉ MANUEL LÓPEZ LÓPEZ Concierto para violín y orquesta (1995)
HECTOR PARRA Hypermusic Prologue (2008-2009), A projektive opera in seven planes
BRIAN FERNEYHOUGH Terrain (1992)
BEAT FURRER Cuarteto de cuerda nº 3 (2010)
PETER ABLINGER Voices and Piano (2009)
JESUS TORRES Manantial de luz (2007)
RAMÓN LAZKANO Hauskor (2006), para ocho cellos y orchesta
SOFIA GUBAIDULINA Die Leier des Orpheus (la lira de Orfeo) para violin, percusión y cuerda (2006)
ERNST KRENEK (1900 - 1991) They Knew What They Wanted, op. 227, narrador, oboe, piano, percusión y cinta (1977)
AGUSTIN GONZALEZ ACILU Cuarteto de cuerda nº 5 (2008)
GEORGE BARATI (1913 - 1996) Chant of Darkness (1993)
NIGEL CLARKE Black Fire (Viola y orquesta de viento, 2006)
ANGEL ILLARRAMENDI Sinfonía nº 7 (2007)
ARNOLD ROSNER Sinfonía nº 5 (1973)
MARGARET BROUWER Pulse (2003)
MIGUEL ANGEL GÓMEZ MARTÍNEZ Amaneciendo (versión orquestal, 2010)
MIECZYSLAW WEINBERG (1919 - 1996) Cuarteto nº 7 (1947)
QIGANG CHEN L' eloignement (2003)
JOAN TOWER Concert for Orchestra (1994)

KAIJA SAARIAHO

Kaija Saariaho estudió composición en Helsinki, Freiburg y París, donde ha vivido desde 1982. Sus estudios en el IRCAM tuvieron una gran influencia en su música y sus texturas, característicamente lujosas y misteriosas, son creadas a través de una mezcla de música en directo y producciones electrónicas. Aunque la mayoría de sus composiciones son obras de cámara, desde mediados de los noventa ha evolucionado hacia unas obras de mayor fuerza y estructuras más amplias, tales como óperas, Salzburg Festival (que se estrenó en los Estados Unidos en 2002), y Oltra mar, solicitada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Su segunda ópera Adriana Mater fue encargada por la Opera Nacional de París para 2006. Kaija Saariaho nació en Helsinki y estudió música en la Academia Jean Sibelius. Posteriormente mejoró sus conocimientos en Freiburg (bajo la dirección de Brian Ferneyhough y Klaus Huber) y en el IRCAM en París. Su trabajo en la década de los ochenta y noventa está remarcado por un énfasis en el timbre y en el uso de la música electrónica nacida de instrumentos tradicionales, esencialmente de la cultura nórdica y oriental. Nymphéa (Jardín secreto III) (1987), por ejemplo es un cuarteto de cuerda con música electrónica. En marzo de 2010 ha estrenado en la öpera de Lyon su tercera ópera, Emilie.

RECORDANDO A HOLMBOE

Vagn Gylding Holmboe, (20 de diciembre de 1909 en Horsens, Jutlandia – 1º de septiembre de 1996 en Ramløse) Inició sus estudios musicales a la edad de 17 años en la Real Academia Danesa de Música de Copenhague, recomendado por Carl Nielsen, donde estudió teoría musical con Knud Jeppesen y composición con Finn Høffding. Una vez finalizados sus estudios en 1929, se trasladó a Berlín, a fin de perfeccionar sus conocimientos con Ernst Toch. En 1934 contrajo matrimonio con la pianista rumana Meta Graf. De regreso a su Dinamarca natal, Holmboe impartió clases en el Conservatorio de Copenhague. Entre sus alumnos se encuentran los también compositores Per Nørgård, Ib Nørholm, Bent Lorentzen, Arne Nordheim, Egil Hovland y Alan Stout. Holmboe compuso alrededor de dos centenas de obras, incluyendo trece sinfonías, tres sinfonías de cámara, cuatro sinfonías para instrumentos de cuerda, una veintena de cuartetos de cuerda, numerosos conciertos, una opera, así como una serie de preludios para orquesta de cámara y abundante música coral, además de algunas obras de juventud que nunca recibieron número de opus. Su obra póstuma, el vigésimo primer cuarteto de cuerda, Quartetto sereno, fue finalizado por su alumno Per Nørgård. Holmboe es considerado el sinfonista danés más importante después de Carl Nielsen. Su música es tonal, caracterizada, en la mayor parte de sus composiciones entre los años 1950 y 1970, por una metamorfosis musical de fragmentos musicales o temáticos. Su obra temprana muestra la influencia de compositores de la Europa del Este, como Béla Bartók, Igor Stravinsky y Dmitri Shostakovich.

LA AUTORA DEL MES: PEGGY GLENVILLE-HICKS

Nacida en Melbourne el 29 de diciembre de 1912. Ya a la edad de quince años comenzó a tomar lecciones de composición con Fritz Hart. Grandes obras en su producción son: "Concertino da camera", el ballet "Rimbaud", "The Glittering Gate", "Concierto Etrusco", "Concierto romántico", y su Sonata para arpa, que fue estrenada por Nicanor Zabaleta en Caracas en 1951 y en Nueva York en 1953, así como varias óperas. Sus óperas más conocidas son "The Transposed Heads" y Nausicaa. Los Jefes de transportes se desarrolla en seis escenas con un libreto después de Thomas Mann y estrenada en Louisville, Kentucky , el 27 de marzo de 1954. "Nausicaa" fue compuesta en 1956 y se estrenó en Atenas en 1961. El libreto fue elaborado junto a Robert Graves basado en su novela "La hija de Homero". Su última ópera, "Safo", con libreto de Lawrence Durrell, fue compuesta en 1963 para la Ópera de San Francisco. Su última obra, "Girondelle para jirafas", es un quinteto del año 1978. Falleció en Sydney en 1990. En su testamento, Peggy Hicks-Glanville donó su casa, en Paddington, Sydney, como residencia para jóvenes compositores de Australia. Recomendamos especialmente visitar la web del Centro Australiano de la Música, que aporta una extensísima y completa información sobre esta importante compositora (click sobre la fotografía de la autora).

CINCUENTA AÑOS. CONSERVATORIO SUPERIOR DE NAVARRA

Aquí coincidimos todos, pero no fue aquí donde todos nos conocimos. En las aulas del Conservatorio hemos vivido momentos tanto dulces como amargos. Será el tiempo el que juzgue si tanto mereció la pena para tan poco o si lo poco fue para tanto. Hace falta más voluntad, más medios, más recursos... Quien se conforme con lo que tenemos es cómplice de la política cultural que padecemos. Ya está bien de compadecerse. Con tanto complejo apuntalamos la moral del siervo (Nietzsche mediante) y nos recreamos en la mediocridad más absoluta. Hay que luchar y crear. No hay otra. Las pasadas generaciones se merecen un respeto.

Margaret Brouwer estrena su Concierto para Viola y Orquesta (enero 2010)

Composer Margaret Brouwer’s music has earned singular praise for its lyricism, musical imagery, and emotional power. Her new Concerto for Viola and Orchestra will be premiered in January 2010 by Ellen Rose, viola, and the Dallas Symphony. Premieres in 2009 included Rhapsody for Orchestra by the Detroit Symphony and BREAKDOWN, a collaborative work by Brouwer and video/sound artist Kasumi, by the American Composers Orchestra at Carnegie’s Zankel Hall. Margaret Brouwer nació en Michigan, el 8 de febrero de 1940. Brouwer estudió en el Oberlin College, en el cual se graduó en 1962, y en la Universidad Estatal de Michigan. Después de haber iniciado su carrera musical como violinista profesional en la Sinfónica de Fort Worth y en la O. sinfonica de Dallas, obtuvo un doctorado en la Universidad de Indiana. Entre sus profesores se encuentran: Donald Erb, Harvey Sollberger, Frederick Fox, y George Crumb. En 2006 recibió un premio a la música de la Academia Americana de Artes y letras. Su concierto para percusión AEROLUCENT CIRCLE fue estrenado en noviembre de 2002 por la Sinfónica de Seattle, con dirección de Gerard Schwarz y la percusionista Evelyn Glennie (recomendamos especialmente desde CMC GARAIKIDEAK la grabación del sello NAXOS de 2006, con la Royal Liverpool Philarmonic Orchestra con dirección del citado Gerard Schwarz y de la genial Evelyn Glennie) Saludos.

El autor del mes: Pèteris Vasks

Pēteris Vasks (Nacido el 16 de abril, 1946) es un compositor letón.Vasks nació en Aizpute, Letonia, en la familia de un pastor baptista. Se formó como contrabajista, y desempeñó ese puesto en varias orquestas de Letonia antes de entrar en el Conservatorio Estatal en Vilna en la vecina Lituania para estudiar composición, ya que se le impidió oficialmente en la Letonia soviética debido a la política represiva hacia los baptistas. Empezó a ser conocido fuera de Letonia en el decenio de 1990, cuando Gidon Kremer comenzó a elogiar y defender sus obras, hecho que influyó hasta convertirlo en uno de los más renombrados compositores europeos contemporáneos.El primer estilo de Vasks debe mucho a los experimentos en música aleatoria de Witold Lutoslawski, Krzysztof Penderecki y George Crumb. Más tarde, ha incluido elementos de la música popular de Letonia, como se refleja, por ejemplo, en su Concierto para corno inglés (1989). Sus obras son por lo general muy claras y comunicativas, y con un sólido sentido de la armonía. Pasajes líricos pueden ser seguidos por disonancias agitadas, o interrumpidos por secciones sombrías. Ha hecho un amplio uso de técnicas, pero no es deudor de ningún método en particular. Vasks se siente fuertemente influenciado por las cuestiones medioambientales, hecho que se percibe en sus obras, como el Cuarteto de Cuerdas N º 2 (1984). Otras obras importantes incluyen cantabile (1979) y Música dolorosa (1984) y "Bass Trip" (2003) para contrabajo solista. Ha escrito cinco cuartetos para cuerda, el cuarto (2003) y quinto (2006), de los cuales fueron escritos por el Kronos Quartet. Vasks era el destinatario del Premio Herder Viena en 1996 y el letón Gran Premio de la Música en 1997, este último para su concierto de violín Tala Gaisma (1996-7). Sus obras también incluyen "Viatore", Sinfonía N º 2, "Música para un amigo fallecido".

Cuarteto MITYA

Concierto del Cuarteto Mitya en Civican, Pamplona, mayo 2009.El cuarteto de cuerda Mitya, formado por Amaia Razkin (violín), Asier Jiménez (violín), Paloma Ortas (viola) e Igor Saenz (violoncello), interpretó una obra de Haydn con la que homenajearon a este compositor austriaco en el bicentenario de su muerte. Se trata del cuarteto nº 5 de su serie más conocida e interpretada, la OP. 64. También tocaron el cuarteto OP.41 nº 1 de Schumann, el que más interés suscita al ser la primera toma de contacto del compositor alemán con el género del cuarteto.

70º aniversario del CONCERTO FUNÈBRE de Karl Amadeus Hartmann

Karl Amadeus Hartmann ( Múnich, 2 de agosto de 1905 - 5 de diciembre de 1963,) Compositor alemán del siglo XX. Fue conocido principalmente por su labor difusora de la música de su tiempo y por sus obras orquestales, especialmente sus sinfonías. Hartmann estudió con Robert Haas en la Academia de München (1924-27), fue alumno de Hermann Scherchen, quien tuvo una influencia decisiva en su posterior desarrollo. Durante el régimen nazi, se retiró de la vida musical germana y no permitió que sus obras se interpretaran en su país, a pesar de que en el extranjero iba ganando fama.En 1933 su Concertino fue estrenado en Estrasburgo y dos años después la sinfonía Miserae se presentó en el festival ISCM en Praga. El primer cuarteto para cuerdas recibió el primer premio en el certamen Carillon de Ginebra de 1936. Un año más tarde la cantata Friede-Anna 48 recibió una distinción en Viena y en 1939 la sinfonía L’Oeuvre fue estrenada en Lieja. Al año siguiente el Concerto Funèbre fue estrenado en St.Gall. Sin embargo, todas estas obras fueron retiradas por Hartmann después de estudiar entre 1941 y 1942 con Webern. Inmediatamente terminada la guerra, Hartmann fundó la serie de conciertos Musica Viva en München, un proyecto que rápidamente tuvo resonancia internacional y que estableció el modelo para muchas empresas similares. No fue hasta el estreno en Darmstadt de la Symphonische Ouverture (otra partitura posteriormente retirada) en 1947, cuando Hartmann comenzó a tener una reputación en Alemania como compositor. Varios premios se sucedieron entre 1950 y 1962, tanto en Alemania como en el extranjero. Hartmann no siguió ningún sistema o escuela particular, tampoco fue profesor. Su individualidad se desarrolló a partir de variadas fuentes. Hay lazos con Anton Bruckner en la amplitud de sus planes sinfónicos y también una tendencia hacia Mahler en las obras precedentes a la Primera Sinfonía (1937). Sus afinidades con Max Reger fueron más obvias, sobre todo en la rítmica marcada, en los temas fugales neo-barrocos y en la ocasional densidad sonora. Otros elementos importantes sobre su estilo provienen de Stravinsky y Bartok. Aunque Webern fue uno de sus maestros, no tuvo una influencia inmediata sobre la música de Hartmann. No obstante su ejemplo afectó la preocupación de Hartmann por el detalle. Una última influencia provino de Blacher. Pero Hartmann no imitó a estos modelos ni fue un ecléctico. Más que nada los empleó como estímulos creativos combinándolos con cierta independencia. En este septuagésimo aniversario del estreno de la obra, recomendamos la grabación realizada por Münchener Kammerorchester bajo la dirección de Christoph Poppen (2000) Junto al célebre Concierto Fúnebre, en esta grabación se incluyen otras dos joyas:la Sinfonía para orquesta de cuerda y el Kammerkonzert para clarinete, cuarteto de cuerda y orquesta de cuerda. Seguiremos dedicando otras secciones al recuerdo de Hartmann, una autor interesantísimo. Saludos. GARAIKIDEAK

LOS COLEÓPTEROS DE DURRELL: Apuntes para una estética de la postmodernidad

La postmodernidad es un concepto de por sí lo suficientemente heterogéneo y abierto como para resultar complejo aplicarle unas bases definitorias. Esta amplitud parece no ayudar a su interés en convertirse en una herramienta válida para la discusión científico-política y cultural, de manera que puede resulta poco operativa. Críticas y elogios son reacciones enfrentadas que acompañan a presupuestos tanto conservadores como renovadores, de ahí que definir qué es moderno requiera más astucia retórica que definir qué es posmoderno. Si el primer término se relaciona con una diagnosis sobre una idea de crisis de la modernidad que certifica la defunción de un modelo cultural que agoniza con el conflicto mundial, el segundo término se describe como una radical ruptura, más intelectual que tangible, y que nos lleva a la actualidad. De ahí que una base económica capitalista se transforme en una serie de generalizaciones, difusa en sus márgenes, como sociedad de la información o sociedad postindustrial. Más clarificador resulta en cambio aportar ejemplos, como el ascenso de la cultura de masas frente a una cultura de élite, el optimismo tecnológico, el ideal liberal democrático como única forma de gobierno “aceptable” y la nueva superficialidad, brutal y consolidada, que ingiere cuanto se aproxima a ella. Probablemente dicha transformación no sea ajena a la misma modernidad (Callinicos, Lyotard, Huyssen, Calhoun), por lo que la postmodernidad puede considerarse una profundización o continuidad de la modernidad, o mejor incluso, un amplio espectro de respuestas filosóficas, sociológicas y culturales ante las ideas iniciales de la modernidad. Definir distancias será tan clarificador como reflexionar sobre la propia ruptura. De ahí la sensación extraña que produjo el compromiso comunista de Hans Werner Henze en 1976 frente al pasmoso y cotidiano adocenamiento al que estamos acostumbrados. Quizá este movimiento esté definido por la dialéctica de la continuidad y discontinuidad de forma obsesiva, pero no todo lo actual debe ser postmoderno. Este reduccionismo entendemos que puede resultar empobrecedor. Por esta razón, por el deseo de realizar un ejercicio de autoclarificación sobre cómo se injerta la música contemporánea en este continuum postmodernista, y no por otra, aportaremos en este blog pequeñas semillas al debate actual sobre la cultura, o sobre el mundo de la vida, como propone Habermas. El próximo apunte lo dedicaremos a los rasgos constitutivos del postmodernismo como ideología. Serán pequeños coleópteros recogidos en cajas de cerillas. Así nos describía Gerald Durrell su infancia en Corfú. Agur. IFG

Tuning the House Concert at the Knight Concert Hall of the newly built Miami Performing Arts Center. Featuring the Cleveland Orchestra, Franz Welser-Möst, Music Director. August 20th, 2006 La orquesta fue fundada en 1918 por Adella Prentiss Hughes, con Nikolai Sokoloff como director de orquesta principal. Desde sus inicios, hizo giras por el este de los Estados Unidos, transmisiones radiofónicas, y grabó muchos álbumes. Los siguientes directores principales (a los que se dio el título estadounidense de Director Musical) han sido Artur Rodziński (1933–43), Erich Leinsdorf (1943–44), George Szell (1946–70), Pierre Boulez (Consejero Musical 1970–72), Lorin Maazel (1972–82) y Christoph von Dohnányi (1984–2002). El puesto de Director Musical actualmente lo tiene Franz Welser-Möst.

ALFREDO ARACIL

Nacido en Madrid, en 1954. Realizó estudios musicales con S. Gómez Tejeda, T. Marco, C. Bernaola, C. Halffter, L. de Pablo y A. Tamayo, entre otros, en Madrid, y K. Stokhausen, I. Xenakis, C. Wolf y M. Kagel, en Darmstadt. Ha sido becario del Internationales Musikinstitut de Darmstadt y de la Fundación Juan March entre otras instituciones. Es doctor en historia del arte, campo al que ha dedicado una parte importante de su actividad. Entre sus publicaciones destacan El siglo XX, entre la muerte del arte y el arte moderno, con Delfín Rodríguez (Istmo, 1982; 3ª reimpr. 1998), y Juego y artificio. Autómatas y otras ficciones del Manierismo a la Ilustración (Cátedra, 1998). Desde 1977 ha trabajado en los servicios musicales de RNE, donde fue Jefe del Departamento de Producciones Musicales de Radio 2 y miembro del Grupo de Expertos de Música Clásica de Euroradio (UER). Ha participado asimismo en la organización de programas culturales para el Consorcio "Madrid, Capital Europea de la Cultura 1992" y para el Instituto Cervantes de París en 1993. De 1994 a 2001 fue Director del Festival Internacional de Música y Danza de Granada. En la actualidad es miembro de la Junta Directiva de la Sociedad Española de Musicología (SEdeM), Presidente de la Sección Española de la Sociedad Internacional para la Música Contemporánea (SIMC) y profesor asociado de la Universidad Autónoma de Madrid.

EL AUTOR DEL MES: OSVALDO GOLIJOV

Osvaldo Golijov (born December 5, 1960) Osvaldo Golijov grew up in an Eastern European Jewish household in La Plata, Argentina. Born to a piano teacher mother and physician father, Golijov was raised surrounded by classical chamber music, Jewish liturgical and klezmer music, and the new tango of Astor Piazzolla. After studying piano at the local conservatory and composition with Gerardo Gandini he moved to Israel in 1983, where he studied with Mark Kopytman at the Jerusalem Rubin Academy and immersed himself in the colliding musical traditions of that city. Upon moving to the United States in 1986, Golijov earned his Ph.D. at the University of Pennsylvania, where he studied with George Crumb, and was a fellow at Tanglewood, studying with Oliver Knussen. In the early 90's Golijov began to work closely with two string quartets, the St. Lawrence and the Kronos. Both ensembles were the earliest to project Golijov's volatile and category-defying style in its true, full form. In 2002, EMI released Yiddishbbuk, a Grammy-nominated CD of Golijov's chamber music, celebrating ten years of collaboration with the St. Lawrence String Quartet, featuring clarinetist Todd Palmer. The Kronos Quartet released three recordings featuring their collaborations with Golijov: The Dreams and Prayers of Isaac the Blind, featuring David Krakauer, as well as Caravan, and Nuevo. Kronos also expanded Golijov's musical family through collaborations with artists such as the Romanian Gypsy band Taraf de Haidouks, the Mexican Rock group Café Tacuba, tablas virtuoso Zakir Hussain, and legendary Argentine composer, guitarist and producer Gustavo Santaolalla, with whom Golijov continues to collaborate. For the past decade Golijov has been inspired by the voice of Dawn Upshaw, for whom he composed several works, including the Three Songs for Soprano and Orchestra, the opera Ainadamar, the cycles Ayre and She Was Here, and a number of arrangements.

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